Liebe Leute, aufgrund der anhaltenden Lage in Sachen COVID-19 („Coronavirus“) und der damit verbundenen Auflagen kann das Konzert nicht wie geplant im Oktober 2021 stattfinden und wird auf den Oktober 2022 verschoben. Gekaufte Tickets behalten auf jeden Fall ihre Gültigkeit!

Statement Dotan:

"It breaks my heart that my European ‘Satellites’ tour will be moved to next year, due to ongoing Covid restrictions. I can’t even put into words how excited I have been to finally tour all these beautiful countries. The only thing I know for sure is that I’ll have lots of new music to sing for you next year and will, as always, give my all! Love you, stay safe and see you next year ??”

- Tickets im VVK gibt es unter : www.dodotickets.de -

„tiny missing fragments” ist das zehnte Studioalbum der Dark Wave Avantgardisten von diorama, veröffentlicht am 23. Oktober 2020 auf allen Kanälen.

Seit jeher gelten diorama als verkopft und unkonventionell. Und nie zuvor war dieses Label so berechtigt wie heute. Auf „tiny missing fragments” vollziehen diorama einen konsequenten Bruch mit klassischen Elektro- Arrangements. Ihre emphatischen Botschaften verpacken sie stattdessen in Glitch Beats, komplexe Loops und atmosphärische Dichte. Episch und melodiös wird es in den Refrains, in denen die melancholische Leichtigkeit früherer Releases wie „amaroid“ und „her liquid arms“ durchscheint.

Aufgenommen und produziert wurde das Album in Eigenregie von Torben Wendt und Felix Marc. Neben den eindringlichen Vocals und den vielen Sounddetails tragen auch die psychedelischen Gitarreneffekte von Zura Nakamura entscheidend zum Charakter des Albums bei. Für Präsenz in den Clubs dürften Tracks wie „gasoline“ oder der von zoodrake produzierte Remix von „horizons“ sorgen. Seine Strahlkraft erhält das Album aber durch die verstörende, zerrissene Ästhetik, die sich insbesondere bei Balladen wie „irreversible“ oder „dark pitch“ entfaltet.

Als Vorboten zur Albumveröffentlichung werden mehrere Single-Releases inkl. Videomaterial ausgekoppelt. Das Coverartwork entstand in Zusammenarbeit mit dem niederländischen Künstler Faizki, der exklusiv für dieses Release eine Bilderserie anfertigte.

diorama bestehen seit 1996 und blicken zurück auf eine Vielzahl an Veröffentlichungen und Auftritten bei Konzerten und Festivals. Das Line Up der 4 Musiker ist seit vielen Jahren (abgesehen von einem Wechsel an der Gitarrenposition) unverändert.

Aufgrund der anhaltenden Pandemiebeschränkungen für globale Live-Events, müssen die für Oktober 2021 geplanten Konzerte von Donavon Frankenreiter in Deutschland erneut verschoben werden. Die Tour findet nun 2022 statt. Bereits gekaufte Karten behalten ihre Gültigkeit. Neu im Vorverkauf ist ein Termin in Worpswede in der Music Hall am 6. Oktober 2022. (Alle Termine und Infos weiter unten im Text.)

Seit nunmehr 20 Jahren nimmt Donavon Frankenreiter Alben auf und tourt um die Welt. „Surfen hält mich am Leben, die Musik erdet mich", sagte er einmal. Es ist wie bei seinem Freund Jack Johnson: mit Surfbrett und Gitarre entspannt durchs Leben gehen und dasselbe genießen. Mit über einem Dutzend Alben, mehreren EPs und hunderten geschriebenen Songs ist Donavon Frankenreiter ein Spezialist, wenn es um funkige Jams, coole Rhythmen und Gute-Laune-Grooves geht. Dazwischen bleibt aber auch immer wieder Platz für weitere Entwicklungen musikalischer Natur.

„hi loveliest people in the world! good news and bad news.



bad news first, i’m devastated to say that i have to cancel and reschedule some of my shows this fall, due to colliding production schedules. trust me i’m as disappointed as you are, if not more.



the GOOD news is, each canceled show will be rescheduled for even bigger venues in early 2023 so that more of you can come!



all information can be found on my website [joshuatbassett.com/tour] for which shows are staying and which are moving. i’m working with my team to get the details out to you all as soon as possible – some will be refunded in order to re-book a new date, and some will be rescheduled automatically. if you can’t make your new date, you WILL be reimbursed!!! i promise the wait will be worth it. thank you in advance for understanding, and i can’t wait to see you all soon!!!“

- Tickets im VVK gibt es bei: onstage-promotion.reservix.de -

Es ist ein schmutziger Job, aber einer muss ihn ja schliesslich machen. Oder siebeneinhalb. FiDO (2003-?), sieben mutige Mannen und ihre madonnengleiche Mischerin – sind 2020 auf "Atlantis & Elsewhere" - Tour und greifen dabei erneut tief in die Repertoire- und Trickkiste desamerikanischen Komponisten, Gitarristen und stilbildenden Bürgerschrecks Frank Zappa (1940-1993). An Bord ihr aktuelles Doppel-Live Album "Atlantis & Elsewhere" von der letzten Tour.

Mit der unerschrockenen Mischung aus rotzig-rockiger Live-Show gepaart mit virtuosem Schweizer Präzisions- Handwerk, mit der die bühnenerfahrenen Profis ihre Leidenschaft für die Musik des Great American Composer ausleben, weiss das Schweizer Tribute Orchestra jedes Publikum zu packen. Die sieben Musiker zelebrieren vielstimmig und mit Verve obskure Geschichten von modifizierten Hunden, stinkenden Füssen, traurigen Eskimos und allerlei anderen Kuriositäten des Lebens, der schnoddrige Humor und die bisweilen fiesen Zoten des Frontmannes Dave Muscheidt atmen den Geist des grossen Entertainers und Provokateurs FZ. FiDO nutzen improvisatorische Freiräume schamlos aus, brechen stilistische Grenzen virtuos und schöpfen die musikalische Vielfalt und den kompositorischen Humor von Zappas Werk voll aus.

Mit etlichen begeisternden Live-Shows in ganz Europa und sechs Tonträgern hat sich das Schweizer Tribute- Orchester in der letzten Dekade wohl einen Platz im Olymp der weltweiten Zappa-Gemeinde erspielt: Stilsicher, virtuos, humorvoll und mit ganz eigenem Approach berauschen sich FiDO und sein Publikum auch nach 17 Jahren am genialen Werk Frank Zappas

Hello my dear followers and supporters. After much thought and going back and forth with my team, my doctors and in my own mind for months, I have come to the conclusion that I’m not ready to tour yet. This is where I’m at: I’m still recovering from the events of this year. Since I got out of the hospital, healing has been my top priority, and I actually thought by the fall EU tour I would be feeling stronger, more confident and ready to prove myself. This is not the case. I feel emotionally, mentally and physically fragile. In the past I likely would have ignored these feelings and still done the tour, but I’m trying this new thing where I don’t push my body and mind beyond what it can handle ha. I have, however, decided to keep two dates- London and Manchester. I feel comfortable taking on two great shows that are in close proximity to each other that have limited travel. This way Cape God will at least get to be celebrated live twice, and at least some of you will get to experience it. I’m sorry for everyone that I’ve disappointed with these tour cancellations. I know some of you have had these tickets for literally years, because of the pandemic. I am very very lucky to have such incredible fans, and I really hope to make it up to you when I’m on more stable ground. For now, I’ll be doing my best to make these 2 shows the best they can be.

Tickets: vvk.link (print@home & Mobile Ticket)
Vorverkauf: 20 € (zzgl. Gebühren)
Einlass: 19:00 Uhr • Beginn: 20:00 Uhr
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Dagobert hat einen Lauf. Ein gutes Jahr nach seinem so breitgefächerten wie persönlichen Album „Jäger“ legt der Schweizer Chansonnier mit seinem fünften Werk „Bonn Park“ Zeugnis eines durch und durch inspirierten Künstlers ab. Er erzählt seine Geschichten über aussichtslose Beziehungen diesmal mit so viel Humor und Gefühl, dass sich jede und jeder darin wiederfinden wird. Mit „Ich Will Ne Frau Die Mich Will“ und „Du Fehlst Mir“ liefert er zudem Hits, die in jeder sinnvollen Welt monatelang an der Spitze der Charts verharren müssten.
Die Entstehung des Werkes allerdings erstaunt. Knapp die Hälfte der Songs wurde nämlich schon während der letzten beiden Albumaufnahmen zusammen mit Produzent Konrad Betcher aufgenommen, dann aber wieder aussortiert. Tatsächlich ist „Bonn Park“ für Dagobert-Verhältnisse schon fast ein Gute-Laune-Album und das obwohl in jedem einzelnen Song inhaltlich stark gelitten wird. Die mitreissenden und schwelgerischen Arrangements lassen das zwar nie vergessen, aber sie machen den Schmerz überaus geniessbar. So unterhaltsam war Dagobert noch nie.
Mit „Ich Verlasse Dich“ und „Alle Träume Müssen Sterben“ startet „Bonn Park“ mit zwei klassischen Dagobert-Hymnen, deren gnadenlose Direktheit und sphärische Traurigkeit uns sofort in das von aller anderen Musik so weit entfernte Dagobert-Universum saugen. In diesem werden wir noch durch traumhafte Musiklandschaften geführt, verneigen uns vor dem einzig wahren Gott aus Dagoberts Kindheit „Uli Jon Roth“ und können in „Unteilbar“ erstmals zu einem Dagobert-Song moshen. Die musikalischen Einflüsse für dieses Album sind also wieder einmal ausgesprochen divers und reichen von Wendy Carlos bis Vin Diesel.
Aber was hat es eigentlich mit dem Albumtitel auf sich? Bonn Park ist ein bekannter Theaterregisseur und ein enger Freund Dagoberts. Er schrieb das Albumfinale „Kometenlied“ einst für seine Oper „Drei Milliarden Schwestern“, in welcher auch Dagobert mitwirkte. Aber warum heisst das ganze Album so? „Weil es sich nett anhört und ansonsten keinen Sinn macht.“ Bonn Park ist also eine Ansammlung von eher zufällig zusammengewürfelten Songs. Anfühlen tut es sich aber wie das genaue Gegenteil. Wie aus einem Guss und äusserst kurzweilig kommt das fünfte Dagobert-Album daher und wird mit seiner geschmackvollen Einfachheit und seinem mitreissenden Pathos nicht nur jetzt schon eingefleischte Dagobert-Fans begeistern.

-Tickets im VVK gibt es bei www.koka36.de und bei www.eventim.de -

Seit der Veröffentlichung ihres Debütalbums im Jahr 2018 haben es We Three aus Portland geschafft, über 156 Millionen Song-Streams, 1 Million Follower auf TikTok (mit 23 Millionen Likes) und Hunderttausende engagierte Follower in den sozialen Medien zu erreichen. Das liegt zum großen Teil an der einzigartigen Herangehensweise der Band an das Songwriting, die vielleicht als eine außergewöhnliche Fähigkeit beschrieben werden kann, sehr nachvollziehbare Songs über psychische Gesundheit, Liebe und Unsicherheit abzuliefern.

Der Frontmann der Band, Manny Humlie, verpackt diese Art von Themen oft in ansteckende Melodien mit messerscharfer Produktion. Die Band veröffentlicht am 13. Mai als weitere Single „KISSIN‘ WHEN WE’RE MAD“ und am 27. Mai das Album „HAPPY“, gefolgt von ausgewählten US-Terminen und einer UK/EU-Tour. Mit viralen Hits wie „Sara“ und „Heaven’s Not too Far“ und neuen Veröffentlichungen wie „3AM“ und „Full Time Job“ scheint sich das Wachstum der Band in nächster Zeit nicht zu verlangsamen.
Fotocredit: Emilie Farris.

-Tickets im VVK gibt es bei www.ticketmaster.de -

Fabian Wegerer steht auf saubere Reimketten und metaphorische Vergleiche. Er liebt es die Welt des Hip Hop & Rap mit der des Pop zu vermischen und somit seine ganz eigene perfekte Art von Musik zu erschaffen. Nach einigen Support Shows von Wincent Weiss im Sommer kommt Fabian Wegerer im Oktober auf eigene Headline Tour!
Präsentiert von BRAVO & The Pick

-Tickets gibt es bei www.dodotickets.de -


Brian Michael Downey….ein Zeitzeuge der Rockmusik, eine lebende Legende, das Original-Gründungsmitglied von Thin Lizzy!

Der in Dublin/Irland geborene Schlagzeuger ist mitverantwortlich für wahre und zeitlose Rock-Klassiker. Zusammen mit dem unvergessenen Phil Lynott war er bis zur ersten Auflösung 1983 die einzige Konstante der Band. Aber nicht nur für Thin Lizzy war Downey am Schlagzeug aktiv. Auch für Gary Moore, der ebenfalls für einige Zeit bei Lizzy tätig war, hat er im Studio die Drums bedient. Unter anderem für das legendäre Album „Still Got The Blues“. Mit Downey´s Band „Alive & Dangerous“ ist er – nach wie vor – live aktiv und halt die einzigartige Thin Lizzy-Spirit nämlich am Leben!

Für viele Schlagzeuger war Downey die Inspiration und der Antrieb. Seine Bandkollegen von Alive & Dangerous profitieren von so viel knowhow und Erfahrung und genießen die Zusammenarbeit mit Downey. „Alive & Dangerous“. Eines der besten Live-Alben der Rockgeschichte. Von einer der besten Bands ever: THIN LIZZY. „The Boys Are Back In Town“, „Don´t Believe A Word“, „Dancing In The Moonlight“, „Jailbreak“. Unvergessen. Unvergleihlich. Unverschämt gut. Leider ist der charismatische Frontmann Phil Lynott viel zu früh von uns gegangen.

Aber Thin Lizzy-Gründungsmitglied und Drummer Brian Downey hält die irische Rock-Flagge weiterhin weit weit oben! Wer also wahre Rock-Klassiker mal wieder live aus erster Hand erleben möchte, der sollte sich Brian Downey´s Alive & Dangerous unbedingt antun.

-Tickets im VVK gibt es bei www.dodotickets.de (kein VVK im Frannz Office)-

THE CORONAS bringen im Juni ihr sechstes Album True Love Waits raus und gehen damit auf Tour. Die Band aus Dublin ist mit ihren Vorgängeralben stets in den Charts gelandet und wurden mit dem Meteor Award (2010) ausgezeichnet. Ehemals zu viert, macht die Band nun ohne Gitarrist Dave McPhillips weiter. Im September geht es auf Deutschlandtour. Tickets sind ab dem 28.02.2020, 12 Uhr an allen bekannten Vorverkaufsstellen erhältlich.

weitere Infos folgen in Kürze.

-Tickets gibt es bei www.eventim.de

Hinweis: Hinweis: Dies ist der Nachholtermin für das Konzert vom 08.12.2021 (ursprünglich 05.12.2020, bzw. 28.04.2021). Sämtliche bereits gekauften Karten behalten ihre Gültigkeit.

Tickets sind weiterhin bei Eventim.de sowie an allen bekannten VVK-Stellen erhältlich!

Eine Sache vorab: BLVTH spricht man [blu?t] – nicht „BLFT“ und schon gar nicht Bluetooth. Aber mittlerweile dürfte das bei den meisten angekommen sein. Denn BLVTH hat sich in den letzten Jahren einen Namen gemacht und steuerte Produktionen für das Nummer-1-Album „Lang lebe der Tod“ von Casper sowie dessen anschließendes, nicht minder erfolgreiches Kollaborationsprojekt „1982“ mit Marteria bei. Zuletzt fungierte er als Executive Producer für das ebenfalls auf Platz 1 gechartete Album von Kraftklub-Frontmann KUMMER.

Nach dem in diesem Sommer „BLVTH COUTURE S/S 2019 COLLECTION“ erschienen ist, veröffentlicht BLVTH jetzt pünktlich zum Winter mit „I Don’t Know If I’m Happy“ die nächste Collection. „Der Name der Collection ist genau wie der Name meines Labels – Call Me Anytime – ein Quote, der ständig im BLVTH-Kosmos und in meinem Leben zu finden ist.

Die Quotes haben einen tiefen Bezug zu meinem Leben, sie sind sehr persönlich und nah bei mir. Ich teile sie mit der Welt, weil ich mir sicher bin, dass sich viele damit identifizieren können und ich nicht der einzige, bin der sich diese Fragen stellt oder diese Gedanken hat.“ Die erste Single der Collection hört auf den Namen „No Shame“. Ballernde Bässe, Eighties-Synth und eiskaltes Drum-Programming – alles zusammengehalten von BLVTHs energetischem Gesang voller Pathos. „Der Song ist rough, brutal und live ein totaler Abriss!“ Apropos: Nach Support-Shows für Casper & Marteria, Ahzumjot und Cashmere Cat geht es für BLVTH im Dezember pünktlich zum Release der neuen Collection auf die jetzt schon größtenteils ausverkaufte „Pre-Stadium Pt. II“-Tour durch Deutschland und Österreich.

Modernes Jazzkollektiv um Bandleader Christian Eitner kündigt Deutschland-Tournee zum neuen Studioalbum ›Discotheque‹ (VÖ: 23.9.22) an
Jazzkantine blickt zurück auf die avantgardistischen Anfänge der Disco-Ära in New York
Wir müssen wieder tanzen. Wir müssen wieder singen. Und so taucht die Jazzkantine ein in die Welt der Discomusik, die in ihren Ursprüngen vor 50 Jahren im Milieu des New Yorker Undergrounds viel diverser und avantgardistischer ist, als man vermutet. Eine innovative Melange aus ersten DJ-Techniken und bombastischen Soundsystemen bietet auf privat organisierten Houseparties den Nährboden zur freien Entfaltung der Gay- und Black-Community. Erst viel später folgt der internationale Boom mit Hits wie ›Stayin‘ Alive‹ und ›Le Freak‹, auch die Rolling Stones, Abba und Kiss springen bekanntlich auf den Zug auf.
Und wie es sich für die experimentierfreudige Jazzkantine gehört, entsteht auf ›Discotheque‹ (VÖ: 23.9.22) ein Sound, den man ›Disco Jazz‹ nennen könnte – alles im gewohnten Mix aus Funk, Soul und Rap. Tunes, die Lust machen, die neun Musiker endlich wieder live auf der Clubbühne zu erleben. Liebe Fans: Let´s groove tonight!
›Es ist Jazz‹: Einst inspiriert von Quincy Jones legendärem ›Back on the Block‹-Album, das eine Vielzahl prominenter Musiker*innen verschiedener Musikrichtungen fusionierte, hat die Jazzkantine bis heute ihren ganz eigenen musikalischen Weg zwischen Jazz und Rap gefunden – und einen originären Sound geschaffen.
Christian Eitner, Bandleader, Bassist und Produzent, erinnert sich an die Anfänge der Jazzkantine: »Geplant war eigentlich nur eine Compilation mit Gastmusiker*innen und kleiner Band – doch plötzlich lagen Angebote von drei Majorlabels vor, die schnell fragten, ob das auch auf Tour gehen kann.« So nahm die musikalische Geschichte der Jazzkantine ihren Lauf. Das gleichnamige Debüt schaffte es bis auf Platz 62 der deutschen Charts, verkaufte über 100.000 Exemplare und gewann zudem einen German Jazz Award, später auch den ›Echo‹. Die Jazzkantine hat ein elitäres Genre selbstbewusst revitalisiert: »Wir waren ein Teil derer, die den traditionellen Jazz entstaubt haben« sagt Eitner. Mit 15 Musiker*innen ging es damals im doppelstöckigen Nightliner auf die erste Tour. Eine musikalische »Klassenfahrt« – natürlich mit allen exzessiven Begleiterscheinungen. »Wir waren und sind die Rock’n’Roll-lastigste Jazz-Band« meint Frontmann Cappu.
Die Jazzkantine hatte nie Berührungsängste, das neue Studioalbum ›Discotheque‹ stellt dies eindrucksvoll unter Beweis. Gründer und Gangleader Christian Eitner hat es geschafft, seine vielköpfige Charaktertruppe im Kern seit fast 30 Jahren zusammenzuhalten. Klar, es gab Unstimmigkeiten, Streits, Abgänge. Doch Aufgeben gibt es für die Band aus der Löwenstadt Braunschweig nicht. Gestählt durch unzählige Gigs in kleinen schmuddeligen Clubs, aber auch in piekfeinen Theatern und in riesigen Arenen. Die Jazzkantine hat bis dato um die 1.500 Konzerte gespielt, das Schönste und Schlimmste, Aufregendste und Außergewöhnlichste aus allen Musikwelten erlebt. Und sie hat noch lange nicht genug.

Jazzkantine 2022
Cappuccino – Rap
Tachi – Rap
Tom Bennecke – Gitarre
Stephan Grawe – Keyboards
Andy Lindner – Schlagzeug
Christian Eitner – Bass
Heiner Schmitz – Saxofon
Christian Winninghoff – Trompete
Album ›Discotheque‹
23.09.2022 VÖ – CD, Digital
30.09.2022 VÖ – Vinyl LP

Tickets im VVK gibt es bei: velocitysounds-tickets.reservix.de/tickets-disillusion-disillusion-in-berlin-frannz-club-am-29-10-2022/e1752582 -

Who are we? Where do we go? These are the kind of existential questions that have arisen for many of
us during these last years and that have also been haunting DISILLUSION during the process of
creating their fourth full-length "Ayam". Without a chance to perform live and their personal lives also
being affected by many restrictions the focus of the German avant-gardists shifted fully towards their
band and the creation of new songs as well as recording. The effect is audible: "Ayam" sounds richer,
even more multi-layered, and fully matured compared to the already highly praised previous releases.
Yet the intricacies of their music are never just a means to an end, but more than anything all the
complexity is subjugated to serve the inner feeling and cinematic aspect of each song itself.
The thematic questions and multi-dimensional layers of the songs are also reflected in the album title
"Ayam". The word derives from Sanskrit and means "This One". Pronounced in English it sounds like "I
am", while reading it backwards turns it into "Maya", which is neither an accident nor explained by the
band that obviously likes to offer riddles.
While DISILLUSION stuck closer together, they were also searching their hearts whether it was time to
change old habits and try out something new. This led to the excellent decision to leave the mix of the
album to different ears than the bands' for the first time. Their choice could not have been better as
renowned producer Jens Bogren (OPETH, KATATONIA, MOONSPELL) once again worked his exciting
magic and enhanced their already unique sound by shining a sonic spotlight to the most important
aspects such as the vocals.
Founded around singer and guitarist Andy Schmidt in the East Germany city of Zwickau in 1994,
DISILLUSION pulled the rare trick of already becoming a staple in the field of avant-garde melodic
death metal with the release of their full-length debut "Back to Times of Splendor" in 2004. The
Germans have always been driven to seek new challenges and find new ways to evolve their music,
which was exemplified by the following album "Gloria" that took radical musical steps in several
directions at the same time. "Gloria" was far ahead of its time in terms of composition and sound, which
becomes apparent when compared to GOJIRA's masterpiece "Magma" for example that came out a
decade later.
Despite their early success, DISILLUSION took a creative hiatus until suddenly returning in 2016 with
the single "Alea" and a new line-up that had changed in several positions. Quite likely even to the
band's surprise, a large and loyal fan base had formed during the decade of their absence, which
showed in sold out shows and a highly successful crowdfunding campaign to realize a new album,
which the Germans repeated for "Ayam".
When "The Liberation" was released in 2019, critics described the album as a logical continuation of
"Back to Times of Splendor". Its songs reflected 15 years of additional experience in the musical
development of Andy Schmidt. "The Liberation" turbo-charged all of DISILLUSION's best qualities: the
perfect interplay of massive metal with moments of pure euphoria and quiet introspection that create a
sonic rollercoaster ride of passionate emotions.
With "Ayam", DISILLUSION again sail among the stars to new stellar constellations of heavy sounds.
While staying true to their general course, the German avant-garde pioneers also continue dropping
anchor to explore new planets sparkling in space with a multitude of radiant sounds. "Ayam" offers
exciting evolution rather than radical revolution, and DISILLUSION's new musical forms and means are
most beautiful and astonishing to behold. This album is a golden ticket to join the extraordinary journey
of a life-time. Please feel free to check-in anytime you like!
Release date: November 4, 2022
Style: Avantgarde Metal
Recording line-up
Andy Schmidt – vocals, guitar
Sebastian Hupfer – guitar
Ben Haugg – guitar
Robby Kranz – bass, backing vocals
Martin Schulz – drums
Current line-up
Andy Schmidt – vocals, guitar
Ben Haugg – guitar
Robby Kranz – bass, backing vocals
Martin Schulz – drums
Guest musicians
Birgit Horn – trumpet, flugelhorn
Clara Glas – cello
Frederic Ruckert – keyboard
Marek Stefula – triangle
Recorded & produced by Andy Schmidt & Disillusion at Echolux Studios Leipzig
Drum recording engineering by Magnus Wichmann
Mixed by Jens Bogren at Fascination Street Studios, Sweden
Mastered by Tony Lindgren at Fascination Street Studios, Sweden
Artwork by Safi at Betriebsbuero
Links
disillusion.de
www.facebook.com/disillusionband
www.instagram.com/disillusion_band
Shop link
disillusion..shop

-VVK-Tickets gibt es bei: www.eventim.de

Xaver ist aufgewachsen in einer Künstlerfamilie in Berlin Charlottenburg und wurde dementsprechend schon früh an die Musik herangeführt. Seine Mutter Branwen Okpako ist eine nigerianische Filmemacherin, sein Vater Johannes Brandrup ist ein deutscher Film- und Theaterschauspieler und sein Stiefvater Jean-Paul Bourelly ist ein afro-amerikanischer Jazzmusiker.

Auch seine Geschwister Ilan Brandrup (NALI) und Bibi Bourelly machen sich in der Musikbranche einen Namen. Letztere hat beispielsweise „Diamonds“ von Rihanna geschrieben.
Inspiriert von Künstlern wie Black Thought und Kanye West schreibt er seine Texte erst auf Englisch, mittlerweile rappt er auf deutsch.

Xaver steht nun kurz vor dem Release seiner Debüt-EP Flugmodus, die gemeinsam mit dem Berliner Produzenten Kaz entstanden ist. Dass Xaver gut im Berliner Untergrund bekannt und vernetzt ist, wird auch an den Features mit Monk (BHZ) und Sira deutlich. Der Sound der EP ist geprägt von genreübergreifenden Einflüssen, die von Detroit Style bis hin zu UK Garage reichen. Neben seinen technischen Rap Skills beweist er auch auf der lyrischen Ebene großes Fingerspitzengefühl für einen durchdachten und erfrischenden Umgang mit Worten. Xaver ist Künstler durch und durch – nicht nur seine Musikvideos plant und dreht er in Eigenregie, selbst die Artworks zu seiner Musik liefert er selbst.

Das Konzert wurde verschoben vom 24.11.2021 auf den 02.11.2022 und vom Frannz ins Hole44- Karten behalten ihre Gültigkeit!

Nachricht von Gil: „Ich kann kaum in Worte fassen, wie sehr ihr mir fehlt, die Bühne mir fehlt und wie ich die Live-Auftritte mit meiner Band vermisse. Es tut mir schrecklich leid, aber in diesen unberechenbaren Zeiten unter schwierigsten Umständen bleibt uns nichts anderes übrig, als meine Tour auf das nächste Jahr zu verschieben, damit wir dann so richtig miteinander feiern können! Es ist, wie es ist. Lasst uns gemeinsam die Vorfreude und die Hoffnung hochhalten und durchhalten! Ich vermisse Euch - Shalom!“
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Der Münchner Musiker und Schauspieler Gil Ofarim veröffentlichte Ende Februar 2020 sein langersehntes neues Album „Alles Auf Hoffnung“, welches eine Woche nach Veröffentlichung direkt bei der Clubtour groß von seinen Fans gefeiert wurde. Nun kommt er wieder zurück nach Berlin!
Tickets gibt es unter www.eventim.de/gil-ofarim/, www.myticket.de, www.mewes-ticket.de und an allen bekannten Vorverkaufsstellen.

-Tickets im VVK gibt es bei www.dodotickets.de (kein VVK im Frannz)-

Spätestens seit der erfolgreichen Kollaboration mit Schiller, und den beiden Hits „Dream Of You“ und „Leben … I Feel You“ ist klar:
Die unverwechselbare Stimme von Peter Heppner veredelt nicht nur melancholische Songs, sondern harmoniert auch ganz hervorragend im Electro- und Dancepop Gewand. So war es nur eine Frage der Zeit, bis mit „Tanzzwang“ ein eigenes Album in diesem Stil erschien, nämlich im Doppelpack mit dem aktuellen Album „Confessions & Doubts“. Und da man tanzbare Sounds am Besten im Club genießt, kommt dieses Projekt im März und April 2020 in eben diese.
Zu den Gästen des Abends gehören neben Keyboarder Dirk Riegner auch zwei lokale DJ´s, die den Auftritt von Peter Heppner stimmungsvoll einrahmen werden. Der „Tanzzwang“ erfasst Dich also schon ab Einlass.

“For Thee Sacred Souls, the first time is often the charm. The band’s first club dates led to a record deal with the revered Daptone label; their first singles racked up more than ten million streams in a year and garnered attention from Billboard, Rolling Stone, and KCRW; and their first fans included the likes of Gary Clark Jr., The Black Pumas, Princess Nokia, and Timbaland. Now, the breakout San Diego trio is ready to deliver yet another landmark first with the release of their highly anticipated, self- titled debut.

“Every step of the way has just been so organic,” says drummer Alex Garcia. “Things just seem to happen naturally when the three of us get together.”

Indeed, there’s something inevitable about the sound of Thee Sacred Souls, as if these ageless songs of love and loss have somehow always existed, as if Garcia and his bandmates—bassist Sal Samano and singer Josh Lane—have been playing together for a lifetime already. Produced by Bosco Mann (aka Daptone co-founder Gabriel Roth), the record is warm and textured, mixing the easygoing grace of sweet ’60s soul with the grit and groove of early ’70s R&B, and the performances are utterly intoxicating, with Lane’s weightless vocals anchored by the rhythm section’s deep pocket and infectious chemistry. Hints of Chicano, Philly, Chicago, Memphis, and even Panama soul turn up in their music, and while it’s tempting to toss around labels like “retro” and “vintage” with a deliberately analog collection like this, there’s also something distinctly modern about the band that defies easy categorization, a rawness and a sincerity that transcends time and place.
“I think we found the best of both worlds with this band,” says Lane. “We get to be innovative and honest and challenge ourselves as artists, but we also get to dig deep and pay homage to the foundational stuff that helped shape us.”
It was that shared love and respect for the foundations of soul that brought the band together in the first place. Launched in 2019, the group began with Garcia and Samano, who bonded over their similar experiences growing up in southern California and a mutual affinity for record collecting. While Samano didn’t pick up the bass until he’d already graduated from high school, Garcia had spent much of his teenage years obsessing over guitar and drums and teaching himself how to record on an old Tascam tape machine, and the pair’s mix of technical know-how and innate curiosity proved to be an ideal match. All they needed was a singer.

“I remember coming across Josh on Instagram,” says Garcia, “and I thought he could be a good fit even though he was doing something a little different. We invited him to come to a rehearsal with us, and he just came up with these great lyrics and melodies right on the spot. We knew he was the guy after one take.”

Joining a group like Thee Sacred Souls wasn’t an obvious move for Lane, though. A Sacramento native, he’d fallen in love with music through the church and studied classical voice in college, where he sang everything from French arias to Italian opera. When he moved to San Diego in 2017, he planned on becoming a solo artist, and his ambitions skewed more toward dreampop and chillwave than the old school soul sounds Garcia and Samano were cooking up.

“I grew up with a lot of the classic references like Al Green and Marvin Gaye and Curtis Mayfield,” Lane recalls, “but I always just thought I’d sprinkle little bits of that into whatever I ended up doing. When I met these guys, though, they introduced me to deep soul and lowrider stuff like Thee Midniters, and that really opened things up.”

Performing live as a seven-piece (the core trio plus guitar, keys, and two backup vocalists), the band generated a local buzz almost immediately, which put them on Mann’s radar and led them into his Riverside, CA, studio. At the time, Mann was planning to launch a new Daptone imprint named Penrose Records, and Thee Sacred Souls were an obvious fit for the label’s inaugural release.

“They had a sound that caught my ear right away,” says Mann. “The combination of Sal and Alex’s taste and touch in the rhythm section with Josh’s masterful sense of voice and melody was just so fresh. I knew they could make an album that would blow some minds.”

The band more than delivers on that promise with Thee Sacred Souls, which opens with the mesmerizing lead single “Can I Call You Rose?” With lyrics penned on the spot by Lane during his first rehearsal with the group, the track is a silky slice of pure romance and an ideal entry point into the group’s timeless sound. Like much of the album, it’s a bittersweet meditation on matters of the heart and the primacy of love, one fueled by lush horns, velvety vocals, and an impossibly smooth rhythm section. The unhurried “Lady Love” tips its cap to the South Side of Chicago as it reckons with forgiveness and second chances, while the doo-wop tinged “It’s Overflowing” draws on both classic Chicano soul and Jamaican rocksteady music in its pledges of devotion, and the nakedly sensual “Future Lover” flips the band’s lineup on its head as it revels in the highs of infatuation.

“For a lot of songs, Alex writes the instrumental and demos them out at home,” says Samano, “but ‘Future Lover’ actually grew out of an after-practice jam session one day where we all switched instruments. I was on drums, Alex was on guitar, our guitarist was playing bass, and it all just clicked into place as soon as Josh started singing.”

The album’s vocals—both Lane’s beguiling leads and the collection’s airy female backups—serve as the glue that often binds these tracks together, imbuing the hypnotic arrangements with an undeniable sense of emotional urgency. The restless “Weak For Your Love” highlights Lane’s dazzling falsetto; the charming “Easier Said Than Done” complements his laidback delivery with a wordless counter melody; and the lilting “Trade Of Hearts”—a duet with vocalist Jensine Benitez—even brings Garcia and Samano in for call-and-response lines. But perhaps it’s the bittersweet “Sorrow For Tomorrow” that best showcases the breadth of Lane’s range as he shifts effortlessly between mellifluous vocal runs and semi-spoken passages all about loss and healing, growth and forgiveness, longing and regret.

“That song is basically permission to cry,” says Lane. “It’s a reminder that it’s okay to be open to pain and not to feel like your emotions are a burden or make you any less of a man.”

Ultimately, that’s what Thee Sacred Souls is all about: not just accepting our emotions, but embracing them as a beautiful and fundamental piece of the human experience. It can be difficult, no doubt about it, but as with everything else they do, Thee Sacred Souls make it look easy.

-weitere Infos folgen in Kürze!

-Tickets im VVK gibt es bei: www.listen.berlin -

FORTUNA EHRENFELD sind dabei den nächsten Schmetterball auf die bundesrepublikanische Tischtennisplatte zu platzieren. „Wir haben uns gerade erst warmgelaufen“, tönt es aus dem Ehrenfelder Studio. Na dann…
Mit einem fantastischen Konzert (KStA) in der ausverkauften Kölner Philharmonie verabschiedeten sich FORTUNA EHRENFELD aus der laufenden Saison und schon werden wieder neue Farben angerührt für das fünfte Album „Das letzte Kommando” (VÖ 01.09.22, tonproduktion records).
FORTUNA EHRENFELD sind aus der deutschsprachigen Indie Szene nicht mehr wegzudenken. Martin Bechler hat sich mit seiner eigenwilligen Poesie ein eigenes Genre geschaffen und zieht mit unverbrauchter Gelassenheit einen nach dem anderen Pfeil aus dem Köcher. Geheimwaffe und Tastenkönigin Jenny Thiele und Schlagzeuger und Elektronik Professor Jannis Knüpfer komplettieren die Reisegruppe Seltsam zu einem einzigartigen Trio.
Drei Platten, eine EP, ein französischsprachiges Album, hunderte Konzerte: Was FORTUNA EHRENFELD seit 2016 abgeliefert und erreicht haben, ist erstaunlich. Und es gibt einem Hoffnung. Denn eine Welt, in der eine so krude wie selbstbewusste Mischung aus Pop und Poesie, aus Tresen und Tanzfläche, aus Melancholie und angetäuschtem Dachschaden ein Publikum findet, kann so am Arsch dann doch wieder nicht sein. Die Fans des Trios haben sich vermehrt wie die Karnickel im Kölner Blu?cherpark und das hat sich auch mit der aktuellen Platte „Die Ru?ckkehr zur Normalität“ (VÖ 28.05.21) nicht geändert.
Schon mit den Vorgängeralben „Hey Sexy“ und „Helm ab zum Gebet“ sowie den dazugehörigen Tourneen haben FORTUNA EHRENFELD ihr Revier abgesteckt und sich etabliert als Band, die so klingt wie keine andere.
Martin Bechler ist einer der beeindruckendsten und eigenständigsten Texter, die sich auf deutschen Bühnen ans Mikro stellen. Als ob es das Leichteste der Welt wäre, reiht er Marmeladenwörter und Porzellansätze aneinander, pendelt zwischen Bananen, Banalem und Philosophischem und hat in jedem Song mindestens eine Falle eingebaut, die sich genau dann auftut, wenn man denkt, man hätte ihn und seinen lyrischen Shtick durchschaut. Bechler ist kein Sprachpanscher, sondern ein begnadeter Wortwinzer, der einen Cuvée herstellt aus Zutaten, die sich sonst keiner zusammenzubringen traut. Kein Wunder, dass FORTUNA EHRENFELD ihren eigenen Wein haben.
Photo: © Michael Haegele
ACHTUNG:
Aufgrund der dynamischen Lage, können wir euch derzeit noch nicht sicher sagen, unter welchen behördlichen Bestimmungen das Konzert stattfinden wird. Alle Konzertbesucher*innen müssen jedoch damit rechnen, dass das Konzert unter den aktuell geltenden behördlichen Bestimmungen der 2G / 2G+ -Regelung oder weiteren Präventionsmaßnahmen stattfinden wird. Informiert euch bitte kurz vor der Show nochmals zu den tagesaktuellen Regelungen beim örtlichen Veranstalter und/oder Venue.

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Mit der ebenso bezaubernden wie aufwühlenden Trennungs-Ballade „Fingers Crossed“ nahm im vergangenen Februar eine neue Pop-Karriere ihren Anfang, die ihresgleichen sucht: Die 19-jährige Lauren Spencer-Smith aus dem kanadischen Vancouver Island kam förmlich aus dem Nichts und becirct seither nicht nur Gleichaltrige mit ihrer Stimme und ihren selbstkomponierten Songs. „Fingers Crossed“ wurde allein auf Spotify seit der Veröffentlichung 240 Millionen Mal gestreamt, die Nachfolgesingle „Flowers“ kratzt aktuell ebenfalls an der 100-Millionen-Marke bei Spotify. Und dies alles dank ein paar kurzer Ausschnitte auf TikTok. Derzeit arbeitet Lauren Spencer-Smith an der Fertigstellung ihres Debütalbums, zwischendurch wird sie am 15. November für eine exklusive Deutschland-Show nach Berlin kommen.

Lauren Spencer-Smith vermittelt unverblümt, was sie auf dem Herzen hat. Wenn sie ans Mikrofon tritt, erzählt die Sängerin und Songwriterin aus Vancouver Island die Art von Geschichten, die normalerweise nur lange nach Sonnenuntergang von besten Freunden ausgetauscht werden. Ihre ungefilterten Gefühle schwingen genauso laut mit wie ihr voluminöser Gesang und zeichnen die Höhen und Tiefen des Lebens und alles dazwischen mit scharfen Texten und noch schärferen Melodien nach. Sie balancierte zwischen Job und Schule, brachte sich selbst Klavier und Gitarre bei und veröffentlichte seit ihrem elften Lebensjahr Videos in den sozialen Medien.

Eines Tages sang sie Lady Gagas „Always Remember Us This Way“ aus „A Star Is Born“ im Truck ihres Vaters. Der daraus resultierende improvisierte Clip explodierte mit zig Millionen Aufrufen auf Facebook. American Idol lud sie ein, in der Saison 2020 aufzutreten, und sie platzierte sich unter den Top 20. Unzählige Songwriting-Sessions folgten, während sie an der Seite mehrerer bekannter Produzenten und unabhängigerer Talente an ihren Fähigkeiten feilte.

Mitten in den COVID−Lockdowns startete sie ihre TikTok-Seite und fütterte sie mit einem ununterbrochenen Strom neuer Inhalte. Mit einem mitreißenden Cover von Olivia Rodrigos „All I Want“ und Originalen wie „For Granted“ und „Back To Friends“ erlangte sie erst auf TikTok und in der Folge auf allen Streaming-Plattformen großen Anklang. Dann folgte ihre erste offizielle Single „Fingers Crossed“ – sie bereitete den großen Durchbruch vor. Ein Smartphone-Video von Laurens Unplugged-Performance des Songs setzte TikTok in Brand, generierte über eine halbe Milliarde Aufrufe auf der Plattform, übertraf weltweit über 400 Millionen Streams und erreichte die Top 10 bei Pop & Hot AC Radio. Als das Lied Anfang 2022 als offizielle Single veröffentlicht wurde, wurde es ein internationaler Charthit. Es erreichte die Top 20 in den USA, die Top 5 in Großbritannien und in Irland und Norwegen sogar Platz 1 der Hitlisten.

Die nächste Single „Flowers“, im Mai veröffentlicht, sowie die aktuelle Single „Narcissist“ folgten diesen Erfolgen und fanden Einzug in die internationalen Charts. Nachdem Lauren Anerkennung von Billboard, Genius, Stereogum und anderen erhalten hat, wird sie sich mit ihrem bevorstehenden Debütalbum in voller Länge richtig vorstellen, an dem sie derzeit mit Top-Produzenten wie Greg Kurstin (Adele, Beck) arbeitet.

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Injury Reserve, ursprünglich ein Trio bestehend aus den Rappern Ritchie With a T and Stepa J. Groggs sowie dem Produzenten Parker Corey, sind eine US-amerikanische experimentelle Hip-Hop-Größe aus Tempe, Arizona.

Sie erlangten erstmalig durch ihre Mixtapes Live From The Dentist (2015) und Floss (2016) Aufmerksamkeit in der Underground Szene und bauten sich mit Hilfe des Internets eine internationale Fangemeinde auf. Das Debütalbum Injury Reserve erschien 2019.

Das Schaffen der Gruppe wurde auf tragische Weise unterbrochen, als Groggs im Juni 2020 im Alter von nur 32 Jahren verstarb. Auf Twitter äußerten sich Injury Reserve mit den Worten "REST IN POWER Jordan Alexander Groggs a loving father, life partner and friend".

Ihr zweites Studioalbum By the Time I Get to Phoenix war zum Zeitpunkt von Groggs Tod größtenteils aufgenommen. Ritchie und Cory verbrachten daraufhin ein Jahr damit, das Album zu zweit fertigzustellen. Die Bedeutung des Albumtitels geht über die Bezugnahme auf die Heimatstadt von Injury Reserve hinaus. Es ist eine Hommage an einen Song, der unzählige Male gecovert wurde, was dem Ethos und der Herangehensweise der Gruppe entspricht, wenn es darum geht, Musik zu machen.

Die Gruppe schöpft aus verschiedenen Stilen und Epochen des Hip-Hop, verleiht jedoch jedem Part ihren eigenen unverwechselbaren Injury Reserve Sound. Nirgendwo ist diese Dynamik präsenter als auf By the Time I Get to Phoenix.

Injury Reserve

17.02.22?– Cologne, Yuca

21.02.22 – Berlin, Frannz Club

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Dan Mangan is a two-time JUNO award winning & two-time Polaris Music Prize listed musician and songwriter. He lives in Vancouver, British Columbia with his wife and two sons. He has released 5 studio LPs on Arts & Crafts, and toured extensively in North America, Europe & Australia. Dan also scored the feature film Hector And The Search For Happiness starring Simon Pegg as well as television shows for Netflix and AMC. In 2017, he co-founded Side Door, a community marketplace platform for the arts that seeks to democratize and decentralize the entertainment industry by allowing any space to be a venue.


Dan’s new single “In Your Corner (for Scott Hutchison)”, is a direct response to the indie-rock anthem “The Woodpile” from Scotland’s Frightened Rabbit, and is dedicated to the outfit’s late and dearly missed songwriter, Scott Hutchison. With the lines “Leave a light on when it’s bad / We will congregate and make a plan / We’ll be in your corner” Dan is replying to Hutchison’s question, “Will you come back to my corner? / Spent too long alone tonight”.


“We’d only met once but Scott’s passing eviscerated me. He was my age and very close with several dear friends of mine,” says Mangan, “Either he couldn't see how deeply he was loved by the world, or he didn’t feel worthy of it. How come he could bring joy to so many people but not to himself? I remember weeping as I poured cereal for my boys that morning. This song came very quickly in the days that followed.”

Liebe Leute, aufgrund der anhaltenden Gesamtsituation und der damit verbundenen Auflagen bzw. Maßnahmen kann/konnte das Konzert leider nicht wie ursprünglich geplant stattfinden. Wir freuen uns jedoch, einen Nachholtermin gefunden zu haben:
‼ VERSCHOBEN auf 26.11., VERLEGT ins Frannz ‼
Bereits gekaufte Tickets behalten natürlich ihre Gültigkeit.



loft.de/event/20221126-sophie-and-the-giants/
short.fkp.de/sophieandthegiants
Sein Debüt gab das britische Indie-Pop-Quartett aus Sheffield, bestehend aus Sängerin Sophie Scott, Chris Hill (Schlagzeug), Bailey Stapledon (Bass) und Toby Holmes (Gitarre), vor drei Jahren mit „Adolescence“. Der große Durchbruch folgte schließlich im vergangenen Jahr, seit welchem Sophie and the Giants gemeinsam mit Purple Disco Machine und dem Song „Hypnotized“ europaweit die Charts stürmen. „Hypnotized“ ist ein Song mit betörender Italo-inspirierter Melodie, welcher thematisch die Ausnahmesituation des Jahres 2020 zusammenfasst. Konträr dazu konzentriert sich Sophie Scott in „Right Now“ auf den Optimismus im Jahr 2021 und äußert sich wie folgt dazu: „Als ich den Song schrieb, schienen alle Angst zu haben, dass sie für den Rest ihres Lebens in ihren Schlafzimmern festsitzen würden. Ich wollte den Menschen ein positives Gefühl für die Zukunft geben“. Das Resultat ist eine kraftvolle, dringliche und trotzige Hymne für jeden, der aus seiner Box ausbrechen möchte. Ausbrechen, Kontrolle über die Situation übernehmen und den Blick nach vorn richten.
Das war schon immer die Mission von Sophie and the Giants – der Band mit der unglaublich fesselnden Frontfrau, die ihre Geschichten mit vorausschauendem, progressivem, emotionsgeladenem Pop untermalt. Dieser Indie-Pop, der ein bisschen auf der Kante zu Punk und Wave tanzt, ist voller Euphorie, Wucht und Optimismus, voller Melodien, die dank Sophies wandlungsfähiger Stimme erst richtig zur Geltung kommen. Ebenso auf dem neuesten Werk des Quartetts „Don’t Ask Me To Change“, einer atmosphärischen, Hook-geladenen Synthie-Pop-Hymne über Selbstakzeptanz. „Ich schrieb diesen Song zu einer Zeit, in der ich mich an einer Gabelung in meinem Leben befand und meine Beziehungen zu den Menschen um mich herum hinterfragte“, erzählt Sophie Scott. „Jedes Mal, wenn ich etwas Neues über mich selbst herausfand, verspürte ich den Zwang, es zu verdrängen und mein wahres Ich herunterzuspielen, um nicht verurteilt zu werden“, ergänzt sie. „Don’t Ask Me To Cange“ trotzt allen Selbstzweifeln und zeigt vielmehr, dass Sophie and the Giants zurück sind

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“Jedem Anfang geht ein Ende voraus”, ist eine Zeile der Wiener Band Oehl. Sie entstammt dem Song Keramik, den der Musiker Casper 2018 als Song des Jahres betitelte und der Herbert Grönemeyer dazu veranlasst hat, Oehl zu seinem Label Grönland Records zu holen und Ende 2019 auf seiner Stadiontournee als Vorgruppe zu engagieren. Es folgen Festivals (uA Reeperbahn, Maifeld Derby) und Fernsehauftritte (z.B. Inas Nacht, Live in SK1), sowie das Studioalbum Über Nacht (2020) und die politische EP 100% Hoffnung (2021).

Bis Ende 2021 war Oehl ein Duo bestehend aus dem Wiener Liedermacher Ariel Oehl und dem isländischen Multiinstrumentalist Hjörtur Hjörleifsson. Seit Beginn 2022 tritt Oehl als Solo Projekt auf. Ariel Oehl, der namensgebende Sänger, bleibt dabei aber den poetischen Miniaturen treu, die er auf trockenen Beats und eingängigen Bass-Riffs á la Tame Impala mit seiner sanften Stimme serviert und die im deutschen Sprachraum unvergleichlich bleibt. Ergänzt wurde der Sound um crunchige E-Gitarren, die auch auf die Live-Umsetzung in 2022 neugierig macht.

Tickets sind ab sofort online (VVKs-Link: www.eventim.de
) sowie an allen bekannten VVK-Stellen erhältlich!
Mavi Phoenix veröffentlicht neue Single „Nothing Good“ mit Auftritt im ZDF Magazin Royale am 07.05.

Mit dem vielbeachteten und mutigen Debu?talbum “Boys Toys” trat Mavi Phoenix vor 12 Monaten letztmals ku?nstlerisch an die O?ffentlichkeit. Seitdem hatte sich der vielseitig talentierte O?sterreicher zuru?ckgezogen, um sich ganz seiner Gender Transition und dem damit verbundenen, perso?nlichen Entwicklungsprozess zu widmen.

Am 07.05. pra?sentiert Mavi Phoenix nun seine neue Single „Nothing Good“ live im ZDF Magazin Royale mit Jan Bo?hmermann. Die Performance ist sein erster, o?ffentlicher Auftritt seit Sommer 2020, bei der er seine zweite Single als Mann vorstellt. Das Stu?ck wandelt zwischen trotzigem Rocksong und R’n’B Ballade auf den Pfaden unmo?glicher Liebe:

„‘Nothing Good‘ handelt vom Gefu?hl, wenn man verliebt ist, aber es irgendwie nie mit dieser einen Person so richtig passt, egal was man versucht. Man verzweifelt fast, weil man so gerne ha?tte, dass es einfach scho?n mit ihr ist, aber es gelingt nicht. Der Song ist wie eine ungesunde Beziehung, die man nicht loslassen kann“, erkla?rt Mavi.

Lyrisch sowie musikalisch besticht Mavi Phoenix in „Nothing Good“ durch Klarheit, Kreativita?t und Selbstbewusstsein. Die markanten Singles und der ikonische TV-Auftritt bilden den wegweisenden Auftakt fu?r die na?chste Schaffensperiode des Ausnahmeku?nstlers Mavi Phoenix.

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Es gibt Stimmen, die einen hellhörig machen und bestenfalls regelrecht umhauen. Genau darauf sollte man vorbereitet sein, wenn man Loi in seinen Gehörgang lässt.

Gleich ihre erste Single „I Follow“ sorgte für Gänsehaut, wurde Soundtrack von „Ostwind“ und schließlich der McDonalds Kampagnensong zu Weihnachten. Ihr The Weeknd Piano Cover von „Blinding Lights“ hat bis heute über 30 Millionen Streams erzielt, das Video wurde acht Millionen Mal geklickt und auf TikTok gibt weit über 1 Mio Creations zu der gefühlvollen Acoustic Version von Loi. Inzwischen hat die erst 19 Jahre alte Loi über eine halbe Millionen Follower auf Social Media und eine beachtliche weltweite Fangemeinde hinter sich aufgebaut. Das hat auch den US-Produzenten Tommy Brown (u.a. Ariana Grande, The Weeknd, BTS) beeindruckt, der sie kurzerhand für eine Zusammenarbeit nach L.A. eingeladen hat.

Jetzt erschient als nächste Single „Bad Idea“. Darauf erzählt Loi eine Geschichte voll innerer Zerrissenheit, dem Spiel mit dem Feuer und der großen Frage, ob es eine schlechte Idee ist, etwas längst Vergangenes, wieder in die Gegenwart zu holen und das Chaos wieder aufleben zu lassen. Die Singer-Songwriter Ballade nimmt den Hörer auch im Video mit in ein kleines Apartment irgendwo in L.A. und lässt die Weite doch sehr nah wirken. Die treibende, organische Produktion verleiht dem Song die nötige Energie und lässt ihn vor allem nach einem klingen: Der ganz großen Bühne.

Ende 2022 ist es endlich soweit, Loi geht auf ihre erste eigene „I Follow Tour“. Tickets gibt es ab sofort unter www.chimperator-tickets.de/loi.

Loi – I Follow Tour

• 24.11.2022 Leipzig – NAUMANNs
• 25.11.2022 Köln – Club Volta
• 26.11.2022 Stuttgart – Im Wizemann
• 27.11.2022 München – Strom
• 30.11.2022 Zürich (CH) – Werk21
• 01.12.2022 Wien (A) – DasWERK
• 03.12.2022 Hamburg – Bahnhof Pauli
• 04.12.2022 Berlin – Frannz Club
• 10.12.2022 Mannheim – Alte Feuerwache

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Dardust ist Dario Faini – Komponist, Produzent und Pianist.

Dardust ist das erste italienische Projekt für Instrumentalmusik, das den minimalen Klaviersound mit der modernen elektronischen Welt aus Nordeuropa verbindet. Der Name Dardust ist eine ironische Hommage an Ziggy Stardust, den von David Bowie gespielten Außerirdischen, der eine immer noch andauernde Weltraumvorstellung inspirierte, sowie eine Hommage an das Duo Dust Brothers (das unter dem Namen The Chemical Brothers) und deren Debütalbum “Exit Planet Dust”.

Dardust ist eine Mission, die die Achse Berlin – Reykjavik – London durchläuft und sich von diesen Städten inspirieren lässt, indem sie eine Trilogie von Platten darauf aufbaut: Der erste Schritt ist Berlin, wo das Album “7” aufgenommen wurde (Funkhaus Studios / 2015); das zweite Album “Birth” wurde dagegen in Reykjavik aufgenommen (Sundlaugin Studios / 2016). Das dritte Album “S.A.D. Storm and Drugs” wurde zwischen London und Edinburgh geschrieben und aufgenommen. Dardust ist ein multidimensionales Live-Erlebnis, das aus einem faszinierenden und emotionsgeladenen klassischen Set, gemischt mit fesselnden Elektro-Sounds und einer breiten Palette von spektakulären visuellen Effekten besteht.

Preis: 28€ zzgl. Geb.

Tickets sind online sowie an allen bekannten Vorverkaufsstellen erhältlich!

AESTHETIC PERFECTION ist ein zu 100% unabhängiges Industrial-Pop-Projekt, bestehend aus dem in Los Angeles geborenen Produzenten Daniel Graves und dem in New York City lebenden Drummer Joe Letz. In ihrer 20-jährigen Karriere, nach sechs Alben und zahlreichen Singles und Musikvideos, haben Graves und seine Crew den Dark-Electro neu erfunden, indem sie Industrial, Pop und alles, was dazwischen liegt, kombiniert haben.

Obwohl das Mainstream-Publikum sie seit Jahrzehnten nicht auf dem Radar hatte, sind AESTHETIC PERFECTION keine Unbekannten in der Musikwelt: die Band hat zahllose ausverkaufte Shows in Europa und Amerika gespielt. Ihr Erfolg auf kleineren Bühnen hat sie auch auf ihr jüngstes Abenteuer vorbereitet: den Support von Till Lindemann (Rammstein) auf seiner 2020er-Tournee mit seinem Nebenprojekt LINDEMANN.

Neben zahlreichen Kollaborationen wie zum Beispiel mit Richard Z. Kruspe (RAMMSTEIN), Jinxx (BLACK VEIL BRIDES), CELLDWELLER, Nikki Misery (NEW YEAR’S DAY) und Sebastian Svalland (PAIN / LINDEMANN) hatten sie auch Songs im einem Netflix-Programm und Filmen, sowie im Soundtrack zu „The Underworld: Awakening“.

Die Instabilität des Musikbusiness während der Corona-Pandemie hat schließlich zum „12 Singles in 12 Monaten“-Projekt geführt. Im Rahmen des Projektes wurden im ganzen 12 Singles veröffentlicht, die letzte davon „Lonesome Ghosts“ am 3. Dezember 2021.

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Das Hamburger Trio SONO ist ohne Zweifel eine der konstantesten Größen der elektronischen Tanzmusik und aus der Szene nicht weg zu denken. Im Jahr 2020 feiert die Band ihr 20 Jähriges Jubiläum und beschenkt ihre Fans zu diesem Anlass mit einem Best of Album der Extraklasse. Neben brandneuen Songs wird das Album auch Remixe ihres größten Hits „Keep Control“ enthalten.
Das Album erscheint im Januar 2020.

Den Tour Trailer findet ihr hier:

www.youtube.com

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MORITZ GARTH ist nicht nur einer der erfolgreichsten deutschen Social Media-Stars mit über 450.000 Abonnenten auf Youtube und 270.000 Instagram-Followern. Der 26jährige Wahl-Berliner setzte auch schon große musikalische Ausrufezeichen. Nicht zuletzt mit seinem 2018er-Hit „Bumerang“, der allein auf YouTube über acht Millionen Klicks aufweist.

MORITZ GARTH wuchs in der zweitkleinsten Stadt Deutschlands, in Kusel/Rheinland Pfalz, auf. Nachdem seine Großeltern ein Klavier hatten, probierte er sich schon früh an den schwarz-weißen Tasten aus: „Als Kind habe ich mich immer drangesetzt und war davon fasziniert. Als meine Eltern mich fragten, welches Instrument ich gerne lernen möchte, habe ich mich für Klavier entschieden; da war ich acht Jahre alt. Daraufhin hatte ich über neun Jahre Unterricht, traute mich aber nie zu singen.“ Erst mit 15 unternahm MORITZ GARTH erste Versuche mit seiner Stimme. „2012 habe ich das erste Video von mir singend am Klavier aufgenommen und auf YouTube hochgeladen. Die alten Videos sind aber schon lange nicht mehr online.“

Aus den ersten zaghaften musikalischen Alleingängen wurden im Laufe der Zeit eine ganze Reihe fantastischer Songs mit großartigen, professionellen Videos, die allesamt hohe bis höchste Klickzahlen aufweisen. „Irgendwie hatte ich schon immer das Gefühl, dass ich mich auf der Bühne wohlfühle, dass ich Musik machen möchte. Sicher war ich mir dann nach den Erfolgen der ersten eigenen Songs, besonders nach dem Erfolg von „Bumerang“, als ich gemerkt habe, dass ich mit meiner Musik das Leben von anderen Menschen positiv beeinflussen und ein wenig besser machen kann. Auch wenn es nur der Moment ist, wenn sie den Text hören und sich denken: `Ja das kenn ich auch, mir geht es nichtallein so´!“

2018 wurde der aufstrebende Singer/Songwriter mit dem ABOUT YOU – Award und mit der Goldenen Kamera in der Kategorie „Best Music Act“ ausgezeichnet. Er konnte Lea als Support auf ihrer „Fahrtwind“-Tour 2018 begleiten, bevor es im Frühjahr 2019 auf die eigene „Bumerang Club“- Tour ging. Zudem spielte MORITZ GARTH zusammen mit Acts wie Glasperlenspiel, Max Giesinger oder Nico Santos auf diversen Festivals – bis Corona auch den jungen Künstler in den Lockdown schickte. „In der Zwangspause hatte ich viel Zeit zu schreiben und zu verstehen, was meine Musik wirklich ist. Das hatte ich vorher nicht, als ich jeden Tag präsent sein musste, sei es im Studio, im Fernsehen, bei Live-Auftritten oder auf Social Media. Die Pause war hart, aber auch eine sehr lehrreiche Zeit, aus der ich viel mitnehmen konnte und mich für das bereit gemacht hat, was in Zukunft auf mich zukommt!“ Die im November 2021 veröffentlichte Single „Zeit für uns“ ist in einer Songwriting-Session zusammen mit Robert Redweick und Sebastian Kirchner entstanden. Wie so oft ist dieser Song autobiografisch beeinflusst. „Ich war damals noch in einer Beziehung, die eigentlich sehr schön war und die bestimmt auch noch sehr lange gut gelaufen wäre, aber ich hatte für mich selbst gemerkt, dass es für mich JETZT gerade nicht das richtige ist. Vielleicht irgendwann, vielleicht auch nicht, aber jetzt definitiv nicht! Und mit dem Gedanken bin ich in die Session, habe das den Jungs erzählt und wir haben den Song geschrieben. Es ist ein sehr ehrlicher und persönlicher Titel.“ Bei MORITZ GARTH hat man immer wieder das Gefühl, er öffnet sein Tagebuch, vertont sein Leben und teilt es mit seinen Fans. „Zeit für uns“ -ein weiterer Meilenstein in der noch jungen Karriere des talentierten Musikers. „Ich bin schon sehr gespannt darauf, wie meine Fans den neuen Song finden, ob sie sich damit identifizieren können oder was sie in den Song rein projizieren.“ Der Track rangierte Wochen in den TOP5 der Deutschen TikTok Creations, kann unterdessen rund 6 Mio. Spotify-Streams und weit über 1 Mio. Youtube-Klicks verzeichnen. Was für ein Aufschlag nach der Pause. Im Mai 2022 erscheint mit „Liebe“ nicht nur die vielbeachtete Folgesingle, mit der MORITZ GARTH auf Festivaltour gehen wird, „Liebe“ ist auch der bezeichnende Titel der für Frühjahr 2023 angekündigten eigenen Headlinertour.