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Chanson Noir, Post-Industrial, Avant-Pop, NeuFolk, Singer-Songwriter… es bedarf wohl all dieser Wortschöpfungen um der faszinierenden Musik ROMEs beizukommen, die sich dennoch jeglicher Kategorisierung entzieht. Der Nukleus des Projekts ist der in Luxemburg geborene Sänger und Multiinstrumentalist Jerome Reuter. Reuter behandelt in seinen Texten oft historische und gewichtige Themen und spickt sie mit Versatzstücken aus der Weltliteratur. Waren bei ROME die Bezüge zum aktuellen politischen Zeitgeschehen eher indirekt, so hat dieses Prinzip spätestens mit der Veröffentlichung des 2023’er Albums “Gates of Europe” ein Ende, welches unter den aufwühlenden Emotionen des Kriegs in der Ukraine geschrieben wurde. Nur wenige Tage vor der russischen Invasion im Februar 2022 absolvierte der Ausnahmekünstler noch Soloauftritte in Kyiv sowie Odessa und bereits im Juli 2022 bereiste er die Ukraine für weitere Gastauftritte und Spendenaktionen. Reuter war damit der erste ausländische Künstler, der seit Beginn des Krieges ein komplettes Konzert auf ukrainischem Boden absolvierte.

Im zweiten Kriegsjahr im Februar 2023 kehrten ROME in voller Bandbesetzung zurück, um zum ersten Jahrestag der Invasion zwei mittlerweile legendäre Konzerte in Kyiv und Lwiw zu spielen. Parallel dazu ist mit “Gates of Europe” ein Album entstanden, welches mit minutiös geschliffenen Kleinoden chronologisch durch das erste Kriegsjahr führt. Das Engagement für die Ukraine ist für den überzeugten Europäer Reuter eine Selbstverständlichkeit und doch in seiner Kompromisslosigkeit vorbildlich. Auf der “Gates of Europe” Tour – wie schon zuvor auf vorangegangenen Tourneen – werden Spenden für Flüchtlingsheime in der Ukraine gesammelt. Dabei wird aber nicht nur Repertoire aus dem gleichnamigen Album im Mittelpunkt stehen, sondern es werden auch viele andere unverzichtbare ROME-Klassiker präsentiert sowie die eine oder andere Überraschung geboten. Definitiv mit im Gepäck: Die neue Single “Yellow and Blue”! ROME gelingt immer wieder der Kunstgriff, das Unaussprechliche der Welt in eindringliche Musik und bewegende Liveauftritte zu bannen. Ohne großen Posen, nur auf das Wesentliche konzentriert. Und genau das macht die große Anziehung aus.

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Marie Bothmer geht es wirklich „fucking gut“. Nach der Veröffentlichung ihrer EP „Swimmingpool“ am vergangenen Freitag, kündigt die Sängerin und Songwriterin nun ihre erste eigene Headliner- Tournee im April 2023 an. Tickets für die fünf Tourstädte sind ab Montag, den 27. Juni 2022 um 10:00 Uhr, an allen bekannten Vorverkaufsstellen erhältlich.

Den Titeltrack ihrer EP veröffentlichte Marie Bothmer bereits im November 2021 und präsentierte sich damit deutlich verändert: frischer, jünger – und wunderschön traurig! Bereits knapp 3 Millionen Streams auf den Song „Swimmingpool“ zeigen, dass die Musikerin damit intuitiv die richtige künstlerische Entscheidung getroffen hat.

Nach Support-Shows für Julian le Play und KLAN im April und Juni 2022, steht sie ab dem 1. Juli 2022 als Support-Act bei fünf Terminen der ausverkauften „Besser kann ich es nicht erklären“-Tour von Madeline Juno auf der Bühne. Nächstes Jahr folgt dann die erste eigene Tour durch Deutschland.

Ihre Fans können auf weitere Releases gespannt sein und sich vor allem darauf freuen, Marie Bothmer und ihre neuen Songs wie „Kugelsicher“ oder die Single „Deadline (feat. YRRRE)“ zwischen dem 14. und 21. April 2023 live auf Tour zu erleben.
Fotocredit: Pawel Zielinski & Celeste Call

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Releasing his music on his own record label is something that James has sustained and championed the entirety of his career. It allows him to control every aspect of his music and legacy and he oversees a back catalogue that has now amassed in excess of 50 million plays across all platforms. If further proof of James’ infectious magnetism across the industry were needed, one need look no further than the long list of artists lining up to collaborate with him - from arena-filling superstars such as Stormzy and Sam Smith to the likes of Herbie Hancock, Lang Lang, Marcus Mumford and Disclosure amongst many others. It’s these collaborations, blended with influences from the likes of Frank Ocean, D’Angelo, Erykah Badu and Robert Glasper, that have led to James developing a unique sound and style of his own whilst emerging as one of UK music’s most interesting voices.

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ÜBER ELA.
Nicht erst seit ihrem 2020 veröffentlichten Solo-Debüts „Liebe & Krieg“, das bis dato mehr als 60 Millionen Artist Streams gesammelt hat, gehört ela. – mit bürgerlichem Namen Elżbieta Steinmetz – zu den aktuell erfolgreichsten und renommiertesten Singer-/ Songwriterinnen in Deutschland.

Bereits 2014 trat sie als Leadsängerin ihrer Pop-Folkband Elaiza beim ESC an, um Deutschland zu vertreten und seither auf Solopfaden zu wandeln.

Die im Deutsch-Pop beheimatete Künstlerin mit ukrainischen Wurzeln hat sich jedoch auch durch genreübergreifenden Kollaborationen mit hochkarätigen Musikeinnen einen Namen gemacht. Von Helene Fischer über Michael Patrick Kelly bis zu Adel Tawil oder aber der Power Antikriegshymne Kupala, die europaweit für Furore sorgte und zum ukrainischen Top Ten Hit wurde, es scheint keinen Sound zu geben, die ela. nicht mit ihrem kraftvollen facettenreichen Gesang und gefühlvollen Klavierspiel bereichern könnte.

Ihre Single-Auskopplung „Irgendwann“ hat sich bis dato mehr als 100.000 mal verkauft.
Durch das tiefgründige und reflektierte Auseinandersetzen mit gesellschaftskritischen Themen, ist sie vor allem in den letzten Jahren zu einem wichtigen Sprachrohr ihrer Generation avanciert. Der in Berlin lebenden Songwriterin ist es wichtig, mit berührender Sprache, subtiler Lyrik und großer Poesie ihre Geschichten zu erzählen, aber doch auch gleichzeitig so viel Raum zu lassen, dass die Menschen sich selbst in ihnen finden können.

Mit ihren neuesten Singles „Zwischen den Welten“ und „Immer jemand wach“ läutete Ela. zuletzt ein neues musikalisches Kapitel ein. Das dazugehörige Album wird im Sommer dieses Jahres folgen.

Nachdem sie die letzten Monate intensiv an ihrem zweiten, Anfang 2023 Album und zahlreichen Kollaborationen gearbeitet hat, geht die Wahlberlinerin im Oktober auf ausgedehnte Immer jemand wach Tour.

Sie selbst sagt dazu: ,, Kein anderes Medium der Welt kann das Live Erlebnis ersetzen. Nach der langen Zeit im Studio freue ich mich riesig, so viele Fans & Freunde endlich wiederzusehen, schließlich ist man ZUSAMMEN weniger allein.

Und gerade weil unsere Zeit von Ungewissheit und Sorgen geprägt ist, brauchen wir alle eine Auszeit und vielleicht auch ein bisschen Magie um mal auf andere Gedanken zu kommen; und was hilft da besser als Musik?“

Weitere Infos zu ela. Homepage I Instagram I YouTube I Facebook I TikTok

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Weitere Infos in Kürze..

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Wunderhorse are excited to announce their biggest headline shows to date, including a stop at London’s O2 Forum Kentish Town on 1st November.

This run of live performances punctuate a breakout campaign which has seen the band touring with the likes of Fontaines D.C, Pixies, Sam Fender and Foals, whilst selling out their own headline slots along the way.

‘Purple’ – the latest offering from Wunderhorse’ acclaimed debut album, Cub – currently sits on rotation at Radio One, Radio X and Absolute Radio.

Cub was born from the ashes of singer Jacob Slater’s much-hyped but ultimately ill-fated teenage punk outfit Dead Pretties. After calling it a day on the anarchic trio, Slater relocated to the Cornish coast in search of a more peaceful existence in which he could concentrate on his own wellbeing and indulge in his passion for surfing.

This clean coastal air and slower pace of life quickly paid dividends, allowing Jacob to grow as an artist and apply himself to building an introspective and cerebral songbook, without losing any of the bite from his previous endeavour.

From the tightly-coiled claustrophobia of ‘Teal’, to the barnstorming blues-rock of ‘Leader of the Pack’, via to a bleary-eyed nostalgia of ‘17’, Cub’s tracks are the fruits of maturity: a testament to exiting the road to self-destruction, gaining perspective, and realising the potential of an abundant songwriting talent.

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Griff meldet sich mit einer neuen Single zurück. Mit „Vertigo“ hat die Britin, die aus dem Stand zum Superstar wurde, einen intimen, cineastischen und erhebenden Song aufgenommen, der wie alles von ihr sofort unter die Haut geht. Es ist ein schwindelerregender Track einer jungen Frau, die gerade erst in ihre Kraft kommt. Von Griff selbst produziert und mit ihrem unverwechselbaren 360-Grad-Ansatz, der Songwriting, Produktion, Mode und Design umfasst, zu neuen Höhen geführt, fängt „Vertigo“ die Orientierungslosigkeit der frühen Zwanziger ein, gepaart mit dieser geerdeten Weisheit, die die Sängerin auszeichnet. Da ist er wieder, der raue und doch facettenreiche Pop, für den sie bei den Brit Awards die Auszeichnung als Rising Star bekommen hat. Dabei verlief Griffs Karriere schräg und schleppend: Vor Beginn der Pandemie konnte sie gerade noch ein Konzert zur Unterstützung ihrer DIY-EP „Mirror Talk“ spielen, bevor der Lockdown keine weiteren Shows zuließ. Doch diese Zeit mit sich allein nutzte Griff dazu, ein kleines Meisterwerk zu produzieren: Mit dem Mixtape „One Foot In Front of The Other“, das eine Gratwanderung zwischen empfindlicher Zerbrechlichkeit und jugendlicher Unerschrockenheit darstellt, gelang Griff der Durchbruch zum Popstar, während sie in ihrem Schlafzimmer festsaß. Das bahnbrechende Projekt wurde das erste Mixtape einer weiblichen Künstlerin, das in die Top 5 kam und brachte ihr neben dem bereits erwähnten Brit Award auch zwei NME Awards und bis heute über 660 Mio. Streams ein. Seither war die Frau aus der Nähe von London mit einigen der größten Künstler der Welt wie Dua Lipa, Coldplay, Ed Sheeran oder Florence + the Machine unterwegs und baute sich eine leidenschaftliche Fangemeinde auf. Mit „Vertigo“ hat sie wieder Boden unter den Füßen und die Zukunft fest im Visier. Eine neue Ära hat begonnen, eine neue Frisur steht für ein verändertes Lebensgefühl, aber das gleiche, einmalige Talent für eleganten und klugen Sound ist geblieben.

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Unsicherheit kann ein großer kreativer Motor sein. zeck brauchte nur eine Gitarre und wenige Jahre,um beinahe aus Versehen mehrere Streaming-Hits und eine eigene Sprache als Künstler zuentwickeln. Inspiriert von Milky Chance und Bon Iver atmet seine zweite EP “FATAL FRAGILITY” die Tanzbarkeit moderner Indiepop-Produktionen, ohne etwas von seinen intimen und teilweise schonungslos offenen emotionalen Qualitäten einzubüßen: Die Selbstzweifel vor dem Neuanfang, die Angst vor Zurückweisung und die Hoffnung auf die Zukunft. All das vertont zeck in fünf Songs auf so eindringliche Weise, dass man angesichts derart hinreißender Indie/Popsongs fast den Ursprung dieser Geschichte vergisst: Eine Gitarre, einige Zufälle und sehr viel Talent. Alles beginnt vor sechs Jahren und einem gewöhnlichen Geschenk, das ungewöhnliche Dinge in Bewegung setzt. Obwohl zeck zu ungeduldig für richtigen Unterricht auf seiner neuen Gitarre ist,
bringt er sich nach und nach einen Griff nach dem anderen bei. Beim ungezwungenen Musikmachen bei einem Freund entsteht auf Grundlage eines Riffs von zeck der Song “More” – das erste Mal, dass der damals 21-jährige überhaupt singt. Aus Spaß laden die Freunde den Song ohne jede Erwartung hoch. “Wenn 500 Leute den Song hören, wäre das schon krass” denkt sich zeck damals. Heute hat “More” über 1,3 Millionen Spotify-Streams. “Bis heute weiß ich nicht, wie das passieren konnte.” Mit einem Freund baut sich zeck ein kleines Garagen-Studio und nimmt nach einiger Zeit seine erste EP “sorry, i’ve been asleep” auf, die 2020 erscheint. Viele verliebten sich in die unaufdringlichen Songs mit den emotionalen Texten. Im Vorfeld der Veröffentlichung seiner neuen EP “FATAL FRAGILITY” geht der Sänger im September mit den Indie-Durchstartern Bruckner auf Tour. “Corona ist ein komischer Ausgangspunkt, Songs zu schreiben” erzählt zeck vom Anfang des Schreib-Prozesses.

Und trotz des leichtfüßigen Soundbilds aus der tragenden Gitarre, den zum Tanzen einladenden Drums und der charakteristisch vollen Stimme zecks, verarbeitet der Sänger tiefergehende psychische Struggles unterschiedlicher Art. ” Die ganze EP ist ein Konstrukt voller Selbstreflektion, weil ich zu viel Zeit hatte und dem nicht entkommen konnte”, erklärt zeck. Oft klingen seine Songs im ersten Moment nach Liebesliedern, in denen es aber eigentlich um eine fiktive dritte Person geht: “Die Person, die ich gerne wäre.Wie, wenn ich es kurz schaffe, den Kopf auszuschalten und so sein kann, wie ich wirklich bin, ohne das Gefühl zu haben, verurteilt zu werden.” So handelt die Single “she goes” nicht etwa von einer gescheiterten Liebe, sondern von Angststörungen und Panikattacken. “impstr” behandelt nicht nur die Skepsis gegenüber dem eigenen Erfolg, sondern die soziale Angst, die so viele in sich tragen, aber niemand so wirklich zeigen will: “Man denkt in sozialen Situationen so krass darüber nach, wie man wirkt – allein, wie man Hallo sagt.”

“FATAL FRAGILITY” vereint organische Singer-Songwriter-Attitüde mit kreativer, zeitgemäßer Produktion. Aus dem Jam in der Garage wurde eine wunderbare EP, die von David Stoltzenberg
(Pool) und Robert Stephenson (Mighty Oaks, FIL BO RIVA, Von Wegen Lisbeth) produziert wurde. Integrität ist dem Künstler wichtiger denn je, denn neben der Musik wurden auf dem Weg vor Allem viele Freund*innen und Erfahrungen gemacht. Und sicher ist: Mit den in seiner Musik verarbeiteten Tiefen wird zeck noch Berge erklimmen. Die EP “FATAL FRAGILITY” erscheint im Frühjahr 2023.

-Tickets im VVK gibt es bei:

link.dice.fm
&
www.eventbrite.de -

Modena City Ramblers were born in 1991 as an Irish folk group, always in love with the music and traditions of the Emerald Isle. Since then, a 30-year-old period studded with great success, both record-wise and live tours, in Italy and Europe. After a stop in 2020 that forcibly kept the band away from their fans, accustomed to about 80 dates a year on stage in 2021, the group is back to celebrate their 30-year career withthe same spirit as always, with music and extreme closeness to their audience. In 2022, Modena City Ramblers kicked off their tour to celebrate "Appunti Partigiani," a 2005 gold record and an important milestone in their rich recording career, which, in addition to Italy, also reached South Africa, Spain, Sziget Festival in Budapest, with more than 40 shows. Since November 2022 the band has taken the celebratory tour to Italian clubs as well. In 2023 the new album is expected by the Summer of 2023.

Mainfloor: (Classic Rock)

Tannz im Frannz- Floor: (80s, 90s, Trash)

From-Hell-Floor: (Hard Stuff)

-Tickets im VVK gibt es bei www.tixforgigs.com und bei Koka36 -


Ein Song von WEDNESDAY ist wie ein Quilt. Eine Kurzgeschichtensammlung, eine verschwommene Erinnerung, ein Flickenteppich aus Porträts des amerikanischen Südens, der disparate Momente einfängt und als Ganzes doch irgendwie einen Sinn ergibt. Karly Hartzman, die Songschreiberin, Sängerin, Gitarristin und Leiterin des Projekts, ist eine Geschichtensammlerin als auch eine Geschichtenerzählerin: Eine aufmerksame Beobachterin von Menschen und witzigen Bemerkungen. „Rat Saw God“, das neue und beste Album des Quintetts aus Asheville (VÖ im April 2023 auf Dead Oceans / Secretly / Cargo), ist ekphrastisch, aber ebenso autobiografisch und vor allem sehr einfühlsam.

„Rat Saw God“ ist ein Album über eine Fahrradfahrt durch einen Vorort von Greensboro, während man zum ersten Mal MY BLOODY VALENTINE auf dem iPod Nano hört. Vorbei an einem Bach, der durch die Nachbarschaft fließt und mit zerbrochenen Glasflaschen und Kondomen übersät ist. Einem Vorgarten voller kaputter und verrosteter Autoteile, einem einsamen und verfallenen Haus, das von Kletterpflanzen zurückerobert wurde. Die Art und Weise, wie der Süden im Sommer und bis in den Herbst hinein vor Lebendigkeit vibriert, den Klang von High-School-Football-Spielen aus der Ferne, den Halo-Effekt der Lichter, die die Dunkelheit verschmutzen. Nicht hell genug, um vor dir irgendetwas zu erkennen, aber genau in diesem Teil der rabenschwarzen Leere kannst du - irgendwie - alles sehen.

Too much thinking can get in the way of good art. That’s the philosophy that indie singer/songwriter JAWNY has embraced even under the pressure of recording his debut album, It’s Never Fair, Always True. JAWNY has built his career by intuition, letting his music evolve naturally as he grows personally. Instead of chasing the high of past successes—including his 2019 US Gold and Mexico Diamond-certified hit, “Honeypie”—he’s followed his gut and tapped into a new vision that reflects his growth over the years. Even as he embraces a “first thought, best thought” approach to making music, his songs have grown in scope and scale—elevating him from songwriter to indie-pop auteur with a kaleidoscopic vision and rich sense of narrative that informs everything he does.

On It’s Never Fair, Always True JAWNY tackles a familiar storyline: a boy falls madly in love, eventually loses that love, then quickly spirals downward. The doomed tale unfolds with breezy guitar-pop that gradually builds into sweeping lovelorn reveries, a thrilling multi-part finale and a blistering feature from Grammy winning legend Beck. The album has received praise from the media with NME giving the album four stars stating, “The McCartney-esque piano tune ‘Fall In Love’ shows there’s more to Jawny than catchy alt-pop as he adds depth to his sound with a triumphant string section,” and Music Connection noting the album “closer “Selfish Hate” is Jawny’s most ambitious opus at eight minutes, a sad stoner’s “Bohemian Rhapsody.” “I’m old enough to feel old, but young enough to die alone…,” these opening lines of “Everything” serve as a mission statement from a more sophisticated, mature singer.

Each release has added new wrinkles to JAWNY’s already ornate sound—which helped him grow from a maker of pristine pop songs to a thoughtful songwriter with his eyes on intricate stories and life’s big questions. All the while, he’s never lost touch with the technicolor melodies that fans fell in love with in the first place, but as he’s prepared for his debut album, he’s learned to write with real empathy and depth—the mark of a songwriter who remains more wise and gifted than his years suggest.

But still, even as he proves himself capable of ambitious arrangements and his audience proves they’re able to keep up with him at every unpredictable turn, JAWNY remained steadfastly in the moment as he worked on It’s Never Fair, Always True. “I just chased whatever felt right that day,” he says. “I can’t overthink it.” The result is a whimsical, wild rush of a debut that traces all the twists and turns of life and love in its purest moments. As its title suggests, the album is honest and real—a record that captures how JAWNY feels right now, while, importantly, staying connected to every step of the journey that brought him here. “I feel like I made my dream album that I wish I had the ability to make when I was 17,” he says. “But I’m just a giant child at heart, and I never wanna lose that. Otherwise, what’s the fucking point?”

In support of his debut album JAWNY has been on the road for The It’s Never Fair, Always True tour which has included stops in Los Angeles, New York (two shows), Chicago and more.

Born in the Bay Area, and raised in Philadelphia, JAWNY first picked up a guitar at age 6 after watching his dad jam to the Grateful Dead, Pink Floyd, and Led Zeppelin. At 13, he began making beats with his brother, eventually landing placements with rappers on SoundCloud. In his early 20s, he began writing his own songs, and started to gain buzz with his 2018 debut EP under the name Johnny Utah, landing placements on critically acclaimed shows like the HBO series, High Maintenance. JAWNY followed that up with a handful of buzzworthy singles, including Honeypie, that landed on a number of tastemaker playlists and garnered millions of streams. In 2020, JAWNY signed to Interscope Records and soon released a pair of vibrant, critically acclaimed projects, For Abby and The Story of Hugo, which further showcased his sharp storytelling and sonic experimentation and put him front & center on a number of notable playlist covers around the world and as a Vevo DSCVR Artists To Watch.

Tickets gibt's ab 24.04. // 14 Uhr online sowie ab 26.04. an allen bekannten VVK-Stellen.

"adhs" ist nicht nur der Titelsong und Namensgeber ihres neuen Albums, sondern der Anfang von Verifizierts musikalischem und privatem neuen Lebensabschnitt. Für gewöhnlich kommt das große Selbstreflexionsalbum vieler Künstler*innen zum dritten, vierten oder auch letzten Album. Bei Verifiziert geht es direkt mit ihrem ersten richtigen Album los und das eigene Innenleben wird seziert und der Welt auf dem musikalischen Präsentierteller gezeigt. Hier wird mit Mitte Zwanzig auf die letzten Jahre zurückgeblickt – angefangen vom ersten Schluck Alkohol mit 13, über diverse Jugendeskapaden und endend im Hier und Jetzt, bei einer Künstlerin, die sich musikalisch und persönlich gefunden hat und sich mit "adhs" so verletzlich und nah zeigt wie noch nie zuvor.
ADHS ist das Akronym für Aufmerksamkeitsdefizit- und Hyperaktivitätsstörung. Und das ist nicht nur ein catchy Titel, der provozieren soll oder der gewählt wurde, weil es vielleicht gerade in Mode ist, über Mental Health zu sprechen. ADHS ist das, was auf Verifizierts Diagnosebogen, den sie vor ca. einem Jahr erhielt, stand. Und ADHS ist auch das, was ihr Leben komplett auf den Kopf gestellt hat. Seit der Diagnose hat sie gelernt, sich selbst zu verstehen und Verhalten aus der Vergangenheit hat auf einmal Sinn ergeben. Sie weiß jetzt endlich, warum sie sich oft anders verhalten hat als andere und kann jetzt besser mit sich selbst umgehen.
Grundsätzlich ist "adhs" ein Patchwork aus schon bestehenden Songs, die wiederentdeckt und ausgefeilt wurden und das Ergebnis einer ganz besonderen Session in der Steiermark. Hier hat sich Verifiziert mit ihren Freunden und Producern Skyfarmer, Food For Thought, Alex The Flipper, Florida Juicy, Hardy X und Marcel Heym in einem verlassenen Haus in den Bergen im Schnee, irgendwo im Nirgendwo, ohne Nachbarn, eingesperrt und in einer Woche die schon bestehenden Songs mit ganz neuen Kreationen zusammengefügt. Gänzlich neue Songs wie Interlude, entstanden mit den Drunken Masters, vervollständigen die Retrospektive hin zur Gegenwärtigkeit.
Im November geht es für Veri mit neuem Album auf Tour durch Deutschland, Österreich und die Schweiz! Tickets gibt es ab Montag, 24.04.2023 um 14:00 Uhr exklusiv bei Krasser Stoff und Eventim sowie ab Mittwoch, 26.04.2023 um 14:00 Uhr bei allen weiteren Vorverkaufsstellen.

-Tickets im VVK gibt es hier: loft.de -

Die Bush Tetras machen seit über vier Jahrzehnten Punkmusik. Reggae-Aufblitze, Lärmausbrüche, Gitarren, die rasseln, zittern und sich schlängeln, geboren aus einer Gosse hinter CBGBs. Die erste Gründung der Band dauerte nur wenige Jahre, von 1979 bis in die frühen 80er Jahre. Aber sie tauchten immer wieder auf, veränderten ihren Klang, passten die Vision an und blieben dabei völlig einzigartig und unverzichtbar. Ende der 2010er Jahre formierte sich die Gruppe – Pat Place, Cynthia Sley und Dee Pop – erneut und veröffentlichte 2018 eine EP mit dem Titel „Take the Fall“. Es war ihr erstes Angebot neuer Musik seit über einem Jahrzehnt. Einige Jahre später, im Jahr 2021, veröffentlichten sie ein karriereübergreifendes Boxset mit dem Titel „Rhythm and Paranoia“. Die New York Times nannte das Boxset ein Artefakt, das „über Jahrzehnte hinweg beweist, dass sich die Bush Tetras weiterhin in überraschende, aber intuitive Richtungen entwickelten“. Und in Pitchforks Best New Reissue enthüllte „Rhythm and Paranoia“, „wie wichtig [die Bush Tetras] jedes Jahrzehnt blieben.“

Ungefähr zur gleichen Zeit wie die Veröffentlichung begann die Band mit der Arbeit an einem Album in voller Länge und begann während der Pandemie mit dem Schreiben von Sessions über Zoom. Kurz vor der Veröffentlichung der Box verstarb der geliebte Schlagzeuger Dee Pop. Entschlossen, die Platte zu Ehren seines Andenkens fertigzustellen, gingen die Tetras ins Studio, um zu beenden, was sie begonnen hatten, sobald der richtige Zeitpunkt gekommen war. Sie holten einen neuen Schlagzeuger, Steve Shelley von Sonic Youth, der auch als Produzent fungierte. Das war der Anfang von „They Live in My Head“. „They Live in My Head“ ist das dritte Album der Band seit ihrer Gründung im Jahr 1979, aber diese Tatsache ist etwas irreführend.

Die Bush Tetras schreiben seit Jahrzehnten gemeinsam Lieder. Sie haben über ihren Output nachgedacht und herzzerreißende Live-Shows gespielt. „They Live in My Head“ ist eine natürliche Weiterentwicklung des Sounds der Band. Als Shelley der Band beitrat, gingen die Bush Tetras in den Proberaum und führten kinästhetische Schreibsitzungen durch. „Wir gingen einfach in den Proberaum und die Dinge fügten sich sofort zusammen“, sagt Place. „Wir fingen einfach an zu spielen und das nächste passierte und wir wussten, wohin wir es bringen sollten.“

Dieser intuitive Ansatz beim Songwriting eignet sich für Musik, die sich eindringlich und natürlich anfühlt und zu der man wirklich mit den Zähnen knirschen und tanzen kann. Der Opener „Bird on a Wire“ erinnert an Trance. Die Gitarren von Place versprühen blitzende Funken, Bassist RB Korbet sorgt für Dubbe. Sley singt über winzige, sich drehende Satelliten, Uhren an der Wand und das Gefühl, die Welt von unten zu betrachten. Es ist ihrer Mutter gewidmet, die im Jahr 2022 verstorben ist. Die Platte ist eine Sammlung von Liedern, die oft über die Vergangenheit nachdenken, an alte Erinnerungen denken und diejenigen ehren, die nicht mehr unter uns sind. „Wir haben viel über Erinnerungen an 1979 in New York City nachgedacht.“ sagt Sley: „Es ist ein Spiegelbild unseres gemeinsamen Aufwachsens, was wir gegessen haben, was wir getan haben, seltsame kleine Dinge, die die Leute wahrscheinlich nicht bekommen.“ Aber das ist cool.“ Um dies in der Praxis zu sehen, sind Sie bei „Ghosts of People“ genau richtig. Das Lied ist auf der Suche: Shelleys Schlagzeug hält Schritt, Places Gitarre schlängelt sich durch verschlossene Türen und Portale. „Ramen und Scheiben/Snickers und Cola/Verbrenne deine Kreuze im Schnee“, singt Sley.

Es gibt viele Momente, in denen die Bush Tetras über die unmittelbaren Herausforderungen der 2020er Jahre nachdenken: die Pandemie, die Notwendigkeit zu protestieren, die Notwendigkeit, sich angesichts des Bösen gegen das Richtige zu wehren. Die Bush Tetras waren schon immer eine politische Band, eine Band, die allen möglichen Blödsinn verkündet, und „They Live in My Head“ ist da absolut keine Ausnahme. „Tout est Meilleur“ handelt von den radikalen Möglichkeiten, die kleinen Dinge während der Krise der Pandemie wertzuschätzen. Es ist butterweich, höllisch groovig, wo Gitarren und Bass die Güte des Post-Punks auffressen, während Sley auf Französisch singt. „Vision 2020“ ist ein Knaller. „Ich will kein Man-Splaining“, sagt Sley in einem denkwürdigen Moment. Und in einem anderen: „Wenn ich auf 2020 zurückblicke, weiß ich, dass es eine Reise war.“ Das Lied macht atemlos und wütend, es ist ein Aufruf, auf die Straße zu gehen und etwas zu erledigen. Es ist nicht nötig, untätig herumzusitzen und zuzusehen, wie sich die Welt verändert. Die Bush Tetras sind immer so: eine Band, die Ihre Aufmerksamkeit fordert, die sich nicht durch irgendwelche Genrebeschreibungen oder billigen Aufnahmen definieren lässt. Vier Jahrzehnte später sind sie so unverzichtbar wie eh und je, bereit, Sie zum Nachdenken anzuregen, Sie zum Tanzen zu bringen, einen Mosh-Pit zu betreten und Ellbogen in Ihre Kampfstiefel zu werfen, aber nur, wenn Sie kein Idiot – oder Widerling – sind.

NACHHOLTERMIN! Vom 06.05.23
VERLEGT! Aus dem Hole44

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Zak Abel is a British singer / songwriter, who first rose to fame after supplying guest vocals on Gorgon City’s UK Top 20 hit single ‘Unmissable’. Penning his own songs as a 14-year-old and uploading videos of his work to YouTube, this eventually led to him signing a record deal in 2014 and meeting influential music producer, Joker. Zak and Joker released a four-track EP in 2015, shortly followed by Zak’s solo project ‘One Hand On The Future’, where he collaborated with Tom Misch on ‘Beautiful Escape’ and Kaytranada on ‘Say Sumthin’. Through these early collaborations, Zak felt emboldened as a writer, setting him up perfectly for the release of his 2017 debut album, ‘Only When We’re Naked’. This body of work saw him channel his creativity into pop spheres for the first time and it significantly increased his stock as a writer too – being asked to pen hit records for the likes of Kygo, Avicii, R3hab & ZAYN, and Paloma Faith & John Legend. Now signed to BMG, his own music blends soulful vocals with R&B and pop. The smokey 2021 release “Be Kind” made it into AirPlay Charts in various European countries and Top 30 HOT AC in the US and has been the defining direction for his upcoming second album. Alongside music, Zak is an Ambassador for mental health charity CALM and speaks openly about issues surrounding this topic as well as channeling themes of identity and mental struggle into his lyrics.

Exklusiver Vorverkauf via Band ab 18.07., 10 Uhr
Vorverkauf bei BandsInTown ab 19.07., 10 Uhr
Vorverkauf bei Eventim ab 20.07., 10 Uhr
Allgemeiner Vorverkaufsstart am 21.07., 10 Uhr


Das Alt-Pop-Trio Echosmith – die Geschwister Sydney (Gesang, Tasten), Noah (Bass, Gesang, Produktion) und Graham Sierota (Schlagzeug) – teilen verletzliche und lebendige alternative Pop-Hymnen, die sofort das Herz erhellen. Ende Juli erscheint ihr drittes, selbstbetiteltes Album. Die neue Single „Sour“ mit Sydneys seidigem Gesang und Noahs grandioser Produktion berichtet von der Frustration der Sängerin über die Fernbeziehung zu ihrem Mann und ihrem Engagement, ihre Beziehung an erster Stelle zu halten. Wieder einmal spürt man: So sehr die Kunst ein Fenster öffnet, so sehr hält sie uns auch einen Spiegel vor und vergrößert unsere Reflektionen. Echosmith bündeln bekannte Emotionen und Erfahrungen durch ein Kaleidoskop aus kinoreifen Klanglandschaften, luftigen Pop- Hooks und kristallinen Synthies. Nach platinbunten Erfolgen und zahllosen ausverkauften Konzerten strahlen die Südkalifornier noch mehr zielgerichtete Freude aus und haben mit „Echosmith“ zum ersten Mal die volle kreative Kontrolle übernommen. Ihre familiäre Bindung und ihr kreativer Zusammenhalt sind stärker und ihre kollektive Energie ist unbändiger denn je. Sie haben Momente der Ungewissheit, Anfälle von Angst und Jahre voller Herausforderungen überstanden, nur um daraus gestärkt hervorzugehen: mit einem Album, das ebenso fesselnd und einnehmend wie unbestreitbar und aufmunternd ist. Mehr als zehn Jahre nach ihrer ersten Veröffentlichung ist die Entscheidung, die Platte selbst zu veröffentlichen, für die Band von großer Bedeutung. Die neue Perspektive gibt ihnen einen sehr intensiven, freien Zugang zu ihrer Kunst. Nachdem sie ihre Karriere so jung begonnen haben, begannen Echosmith sich zu fragen, welche Art von Musik sie wirklich machen wollten. Sie begannen eine neue, unabhängige Ära mit völliger kreativer Freiheit und begannen mit dem Songwriting und der Produktion im Alleingang als eine Art Therapie und eine Möglichkeit, Spaß zu haben, um zu sehen, was sich organisch entwickeln würde. Das Ergebnis ist sowohl eine klangliche Neuausrichtung als auch eine Rückkehr zu ihren Wurzeln, indem sie den Pop-Schliff abstreifen, ihren wahren Indie-Geist annehmen und eine Alt-Pop-Richtung einschlagen, die das ursprüngliche musikalische Herz der Band am besten repräsentiert. Das kommende Album zeigt, wer Echosmith im Kern als junge Erwachsene und als Familie wirklich sind, und erforscht ihre Ehen, Zweifel und Ängste, ihre spirituelle Reise und ihre sich entwickelnde Lebensperspektive in einer Phase enormen persönlichen Wachstums auf ihrer eigenen Reise. Es ist ein faszinierendes Dokument des Wachstums und der Selbstfindung, das mit der Art von roher Aufrichtigkeit daherkommt, die wiederum die Zuhörer dazu einlädt, ihre eigenen ehrlichen Erfahrungen mit der Musik zu machen. Davon kann man sich im November überzeugen, wenn das Trio zu uns auf Tour kommt. (Fotocredit: Miguel Alvarez.)

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There’s freedom to be found in consistency. Until recently, Juan Wauters may not have agreed with this statement. As a touring musician and multinational citizen, transience had always come naturally to him. Circumstance, however, recently prompted him to reconsider the benefits of staying in one place: “During COVID I discovered / that I like stability,” he muses on the title track of his new album, “but the world still sees me / as a wandering rebel.” His most introspective work to date, Wauters’ sixth solo album Wandering Rebel finds the artist taking stock of how he’s changed, how the world sees him, and what he wants out of life.

From his early days as a founding member of Queens-based garage act The Beets to his impressive solo career, Wauters has spent the better part of the last decade on the road. When he wasn’t touring or recording, he was gathering material, traversing Latin America to write his 2019 Spanish-language opus La Onda de Juan Pablo, then heading North to collaborate with friends like Mac DeMarco, Homeshake, Nick Hakim and more for 2021’s boisterous Real Life Situations. Apart from intermissions in his home base of Jackson Heights, Queens, Wauters has been notoriously hard to pin down.

Throughout Wandering Rebel, Wauters attempts to reconcile the stability he’s come to enjoy with the nomadic restlessness that’s characterized his life thus far. In the end, though, it’s the interplay of both of these elements that makes the album so strong. Though it’s marked by introspectivity, it was recorded in classic Wauters fashion, with numerous collaborators on trips to New York, LA, Brazil and Argentina. At the same time, its cohesion is owed to a period of reflection that’s only possible in repose. Wauters’ moments of honest self-reflection lend depth to his penchant for playful musical experimentation, while his ever-growing network of collaborators across the globe add nuance and fluidity to his songwriting.

For a brief period during the writing process, Wauters spent a month alone in a remote Uruguayan beach town, armed with only an iPad (which he charged using a solar panel) and his thoughts. In the end, only one song from this stint made it onto Wandering Rebel (“Mensaje Codificado”), but somehow the entire album feels as if it’s written from this vantage point: an artist, back in his home country, looking out at the world and considering the life that’s led him there. The album is anchored in Juan’s signature Latin-influenced indie folk.

-Tickets im VVK gibt es bei www.ticketmaster.de -

weitere Infos in Kürze!

-Tickets im VVK bekommt ihr hier:
vvk.link -


Flora Falls sind das Berliner Singer-Songwriter-Duo bestehend aus Brea Robertson und Dominique Fricot. Ursprünglich aus Australien bzw. Kanada, lernten die beiden sich 2019 zufällig auf einer Open Stage in Berlin kennen. Es entstand sofort eine musikalische Verbindung und die beiden verabredeten sich noch am selben Abend zu einer gemeinsamen Songwriting-Session. Die Verbindung - sei es musikalisch oder persönlich, war sofort da. Ihre Stimmen harmonierten perfekt. Es war der Start für ihr neues Bandprojekt Flora Falls. Gemeinsam stellten sie ihre Songs nun der Berliner Szene vor und gingen auf erste kleine Tourneen. 2021 war es Zeit für ihren ersten größeren Release der Debüt-EP "Ankle Deep", den sie prompt mit einer ausverkauften Show im Badehaus Berlin feierten. Zwei Jahre später steht nun mit "Hidden from You" bereits die Nachfolge-EP in den Regalen. Und das ist wörtlich gemeint - denn wurden beide Releases nun auch als Vinyl-Aufläge veröffentlicht.

Am 19. November 2023 findet das große "Hidden from You" Releasekonzert im Frannz Club Berlin statt. Wir dürfen uns auf einen besonderen Konzertabend mit Flora Falls und ihrer Band sowie tollen musikalischen Gästen freuen!

"Ihre Songs erstrahlen im neuen Licht und erinnern an Beth Gibbons (Ex-Portishead) oder Sufjan Stevens" - radioeins
Das volle radioeins Interview mit Livesession hört ihr hier: www.radioeins.de

Foto: Petra Valdimarsdóttir

-Tickets im VVK gibt es bei: www.dodotickets.de -

Wenig Melancholie, dafür umso mehr Happy-Vibes – das ist RIAN. Am Traum von der Eroberung der großen Welt der Musik schmiedet RIAN schon im Kindesalter – das Fundament für alles Kommende. Schon bei seiner ersten Single wurden Formatradios wie Ö3 auf ihn aufmerksam – danach ging es Schlag auf Schlag. RIAN spielte etliche Supportshows, war mit Max Giesinger und Josh auf Tour und teilte sich auf Festivals die Bühne mit Größen wie Cro und Bausa. Mittlerweile zählt der junge Österreicher auch zu den erfolgreichsten TikTokern des Landes und zeigt
regelmäßig mit millionenfachen Views was in ihm steckt. Mit euphorischer Leichtigkeit findet RIAN mit seiner Musik und seinen humoristischen Comedy-Einlagen auf allen möglichen Plattformen enormen Anklang; sein Ziegen-Song „Schwarzes Schaf“ wurde mit bereits über 40 Millionen Klicks zu einem viralen Hit. So mischt er Einflüsse aus Pop, Hip-Hop, aber auch Indie zusammen, um mit einer ordentlichen Prise Humor das „Glücklich sein“ wieder salonfähig zu machen. Egal ob musikalisch oder mit lustigen Einlagen im Netz – für Unterhaltung ist bei RIAN in jedem Fall gesorgt.

Tickets gibt es hier: www.dodotickets.de

Jugend musiziert: Was früher ein Oberbegriff war für bis zum Maximum gedrillte Talente an klassischen Instrumenten, die sich in rasender Geschwindigkeit durch jahrhundertealte Noten arbeiten, darf heute als Synonym für das exakte Gegenteil verstanden werden: Junge Menschen, die Lust auf Musik haben, sich keiner einzigen Regel unterwirft und die aus ihren Kinderzimmern heraus höchst eigenwillige wie eigenständige Pop- und Rap-Musik aufnehmen, die nur noch ihren eigenen Gesetzen folgt. Und die in ihrer stilistischen Bezugsoffenheit gleich noch komplett neue Genres kreieren, darunter Hyperpop und Digicore. Einer der durchweg jungen Stars dieser neuen Genres, die online viele Millionen Hörer monatlich erreichen, kommt am 20. und 21. November erstmals für zwei exklusive Shows in Köln und Berlin nach Deutschland: Glaive – der in diesem Rahmen sein am 14. Juli erscheinendes Debütalbum „I Care So Much That I Don’t Care at All“ live vorstellen wird.

Die Geschichten der neuen, jungen Stars des Hyperpop und des Digicore – neben Glaive etwa auch Ericdoa, 100 Gecs, Aldn oder Kurtains – ähneln sich im Grunde wie ein Ei dem anderen: Sie alle sind zu Beginn ihrer Laufbahn junge Teenager oft mit Eltern, die sich stark für Musik interessieren, sowie einem entsprechend eklektischen Musikgeschmack, bei dem sich die elterlichen Platten mit den aktuellen Spotify- und YouTube-Stars zwischen Pop, Rap und Dance mischen. Dann entdecken sie die Möglichkeiten digitaler Musikproduktion am Rechner in ihrem Kinderzimmer und beginnen, auf Grundlage ihres maximal heterogenen Musikgeschmacks eigene Tracks zu produzieren, in denen sich je nach Künstler so ziemlich alles vermischt, was die moderne Popkultur zu bieten hat: Von Glitch bis Trap, von Trance bis NuMetal, von Pop-Punk bis EmoRap, von Dubstep bis Indierock – alles geht und ist erlaubt, was gefällt. Ergänzt um Autotune-Vocals, die mal gesungen, mal gerappt werden, sowie dem extensiven Einsatz von Kompression, Verzerrung und einem nachgerade avantgardistischen Hang zum „Zerstückeln“ der Originalspuren, entsteht so eine vollkommen neue, vorurteils- und angstfreie Pop-Ästhetik, die kaum noch Grenzen kennt.

Viele dieser neuen Stars benötigen oft nur wenige Tracks und Monate, um Millionen von Hörern zu erreichen, weil sie mit ihrer Klangästhetik eben die junge Generation ansprechen. Die sich, ähnlich wie die Künstler selbst, enorm eng miteinander vernetzt über die zahllosen sozialen Plattformen. So ist es in der Szene üblich, dass viele dieser jungen Musiker eng miteinander kollaborieren, ohne sich je persönlich begegnet zu sein. Denn es zählt nur der Austausch an sich sowie sein Ergebnis, und nicht die gemeinsame Vorgeschichte. So hatte auch Ash Gutierrez alias Glaive aus North Carolina viele seiner Kollaborateure, mit denen er über E-Mails an Tracks arbeitete, noch nie persönlich getroffen, darunter Brodie Wilson, Scruff, Kassgocrazy, Lovesickxo, 2worth, Savage Gasp oder Ericdoa. Wobei er mit Letzterem gleich eine komplette EP unter dem Titel „Then I’ll Be Happy“ veröffentlichte, deren Songs es auf Spotify inzwischen teils auf über 20 Millionen Plays bringen.

„Then I’ll Be Happy“ vorausgegangen war eine wahre Blitzkarriere von Glaive, der bereits im Alter von 15 und mitten in den Corona-Lockdowns mit „Cypress Grove“ seine erste EP über Soundcloud veröffentlichte. Im Abstand weniger Monate folgten neben der Kollabo-EP mit Ericdoa mit „All Dogs Go to Heaven“ und „Ovine Hall“ zwei weitere spannende EPs, die seine monatliche Zuhörerschaft auf Spotify förmlich aus dem Nichts auf über 1,5 Millionen hob. Dies blieb auch dem für Trends stets sehr offenen Major ‚Interscope‘ nicht verborgen, das Glaive einen Vertrag anbot – und nun am 14. Juli sein Debütalbum „I Care So Much That I Don’t Care at All“ veröffentlichen wird. Dabei ist dies alles erst der Anfang, denn Glaive, seit Januar nunmehr gerade einmal volljährig, investiert mittlerweile täglich bis zu zehn Stunden in die Weiterentwicklung seines einzigartigen Sounds, der nicht nur junge Hörer sofort in seinen Bann zieht.

-Tickets im VVK gibt es bei: www.eventim.de


"Pas le choix" ist die neue Single von Glauque aus ihrem kommenden Debütalbum "Les Gens Passent, Le Temps Reste", das 2023 erscheinen wird. Dieser Titel unterstreicht die einzigartige Identität der Band aus dem belgischen Namur und bestätigt, dass sie eher dazu neigt, mit Musikgenres zu spielen, als sich ihnen zu unterwerfen.

An der Grenze zwischen Hip-Hop, Rock und Elektro betrachten Glauque ihre Musik nicht nur in Form von Klängen, sondern auch in Form von Farben und Atmosphären, was die doppelte Bedeutung des Namens rechtfertigt, der sowohl ein wässriges Grün, das dem Wasser des Meeres entspricht, als auch eine Atmosphäre voller Traurigkeit beschreibt. Mit seinem eleganten Intro, das aus einigen melancholischen Klaviertönen besteht, auf die bald eine Welle von Synthesizern und Perkussion folgt, nimmt "Pas le choix" diese Zweideutigkeit voll und ganz an. Der Single gelingt es, die introspektive Dimension eines Textes zu vertiefen, der seine Substanz aus einer leidenschaftlichen Suche nach Sinn und Verbundenheit bezieht, die in einer Welt auf die Probe gestellt wird, in der der Verlust, wie auch immer er aussehen mag, eine unerbittliche Realität bleibt.

Begleitet von einem Instrumentaltrio, bestehend aus Lucas, Aadriejan und Baptiste, gelingt es der Stimme und den Worten von Louis, diesen ungewissen Kampf einer leidenschaftlichen Seele in den Mäandern der Desillusionierung nachzuvollziehen. Auf diesen starken Vorschlag antwortet ein Video von Baptiste, das in seiner deutlichsten Symbolik - eine Jugend, die sich den unbeschwerten Freuden des Skateboardfahrens auf einem Sarg hingibt - "Pas le choix" zu einer Revolte gegen Wahnsinn und Tod und Glauque zu einer einzigartigen Gruppe macht.

-Tickets im VVK gibt es ab 28.04.2023 bei www.tixforgigs.com & Koka36-

The Haunted Youth ist die Band des 29-jährigen Joachim Liebens aus Hasselt, Belgien. Ihr faszinierender Psychedelic Pop erinnert an Acts wie MGMT, DIIV, Slowdive oder The Cure. Die Songs, die von Zweifeln, Hoffnung und von dem Gefühl, ein unverstandener Außenseiter zu sein, handeln - haben einen wunderbar soften Sound, der Sie zum Schmelzen bringen wird.

Mit ihrer ersten Single "Teen Rebel" gewannen The Haunted Youth den Wettbewerb De Nieuwe Lichting von Studio Brussel. Der Song läuft in Dauerrotation in belgischen und auch europäischen Radios. Teen Rebel erregt auch Aufmerksamkeit in auf der anderen Seite des Ozeans: Er ist sogar auf der Titelseite des einflussreichen amerikanischen Consequence of Sound Magazines. 2022 haben sie renommierte Festivals wie Rock Werchter, Best Kept Secret, Pukkelpop, Tomavistas und das Reeperbahn Festival gespielt, auf dem sie auch für den Anchor Award nominiert waren.

Im November 2022 veröffentlichten The Haunted Youth ihr Debüt-Album "Dawn Of The Freak", das von Joachim Liebens komplett selbst geschrieben und produziert wurde. Im Zuge dessen spielt die Band eine mit 2.000 Tickets ausverkaufte Show im Brüsseler Ancienne Belgique. In diesem Jahr sind sie in Deutschland unter anderem für das Stadt Ohne Meer, Orange Blossom Special, die c/o pop und das Maifeld Derby bestätigt

Mainfloor: (Classic Rock)

Tannz im Frannz- Floor: (80s, 90s, Trash)

From-Hell-Floor: (Hard Stuff)

-Tickets im VVK gibt es bei www.listen.berlin -

DYLAN LEBLANC WEISS, DASS ZWEITE CHANCEN SELTEN KOMMEN.ABER EBENSO SELTEN SIND STIMMEN WIE SEINE.

Überwältigt von der Geschwindigkeit, mit der sein Talent ihn vom Kellner bei Applebee's zum "neuen Neil Young" in nur wenigen Monaten machte, lehnte er nach der Veröffentlichung von zwei von Kritikern gefeierten Alben einen unerwarteten Major-Label-Vertrag ab. Er verfiel einem Nebel aus Alkohol und Selbstzweifel. Erschöpft und mit nur 23 Jahren geschädigt, kehrte Dylan nach Muscle Shoals, Alabama, zurück, um sich ein neues Leben zu schreiben.

Zwischen Momenten der Klarheit und einigen vertrauten Stürzen schrieb er auch ein neues Album: "Cautionary Tale" – eine Sammlung schimmernder, fesselnder Songs mit denselben eindringlichen Vocals, die die Aufmerksamkeit von Lucinda Williams und Bruce Springsteen erregten, nun jedoch mit geschärfter Kante, geformt durch beschleunigte Reife.

"DIESES ALBUM HANDLICHT DAVON, DASS ICH EHRLICH MIT MIR SELBST WERDE", SAGT DYLAN. "ICH MUSSTE DIE SCHULD DER VERGANGENHEIT LOSLASSEN UND EINE NEUE WAHRHEIT IN MIR SELBST FINDEN. DIESES MAL HATTE ICH DAS GEFÜHL, ETWAS WIRKLICHES ZU SAGEN."

Um ihm dabei zu helfen, suchte er seinen langjährigen Freund Ben Tanner auf, denselben Mann, der heimlich Dylans erste Songs aufnahm, während er nachts im berühmten FAME Studios arbeitete. (Er führte auch den 16-jährigen Dylan mit Hilfe einer externen Festplatte zu Wilco, George Harrison und Ryan Adams.) Während er mit den Alabama Shakes auf Tour war, begann Ben wieder damit, Aufnahmen für das Label zu produzieren, das er zusammen mit einem anderen Freund von Dylan, dem Grammy-preisgekrönten Musiker John Paul White, ehemals von den Civil Wars, gegründet hatte. Beide produzierten und spielten an "Cautionary Tale" mit.

"Sie haben mich daran gehindert, meine Worte zu begraben", sagt Dylan. "Zweifel sind oft mein erster Instinkt, und ich versuche, Dinge mit mehr Elementen zu überlagern, um meine Stimme zu verbergen, aber ich habe mich entschlossen, ihnen zu vertrauen. Ich habe Merle Haggard einmal sagen hören, dass der Sänger sekundär zum Lied ist, und sie haben mir beide geholfen, eine starke Grundlage für die Emotionen aufzubauen, die ich fühlte."

Die schlichte Ästhetik, die John Paul und Ben zu ihrem Markenzeichen gemacht haben, setzt Dylans Stimme in ein Licht, das hell genug ist, um die Patina sichtbar zu machen, die die letzten Jahre hinterlassen haben.

"ICH HABE VIEL ZEIT DAMIT VERBRACHT, ÜBER PROGRAMMIERUNG UND KONDITIONIERUNG UND DIE IDEE DES EGOS ZU SCHREIBEN", SAGT DYLAN. "ICH MÖCHTE NICHT MEHR AUF MEINE UMSTÄNDE ODER DIE VERGANGENHEIT ANTWORTEN, UM ZU ERKLÄREN, WARUM ICH BIN, WIE ICH BIN. VIELE MEINER SONGS WIE 'CAUTIONARY TALE' UND 'LOOK HOW FAR WE'VE COME' HANDELN DAVON, AUS EINEM TEUFELSKREIS AUSZUBRECHEN. ICH FRAGTE MICH, OB ICH MEINE LÖSUNGEN INNERHALB VON MIR FINDEN KÖNNTE – OB ICH AN ETWAS GLAUBEN KÖNNTE, DAS ÜBER DIE GEGENWART HINAUSGEHT."

Wenn Dylan mit seinem ersten Album "Paupers Field" durch einen Friedhof wanderte ("Lieder sind für mich wie Grabsteine", sagte er der "The Guardian"), so ist "Cautionary Tale" eine verlassene Wüstenstadt. Er reflektiert darüber, was einst war, und ob irgendetwas wieder sein könnte. Manchmal fragt er sich, ob die Anzeichen von Leben, die er am Horizont sieht, real sind oder nur eine Fata Morgana. Phantasmagorische, trillernde Stimmen im Hintergrund steigen auf, um sich mit seiner eigenen zu vereinen und im Äther zu verhallen; geisterhafte Gitarrenriffs hallen in der Leere um ihn herum wider.

Die richtige Anordnung und die richtigen Worte zu finden, war für Dylan diesmal eine bewusstere Anstrengung. Nachdem er sich im "Rausch" der Aufnahmen seiner ersten beiden Alben verloren gefühlt hatte, verließ er sich auf Ben und John Paul, um die Teile seiner Vision zu sammeln.

"Ich bin definitiv disziplinierter geworden. Ich verlasse mich nicht mehr auf Dinge wie Inspiration", sagt Dylan. "Ich habe so viel gelernt, indem ich mit John Paul Songs zusammengestellt habe. Bei allem, was er tut, ist es immer gut durchdacht und an der richtigen Stelle platziert. Ich bin von Natur aus ein Improvisationsmensch, aber jetzt sehe ich, wie das begrenzender sein kann als die Planung deines nächsten Schrittes."

Diese neu gefundene Disziplin zeigt sich. Dylan, der normalerweise keine Teile niederschreibt, notierte methodisch die beeindruckenden Streichersektionen mit der Geigerin Kimi Samson und dem Cellisten Caleb Elliot. Um die polierte Rhythmussektion zu formen, die er für Songs wie "The Easy Way Out" und "Beyond the Veil" wollte, paarte er Schlagzeuger Jeremy Gibson mit dem Bassisten von Alabama Shakes, Zac Cockrell ("Ich wollte, dass es sich anfühlt wie eine Aufnahme von Bill Withers oder Al Green – gefühlvoll, aber straff.")

Während Dylan gerne zugibt, dass er nicht bereit war, auf den Bühnen zu stehen, auf denen er am Anfang seiner Karriere spielte, besteht kein Zweifel, dass er es jetzt ist. Mit einem neu ausgerichteten Kompass ist er wieder unterwegs und eröffnet ausverkaufte Shows für den britischen Singer-Songwriter George Ezra, einen weiteren Künstler, der für eine weise Stimme jenseits seiner Jahre gelobt wird.

Dylan wird George bis September 2015 weiterhin unterstützen, einschließlich einer Show im legendären Ryman Auditorium in Nashville. Als Nächstes wird er seine Solo-Tour starten, mit Auftritten im Süden, Mittleren Westen und Neuengland.

"NACH ALLEM, DURCH WAS ICH GEGANGEN BIN, LIEBE ICH ES IMMER NOCH, PLATTEN HERAUSZUBRINGEN UND FÜR MENSCHEN ZU SINGEN, EGAL WIE GROSS ODER KLEIN DIE MENGE IST", SAGT DYLAN. "DAS IST DAS EINZIGE, WAS ICH TUN MÖCHTE, UND JETZT KANN ICH ES ALS EINE VIELSEITIGERE PERSON WEITERHIN TUN. ICH DENKE, ICH BIN GESCHENKT... ODER WAS AUCH IMMER DU VERDAMMT NOCHMAL DAZU SAGEN MÖCHTEST."

-Tix unter dodotickets.de ab dem 04.04.-

DISSY kommt als Sohn einer Opernsängerin in Ostberlin zur Welt und wächst im thüringischen Erfurt auf. In seinen Jugendjahren wechselt er »von Call of Duty zu Fruity Loops«, verbaut seine zwischen Exzess und Langeweile pendelnden Alltagsgeschichten in Raptexte und landet im Kollektiv Wordsflysch – »Odd Future aus Erfurt-Nord« – erste Untergrund-Hits. Noch in Erfurt entsteht nach allen Regeln des DIY-Prinzips 2014 die »Pestizid« EP, die ihn als Solo- Künstler deutschlandweit bekannt macht und selbst Hip-Hop-Professor Falk Schacht nachdrücklich beeindruckt.

-Tickets gibt es bei Eventim oder www.koka36.de -

Als im Januar 2020 Georgias zweites Album „Seeking Thrils“ erschien, stand die Welt Kopf. Die Britin hatte aus dem Nichts die Blaupause für einen Club-Sound der 20er Jahre hingelegt und wurde dafür zurecht für den Mercury Prize nominiert. Schon zuvor galt sie als eine der besten Produzentinnen und Songwriterinnen Großbritanniens, hatte unter anderem mit Shygirl, Baby Tate oder den Gorillaz zusammengearbeitet, für Kae Tempest getrommelt und mit Damon Albarn an dessen großen Projekt Africa Express gearbeitet. Doch mit dieser Platte setzte sie Maßstäbe. Ihre Suche nach dem totalen Eskapismus im Club verdeckte, dass etwas Tieferes im Argen lag: „Ich begann, vor einer Welt wegzulaufen, vor der ich Angst hatte.“ Sie musste Kontrolle abgeben, nachdem sie über Jahre ganz allein gearbeitet hatte. Nach zehn Jahre ließ sie ihre etablierten Arbeitstechniken los und suchte das Abenteuer. Eine Nachricht vom gefragten Produzenten Rostam, der sich in Georgias Stimme verliebt hatte, nachdem er sie auf einen Mura Masa-Track gehört hatte, war für Georgia der Auslöser. Bevor sie sich versah, saß sie im Flugzeug nach L.A., und innerhalb ihrer ersten gemeinsamen Stunden schrieben die beiden „It‘s Euphoric“, den Song, der die gesamte bunte Klangwelt eines neuen Albums prägen sollte. Der Vorab-Track vom neuen Album „Euphoric“, das im Juli erscheint, wird von einer geerdeten Bassline eingeleitet, die den rhythmischen Gesang umspielt, und leitet die Hörer*innen in sanfte Ekstase und eine tranceartige Trägheit. Man spürt sofort: Das Duo war besessen davon, einfache Popsongs zu kreieren, die aber unmittelbar und gefühlvoll wirken. Man hört Georgias Vorliebe für den Pop der späten 90er und frühen 00er Jahre, für All Saints und Madonna. Diese Ära der Musik hat etwas Seidiges und Verträumtes an sich, das so gut zu Georgias Stimme passt, und Rostam war fest entschlossen, dies zu einem Schwerpunkt des Albums zu machen. Georgia konzentrierte sich auf Songwriting und die Eleganz ihrer Stimme. Sie komponierte erstmals ihre Tracks und öffnete sich voll dem neuen Klangraum, der dabei entstand. Sie führt uns mit der neuen Platte durch einen ganzen Abend, vom Vorab-Drink an der Bar über den verdrehten Ibiza-Knaller bis zum Samstagabend- Festival-Banger, und pulst uns durch das komplette Spektrum der Tanzmusik. „Euphoric“ ist erneut ein großer Wurf, das wird Georgia im Dezember bei ihrer exklusiven Berlin-Show unter Beweis stellen.

-Tickets im VVK gibt es unter: www.dodotickets.de -

_I feel a lot of pain, I found a lot of peace.” – Kojaque_

Nothing lasts. Childhood, creative cycles, intentions, relationships, plans, dispositions, moods, gaffs, direction. Even love. Even home. The mode is transition. In this space between, Kojaque returns with an album that contends with the past, and embarks upon a new future.

Following the landmark projects Deli Daydreams and Town’s Dead, comes Phantom of the Afters. Kojaque’s first two records changed the Irish hiphop landscape forever. Now London-based, Kojaque’s Phantom of the Afters traces the blurred outlines of childhood trauma, depression, grief and love. This is an album that finds comfort and assurance in the acceptance of the self, through shedding what no longer serves. Informed by the pursuit of simplicity, while meditating on heartbreak, home and health, Phantom of the Afters finds Kojaque reflecting on the landmarks of a young life, in all their beauty and complexity.

Beginning with a soundscape of Kojaque departing Dublin for London, and introducing the album’s concept character, Jackie Dandelion, this is a record rooted coming into one’s own authentic identity, as well as a new one of an Irish immigrant in London, grappling with the rejection of fame and status for the sake of it, senses of alienation, missing the clichés of Ireland – the delis, the Guinness the craic, and embarking upon a reconciliation with the self. “I don’t believe there’s any special place you have to go to in order to make art,” Kojaque says, “other than your own head.”

The album’s journey begins with the physical transition to London on Jackie Took the Soup, foregrounding the myth, insult, and reality of “taking the soup”, a potent term in Irish society that plays with themes of national abandonment for personal survival. Larry Bird plunges the listener into self-asserted braggadocio, before reverting to the nostalgic daydream of Cabra Drive, while the heart is bared on Bambi and Woof (featuring Biig Piig). Fat Ronaldo / Covent Gardens marks a turning point not just on the record, but for an artist determined to open up, even if that means breaking down. If vulnerability is power, then Kojaque’s obliteration of performative swagger in exchange for a declaration of fragility, offers not just a life lesson, but a creative path forward towards revelatory authenticity. Of Covent Gardens, Kojaque says, “They say depression is hate turned inwards, and when you harbour hatred, it’s not long before it begins to eat away at you. I think the rage is palpable in that song. When rage subsides, it becomes sadness.”

The soulful Wagyu asserts the intention of this new phase in a simple phrase: “I’d rather be nothing if I couldn’t be myself, that’s being honest.” The ode to anxiety, What If?, is followed by a defiant Citizen Kane’s, which leads to the anthemic love song Peakaboo, before title track Phantom of the Afters eviscerates the counterfeit culture of clout-chasing. “Fame and the pursuit of it leaves people very jaded and detached from reality in my experience,” Kojaque says, “Most of the famous people I’ve met are either incredibly guarded, nervous, anxious people, or psychopaths.The idea of losing who I am in the pursuit of fame isn’t something I’m interested in.” Ending on a note of devastating tenderness with Heaven Shouldn’t Have You, the notes and sentiments of this remarkable and unexpected direction float somewhere above the Irish Sea, in the push and pull of past and present.

Awarded a prestigious Royal Hibernian Academy Award in 2017 for his creative practice, Kojaque came to prominence with the genre-bending concept record Deli Daydreams in 2018, a project that also demonstrated his prowess as a music video director, and was nominated for the Choice Music Prize. Following performances at Glastonbury, Pitchfork Festival Paris, Primavera Sound, and SXSW, he released the album Town’s Dead, also nominated for the Choice Music Prize, in 2021. An album of huge ambition and scale, Town’s Dead solidified his colossally talented and singular vision as one of the most exciting Irish artists of his generation.

Working as an independent artist, with a DIY spirit that spans music videos and short films, collaborations and day parties, as well as co-founding and running the label Soft Boy Records, Kojaque has sold out tours across Ireland, the UK, mainland Europe and North America, as well as celebrated support slots with Lana Del Rey, and an Australian and New Zealand tour with Loyle Carner. Every release has been critically acclaimed, building a dedicated fanbase with crowds connecting not just to his commentary on contemporary society, but also his soul-bearing integrity, with his music spawning fan tattoos, roaring festival crowds, and heaving venues.

With Phantom of the Afters, Kojaque balances the themes and tensions of love, ambition, and internal and external sites of creation. “Love is accepting things for what they are,” he says, “ambition is wanting more than what you have.” This playful, triumphant album, wrestles with emigration, depression, and life as an expression of dreamlike fantasy interrupted by grinding, liberating, and grounding reality, the music opening up to allow for a space for vulnerability to be expressed in a radical manner. “What the record is about,” he says, “is shedding an idea I have of myself and trying to accept me for who I am, warts and all.”

Taking visual inspiration from subverting the bigoted depictions of Irish caricatures in 19th and 20th century Punch Magazine cartoons, and Brian de Palma’s Phantom of the Paradise, which in turn was inspired by Oscar Wilde’s The Picture of Dorian Gray, and the Phantom of the Opera, Kojaque removes the many distorted masks present within all of these touchstones, and ultimately, his own.

Written and composed at time of personal tumult, upheaval, and literal eviction, the result is a heart-spilling and filling album to savour. This is the mark of an artist in tune with the things that really matter. As the title track asserts: “all I want to be is me”.

* DICE VVK Start:
Fr. 29.09. - 10:00


Since forming in 2007, STRFKR have been perfecting a style that hides emotional complexities and existential searching in hyper-catchy, melody-forward pop music. The band’s spiritual and
philosophical undercurrents never outshine their highly danceable sounds, but both are integral parts of what they do. Over the years and through the course of a discography that includes not
just multiple studio albums but a wealth of fan-focused auxiliary releases, STRFKR’s combination of thoughtful lyricism and party starting hooks have made them a consistent success with critical music listeners and show-goers. They’ve played festivals like Cochella and Outside Lands, wowed audiences on impressive stages the size of Red Rocks, toured through Asia, Europe and Mexico and stacked up hundreds of millions in streaming numbers, all while continuing to grow as artists.

STRFKR was started as a solo project by Joshua Hodges but quickly grew into a fully realized band with Keil Corcoran, Shawn Glassford, and Arian Jalali. Beginning with the mission of creating engaging, thought-provoking songs that people could dance to, the band released one full length and one EP before signing on with Polyvinyl in 2010. At that point they’d already
made a name for themselves with worldwide touring, but momentum really picked up from there. The band grew commercially and creatively with every new album, with 2011’s Reptilians, 2013’s Miracle Mile, and 2016’s Being No One, Going Nowhere all performing strongly enough to crack various Billboard charts, while multiple STRFKR songs were used in highly visible film, television, and streaming productions. The band started out in a time when a co-sign from blogs and music outlets of note were all but mandatory for new music to be heard and accepted.

STRFKR bypassed the hype machine almost completely, focusing instead on making their shows more exciting and pushing their music to new places. In addition to a live album and several
remix collections, the band’s extensive Vault Series has offered fans three volumes worth of unreleased demos and outtakes from every point in their evolution. Instead of making the same record over and over again, they embraced experimentalism and gentler textures in 2020 on fifth album Future Past Life, and switched gears completely the same year on Ambient 1, an entirely instrumental album of meditative and healing electronic synthesis.

With a diverse catalog that reaches back almost 15 years, STRFKR’s live show is still where a good amount of the magic happens, as each of their albums has no shortage of crowd favorites and verifiable hits. The band’s work ethic both in the studio and on the road has kept them on a steady climb, consistently playing venues on the level of legendary rooms like Terminal 5, Stubbs’, and the 9:30 Club while using any available downtime to work towards the next recording. An announcement of new tour dates or new music is never too far off on the horizon, as STRFKR continues taking new forms.

Website

- Tickets im VVK gibt es unter: krasserstoff.com -

Das Duo Blumengarten formte sich 2021 in Velbert, einer typisch verschlafenen Kleinstadt in NRW. Sänger Rayan und Produzent Sammy waren auf derselben Schule, gingen sich dort aber noch eher aus dem Weg. Erst nach ihrem Abschluss begannen die beiden in Sammys Keller Musik zu machen. Nach langem Rumprobieren und Experimentieren, entstand in diesem Keller auch ihre erste EP: „sag deinen freunden, dass du sie liebst“. Die EP spiegelte auch die verschiedenen musikalischen Einflüsse der beiden wieder. Elemente aus der Indie- und Hip Hop-, bis hin zur House- und Rock-Welt, erschaffen eine frische Soundkulisse.

-Tickets im VVK gibt es bei: www.dodotickets.de -

Hailing from Orlando, FL, the 502s are bringing the energy of Florida sunshine everywhere they go. The band formed in college when lead singer Ed Isola (banjo, guitar) bought a $100 banjo and started writing songs. Adding childhood friends Matt Tonner (Keys, guitar, vox) and Joe Capati (sax, trumpet, melodica, vox) started to round out the now distinct sound of the 502s, with Sean Froehlich (drums, vocals) and Nick Melashenko (bass, vocals) completing the lineup. Ed’s brother and cousin played roles as guitar players in the band as well. A true family affair, which leads to the band name. No, it’s not the area code in Louisville, but rather the street address where Isola grew up, and his friends and family would gather to hang out.

After winning a contest to perform at Okeechobee Music & Arts Festival before they ever released any recorded music and a successful EP (The 502s EP) and album (Because We Had To) the band saw their proverbial sunrise when their song “Just A Little While” become viral TikTok sensation in December 2021. “Just A Little While” was off their sophomore album Could It Get Any Better Than This and with an infectious spirit of adventure, the song exploded in popularity. Surrounded by other breakout songs such as Magdalene, Olivia, and I Keep Rolling, the indie folk band from Orlando was a worldwide household name.

“Just A Little While” peaked as the #4 Folk Song worldwide on Spotify charts, living in the top 10 for several months. The tidal wave of social media use of the song also landed them on Billboard’s Hot Rock and Alternative charts and the #3 spot on Spotify’s Top Viral 50. Although the band had soared into the spotlight overnight, they’re anything but a flash in the pan. Their rambunctious, non-stop energy live shows put a stamp on what the 502s are… the happiest band on earth. Through one of the planet’s most energized, joyful live shows, the 502s use their unique sound (some refer to it as ska-folk) to show that anyone belongs at a 502s show. Sold-out tours throughout the US and Europe confirm that once you’ve seen the band once, you’re a fan forever!

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Seit über 10 Jahren erspielen sich Felix Meyer und project île mit ihrer bewegten europäischen Straßenmusik Geschichte irgendwo abseits der poppigen Plattenfirmen und der platten Popmusik eine immer wichtiger werdende Nische zwischen internationalem Chanson, Poesie und Systemkritik, Lagerfeuer, Lebenslust und Liebesballaden.


2021 werden sie mit ihren mittlerweile 5 Alben und den vielen neu entstandenen Liedern wieder auf den Bühnen des Landes unterwegs sein. Die Musik handelt von Gerechtigkeit und Gitarrensoli, von Melancholie und Mehrstimmigkeit, Reimen, Reibereien und Reisebildern. Es geht um den Untergang in Zeitlupe, den Schutz der Schwachen vor den Starken, Küsse unter Sternen, das Herzklopfen und den Tod, einen Tag oder ein ganzes Leben im Wald. Friedfertigkeit und Fantasie.


 Dazu spielen die Musiker des project île mal Jazz und mal Folk oder Chanson, Montuno und Musette. Sie schaffen es damit nach Belieben, die Inhalte ihres Sängers und Texters Felix Meyer zum Tanzen zu bringen oder doppelt und dreifach zu unterstreichen. Manchmal scheint die Band zu schweben oder die Zeit gänzlich anzuhalten. Die Zuschauer verlassen die Konzerte mit einem Lächeln im Gesicht und einer Melodie auf den Lippen.


 Mit vielen Freunden, Kollegen und Weggefährten wie Dota Kehr, Hans-Eckardt Wenzel, Sarah Lesch, Konstantin Wecker, der Band Keimzeit, Max Prosa oder Maike Rosa Vogel ergeben sich immer wieder Projekte, Lieder und gemeinsame Auftritte. Gerne entwickelt der umtriebige Künstler Lieder und Themen in Zusammenarbeit.

Mit James Keelaghan aus Kanada stand Felix Meyer mehrere Tage auf der großen Theaterbühne des italienischen Gitarristen Beppe Gambetta in dessen Heimatstadt Genua. Mit Harald Haugaard und Christian Juncker aus Kopenhagen schrieb er für das Folk Baltica Festival das Stück „Leg dein Herz in meine Hand“, das in verschiedenen Sprachen erschien. Mit Konstantin Wecker sang Felix Meyer „Sage nein!“ vor Hunderttausenden Menschen auf der großen #unteilbar Demonstration in Berlin.

Eine arte Dokumentation über Felix Meyer, die Formation project île und ihre gemeinsamen Lieder ist 2016 in dem Gedichtband zum Album „Fasst Euch ein Herz“ in den Handel gekommen.

präsentiert von event., SCHALL. Musikmagazin und THE-PICK.DE

Der Hamburger Sänger und Songschreiber Pohlmann erfreut seine Fans endlich wieder mit seiner traditionellen Akustiktour „JAHR AUS JAHR EIN“ und spielt im Dezember 2023 sowie Januar 2024 insgesamt 16 Shows in Deutschland. Tickets gibt es ab Mittwoch, dem 23. August 2023 um 10:00 Uhr im exklusiven Presale auf eventim.de und ab Freitag, dem 25. August 2023 um 10:00 Uhr auch an allen bekannten Vorverkaufsstellen.

Mehr Infos und Tickets unter: neuland-concerts.com Weniger anzeigen

-Tickets im VVK gibt es bei www.dodotickets.de -

Andreas Kümmert ist DER Blues-Rock Sänger aus Deutschland.

Seine charaktervolle Stimme und das Talent für große Gänsehaut-Songs sind zeitlos.

Seit Andreas Kümmert denken kann, ist Musik seine Sprache. In 2013 gelingt ihm der Durchbruch: Mit seiner Eigenkomposition „Simple Man“ gewinnt Kümmert die TV-Show „The Voice Of Germany“. Seitdem ist er mit seiner einzigartigen Blues- und Soulstimme in aller Munde und im Gegensatz zu den meisten Teilnehmern derartiger TV-Formate nach wie vor konstant erfolgreich.

2023 jährt sich sein Sieg nun zum zehnten Mal – Grund genug, um mit brandneuem Album erneut auf die Bühnen des Landes zu ziehen. Denn: Die beiden zurückliegenden Pandemiejahre hat Kümmert ausgiebig genutzt, um mit seinen beiden Mitstreitern Stefan Kahne und Michael Germer intensiv an seiner neuen Platte zu arbeiten. „Ich habe mir immer gedacht, es muss ja weitergehen“, sagt er. Er bleibt stark und das zahlt sich aus.

Sein neues Album mit dem ausdruckstarken Titel „Working class hero“ erscheint am 14.04.2023 (Soulfood Music) und umfasst alle Facetten des Ausnahmekünstlers von ausdrucksvollen Rock’n‘Roll-Nummern, bis hin zu mitreißenden Balladen.

Für das Albumcover zeichnet sich Brian Cannon verantwortlich – der Grafiker und Fotograf, der bereits für Oasis oder The Verve tätig war, arbeitete zum ersten Mal für einem deutschen Künstler.

Als besonderes Highlight findet sich außerdem eine neu eingespielte Version seines damaligen „The Voice“-Hits „Rocket Man“ auf dem Album wieder. Ursprünglich stammt der Song von Elton John, jedoch machte Kümmert ihn damals zu seiner ganz eigenen Spielart. So bringt ihm der Track bis heute seinen Spitznamen „Rocket Man“ ein. Eine Umschreibung des Phänomens Andreas Kümmert: Ein bodenständiger, vollkommen geerdeter Charakter, der auf der Bühne schlagartig explodiert. „Der Song ist einfach ein Teil meiner Geschichte“, sagt Kümmert. „Ich dachte mir, er hätte es mal verdient, auf einem Album zu landen.“

Nachdem die erste Single „Leave the Radio on“ aus dem kommenden Album bereits erschienen ist und nun „Miracles“ am 24.02.2023 folgt, können sich Fans damit schon einmal auf die anstehenden Album-Release-Shows einstimmen:

Live erwartet die Besucher ein wahrhaftiges Feuerwerk an Spielfreude und musikalischem Können. Man darf sich auf eine energiegeladene Show mit einem Querschnitt aus dem kompletten Song Reportoire Kümmerts freuen. Gänsehautmomente natürlich – wie man es erwartet – inklusive.

c/o Photocredit: Thomas Berberich

-Tickets im VVK gibt es bei: www.ticket69.de\_content.php?idart=2937&fbclid=IwAR0Rc8g6Xps0eXrvFlJvs\_kua5OVdyEQQjlPil8WuFFxMsd\_4bJ4ULxfQ6M -

80s EXPRESS heißt das neue Liveprojekt von BLIND PASSENGER-Frontmann NIK PAGE für das er eine hochkarätig besetzte Band formierte um die Pop- & Wave-Klassikern der goldenen Achtziger mit dicken Beats und maximalem Entertainment-Faktor auf die Bühne zu bringen.
Mit 80s EXPRESS werden Hits von NEW ORDER, DEPECHE MODE, DEAD OR ALIVE, THE SISTERS OF MERCY, CAMOUFLAGE, DIE ÄRZTE, THE HUMAN LEAGUE, TEARS FOR FEARS, THE CURE, SOFT CELL, THE POLICE und vielen anderen Kultbands neu zum klingen gebracht, ebenso wie Klassiker der NEUEN DEUTSCHEN WELLE (GOLDENER REITER, MAJOR TOM, TERRA TITANIC und EISBÄR).

Die Coverversionen der international besetzten Glam-Pop-Band werden nicht im typischen 0815-(Top40)-Rockband-Stil präsentiert, sondern modern produziert, elektronisch und äußerst tanzbar, ohne den besonderen Charme und die markanten Elemente der Originale einzubüßen.

Die Liveshows von 80s EXPRESS sind eine Zeitreise in das goldene Jahrzehnt der Pop-Musik, eine verdammt unterhaltsame Tanzparty, aber vor allem ein Garant für ein durchgeschwitztes und heiseres Publikum.

Konzertbesucher haben freien Eintritt zur anschließenden Rebel Yell-80er Party auf 2 Floors.

Exklusiver Vorverkauf via Spotify ab 27.09., 10 Uhr
Vorverkauf bei Eventim ab 28.09., 10 Uhr
Allgemeiner Vorverkaufsstart am 29.09., 10 Uhr

Matt Maltese ist eines dieser seltenen Talente, die es schaffen, in jungen Jahren schon die Coolness und den Schwung von Sammy Davis Jr. auf die Bühne zu bringen. Mit gerade erst 20 Jahren veröffentlichte er seine Debütplatte „Bad Contestant“ und schon das Video zur zugehörigen Single „Greatest Comedian“ zeigte ihn im rosafarbenen Anzug die Treppe herabtänzelnd. Mit seinem hohen Bariton singt er in weiten Melodien über das alltägliche Leben, die Liebe, Politik und sich selbst, während ihn dieser groß produzierte Sound durch die Songs trägt. Maltese hat das selbst einmal als Brexit Pop bezeichnet. Doch mit seinem neuen Album „Driving Just To Drive“ hat der Sänger einen neuen Ansatz gesucht und sich erlaubt, in die Vergangenheit zurückzublicken. Der Brite aus Reading reflektiert über das Gefühl und die Bedeutung des Ortes, an dem man aufgewachsen ist, und das Geheimnis, einfach den Moment zu genießen - und zeigt sich dabei so frei wie nie zuvor. „Driving Just To Drive“ zeigt Maltese in seiner offensten und ruhigsten Phase, in der er neue Klänge umarmt, aber zur organischsten Version seiner selbst zurückkehrt, die er kennt. Er konnte schon immer den Weg finden, die Leute zum Lachen zu bringen, aber hier findet er einen Weg, charmant zu sein, während er seine Deckung fallen lässt. Das Ergebnis ist etwas Bittersüßes, etwas tief, authentisch Emotionales und verleiht dem Album große Klarheit und Tiefe in der Erzählung. Matt Maltese würdigt seine Wurzeln, zieht seine Lebenslinien zurück in seine Jugend - und erzählt im Song „Florence“ über ein Konzert, das als Teenager sein Leben veränderte und eine Initialzündung für seine eigene musikalische Entwicklung werden sollte. Der Engländer hat sich für die neuen Tracks dem sehr persönlichen Inhalt angemessen einen wärmeren und volleren Sound gegönnt, der auch seiner Stimme ganz hervorragend steht, ohne dabei seinen Sinn für die gut erzählten Geschichten, seine Ironie und seinen Humor zu verlieren. Im Februar kann man Matt Maltese auf seiner Reise in seine Vergangenheit begleiten – und sicher auch seine Crooner-Qualitäten bewundern –, wenn er zu uns auf Tour kommt

Der renommierte norwegische Superstar, Singer-Songwriter und virtuose Instrumentalist Bernhoft gibt mit großer Vorfreude seine bevorstehende Europatournee bekannt. Die Tour markiert einen aufregenden Höhepunkt in Bernhofts musikalischer Reise und wird am 20. Oktober 2023 in Norwegen starten. Über mehrere Monate hinweg wird die Tour durch Deutschland, Dänemark, Holland, das Vereinigte Königreich und weitere Länder führen, bevor sie am 23. April 2024 in Schweden ihr Finale erreicht. In Deutschland stehen Konzerte in Köln (1.3., Kulturkirche), Karlsruhe (2.3., Tollhaus), München (4.3., Hansa 39), Aschaffenburg (5.3., Stadttheater) und Berlin (7.3., Frannz Club) auf dem Programm.

Nach phänomenalen Talkshow-Auftritten unter anderem bei Ellen DeGeneres und Conan O‘Brian in Vorbereitung seiner US-Tour, folgte der plötzliche und tragische Tod seines lieben Freundes und Managers. Der Grammy-nominierte Bernhoft zog sich aus dem globalen Rampenlicht zurück und es folgte eine Pause, die von Reflexion und dem ernsthaften Wunsch nach Fokussierung auf seine Familie und das Wiederentdecken seiner Wurzeln in seinem Heimatland Norwegen geprägt war. Nach einer Phase der Selbstreflexion und persönlichen Wiederanbindung kehrt Bernhoft mit erneuerter Leidenschaft auf die Bühne zurück. Seine neueste Single "No Place Like Home" (VÖ: 18.8.) markiert einen bedeutsamen Moment in dieser Reise und ist ein Vorgeschmack auf sein kommendes Album "Avenue Of Loveless Hearts“. Das Album wird am 6. Oktober 2023 veröffentlicht und ist eine klangliche Expedition, die Bernhofts persönliche Transformation und musikalische Innovation enthüllt.

Die gleichnamige Tour im Frühjahr 2024 wird Bernhofts beeindruckendes musikalisches Können und seine charakteristischen, soulvollen Vocals in den Mittelpunkt stellen. Sie verspricht eine unvergessliche Erfahrung für alle Musikliebhaber, die von Bernhofts eindringlicher Bühnenpräsenz und seiner Fähigkeit, das Publikum zu berühren, fasziniert sind.



Tickets ab 23.08., 10:00 Uhr im exklusiven Presale unter www.eventim.de sowie

ab Freitag, 25.08., 10:00 Uhr zusätzlich an allen autorisierten Vorverkaufsstellen erhältlich.

Bundesweite Tickethotline: 01806 – 57 00 70 (0,20 €/Min., max. Mobilfunkpreis 0,60 €/Min.)

Weitere Infos unter www.bernhoft.org/ sowie www.prknet.de

-Tickets im VVK unter www.dodotickets.de -

CANNONS wechseln zwischen einem Hauch von Introvertiertheit, glitzernder Ekstase auf der Tanzfläche und düsterer Sinnlichkeit. Das Trio aus Los Angeles – Michelle Joy (Gesang), Ryan Clapham (Leadgitarre) und Paul Davis (Schlagzeug, Tasten) – hebt den Alternative/Electro-Pop in eine leuchtende Stratosphäre mit düsterer Produktion und einer visuellen Sensibilität, die gleichermaßen für das Studio 54 wie für die Sommerfestivalsaison geeignet ist. Bislang hat die Band diesen unverkennbaren Stil im Laufe ihrer drei Alben „Night Drive“ (2017), „Shadows“ (2019) und „Fever Dream“ (2022) verfeinert. Auf dem Weg dorthin landeten CANNONS mit „Fire For You“ einen absoluten Hit, welcher RIAA-Goldstatus erreichte und fast eine Viertelmilliarde Streams generierte. Die Single erreichte die Spitze der Alternative-Radiosender und konnte sich in weltweit bekannten NETFLIX-Formaten wie „Never Have I Ever“ oder „American Horror Story“ platzieren.

CANNONS wurden von The Hollywood Reporter, Billboard, FLAUNT und Consequence of Sound gelobt, während YouTube sie zu den „Artists on the Rise“ des Jahres 2021 zählte. Als Live-Band haben sie unzählige Shows gespielt und Festivals wie Coachella, Lollapalooza, Life Is Beautiful, Outside Lands und Electric Forest zum Beben gebracht, um nur einige zu nennen. Mit der sonnigen, frechen und sexy Funk-Single „Loving You“ aus dem Jahr 2023 starten CANNONS in eine neue Ära – und da wird noch einiges kommen…

-Tickets / Infos gibt es unter www.greyzone-concerts.de -

The Soul sensation from NYC is back in Berlin!

Sale from Friday, august 25th, 12 am!

Say She She, the soulful female-led trio, stand rock solid on their discodelic duty with their boundary breaking sophomore album Silver.

The three strong voices of Piya Malik (El Michels Affair staple feature, and former backing singer for Chicano Batman), Sabrina Mileo Cunningham and Nya Gazelle Brown front the band. Following the NYC siren song, the trio was pulled from their respective cities — Piya from London, Nya from DC, and Sabrina from NYC — to Manhattan’s downtown dance floors, through the Lower East Side floorboards, and up to the rooftops of Harlem, where their friendship was formed on one momentous, kismet eve.

Silver was entirely written and recorded live to tape at Killion Sound studio in North Hollywood earlier this year and produced by Sergio Rios (of Orgone). While these analog recording techniques help root Say She She’s sound in a bedrock of tonal warmth that only tape can achieve, it is also their process of cutting the track in the moment and capturing the magic of communal creativity that has seen their sound described as “a glorious overload of joyful elation and spiritual elevation” (MOJO) and “infused with the wonky post-disco spirit of early '80s NYC” (The Guardian). Musical inspirations include Rotary Connection, Asha Puthli, Liquid Liquid, Grace Jones and Tom Tom Club.

Ultimately, Silver oozes with quirk and adventure and embraces the multifaceted nature of what it means to be a modern femme. Say She She fully embrace their role as beauticians, actively reminding people of the inherent beauty in the world. They skillfully employ double entendres and humor to encourage open dialogue and fearlessly address important matters that demand attention.

-Tickets im VVK gibt es bei www.koka36.de -

Von einem zarten Schleier des Halls umgeben, eröffnet uns **CHRISTIAN KJELLVANDER** mit seiner sanften Stimme die Tür zu seinem **neuesten Werk „Hold Your Love Still“ (VÖ 03.11.23, Tapete Records)** – sein erstes Soloalbum seit **„About Love And Loving Again“ aus dem Jahr 2020existenziellen und umweltbedingten Spannungen**, wandelt jedoch gekonnt zwischen Stoizismus und Optimismus. Er bereichert seine **charakteristische melancholische Stimmung mit schwebenden Kompositionen in Dur**, die jeden Song zu einem tiefgründigen Erlebnis machen. Jeder Song ist präzise und durchdacht – im Gegensatz zu den musikalischen Grenzüberschreitungen, die für seine letzten Werke prägend waren, vollzieht er nun eine bewusste Hinwendung zum Song. Die Texte sind voller natürlicher Bilder, subtiler Poesie und faszinierender Empathie. Dies ist die Arbeit eines erfahrenen Songwriters, der sich in Höchstform präsentiert.

Die Liebe, von der im Albumtitel die Rede ist, ist ein Zustand der Energie bzw. eine Konzentration von Gefühlen, eine schwer zu beschreibende Qualität jedenfalls, die er gelegentlich in unserer modernen Gesellschaft vermisst. Das erfrischende **Eröffnungsstück „Western Hemisphere“** bestätigt, dass alles, was wir brauchen, bereits in unserer Nähe liegt; wir müssen nur lange genug stillhalten, um es zu erkennen. Das Stück feiert die Kraft der Natur und erinnert uns daran, dass das hohe Gras mehr Schönheit besitzt als der noch so sorgfältig gepflegte Rasen. Auch **„Notes From The Drive Between Simat and Alcoi“** hat das in unserer Gesellschaft so verbreitete Streben nach Perfektion zum Thema. Es ist ein Reisebericht aus dem südöstlichen Spanien, inspiriert von atemberaubenden Tälern, einem Zisterzienserkloster und der beruhigenden Verzerrung eines ziemlich maroden Sound-Systems. Darin erinnert Kjellvander sich an einen Auftritt in Alcoi, einer Stadt, die in den Anfängen der Arbeiterbewegung im 19.Jahrhundert eine zentrale Rolle gespielt hat, auch wenn Streikposten ihre Stimme heutzutage nur noch im Flüsterton erheben. Kjellvander bringt seine **Freude an zerklüfteten Landschaften, verwitterten Gemäuern und brummenden Lautsprechern** zum Ausdruck und äußert zugleich seinen Protest gegen die schnurgeraden Linien und den sauberen Sound unserer kommerzialisierten Existenz. Unterdessen entwickelt sich das Stück von der **Ballade zur Hymne**.

In dem Song **„Baleen Whale“** geht es um die Belastung durch die ständige Überflutung mit Nachrichten oder auch die fehlende Abgrenzung gegenüber den Problemen anderer Menschen. Christian zieht daher den Vergleich zu einem Wal, der unablässig Nahrung durch seine Barten filtert und schließlich strandet. Ein rumpelnder Bass und Schlagzeugbesen bilden das rhythmische Gerüst, während das zarte Piano und düstere Streicher einen melancholischen Hintergrund für Kjellvanders Geschichte bilden, bis schließlich ein unerwarteter Schwall aus hoffnungsträchtigen Akkorden den Refrain in ungeahnte Höhen hebt.

Im vierten Song des Albums, dem wunderschönen **„Terns Took Turns“**, webt Christian seine eigene Liebe in ein Liebeslied ein, in dem er sich mit Intimität und Verletzlichkeit auseinandersetzt. Er fängt in diesem Stück nicht nur den Moment der Hingabe an das überwältigende Gefühl der Zuneigung ein, sondern auch jene Nähe, die eine Kommunikation ohne Worte erst möglich macht.

Das sehr plastische, von einem stampfenden Rhythmus begleitete **„Disgust For The Poor“** liefert eine schmerzhaft präzise Analyse des Kapitalismus, des Konsumismus und des fortgesetzten Kolonialismus. Gleichzeitig stellt es die Frage, ob wir ein ungerechtes System wirklich verändern können, während wir gleichzeitig all die Annehmlichkeiten genießen, die es uns bietet. In dem **berauschenden und phantasievollen „On Wine And Jesus Christ“** verwirklicht Kjellvander dann ein lang gehegtes Vorhaben und erforscht seine Beziehung zum Alkohol, erinnert sich daran, wie er den Alkohol und wie dieser ihn benutzt hat. Ist es möglich, Alkohol zu genießen, ohne gleichzeitig seinen Gefährdungen zu erliegen?

Das Album erreicht seinen Höhepunkt in dem **epischen und fesselnden Track „We Are Gathered“**, der eine neunminütige Reise darstellt, die die Albumthematik geschickt mit Verantwortungsbewusstsein und Optimismus verbindet. Die Musik entführt den Hörer in einen **hypnotischen Zustand**, während die **Melodien und Klänge sich zu einem beeindruckenden Crescendo** entwickeln.

Mit dem abschließenden Song **„Dream 2066“** präsentiert uns Christian Kjellvander eine beruhigende Vision einer **möglichen Zukunft**, die frei von Klimakatastrophen und den Fesseln des Kapitalismus ist. Seine tröstliche Stimme hinterlässt eine bleibende Botschaft über die **Macht der Gemeinschaft und des Zusammenhalts**.

-Tickets im VVK bekommt ihr unter www.ticketmaster.de -

Maël und Jonas - das ist Freundschaft und Liebe zur Musik! Die beiden 21 und 27 jährigen Jungs aus Koblenz sind Freunde und kennen sich mittlerweile seit 15 Jahren. Bei Maël und Jonas ist alles echt und entsteht in Handarbeit. In ihren Songs erzählen sie von Liebe und den ersten Erfahrungen, die diese mit sich bringen kann. Das Duo produziert und schreibt alles selbst.

Nach der 15-Städte Tournee 2022 veröffentlichen Maël & Jonas ihr Album "Rocket Science” im März 2023 und steigen auf Platz #77 in den Deutschen Album-Charts ein. Die Fokus Single “Simp” konkurriert mit sämtlichen GSA Major Projekten - +400k Streaming Einheiten nach 7 Tagen, 89% organisch! Die Album Tournee startet am 21.04. und wird in 15 Städten stattfinden.

-Tickets im VVK gibt es unter: www.dodotickets.de -


Dagny kam buchstäblich aus dem Nichts und überwältigte die – insbesondere virtuelle – Welt mit ihrer Debüt-Single „Backbeat“ nahezu über Nacht. Im Anschluss kultivierte die 32-jährige Norwegerin im Rahmen zahlloser Kooperationen ihre Erfahrung und Identität als Künstlerin, bevor sie im September 2016 mit ihrer Debüt-EP „Ultraviolet“ weithin begeisterte. Vier Jahre und zahllose Kollaborationen später erschien mit „Strangers/Lovers“ endlich ihr lang erwartetes Debütalbum, das die hohen Erwartungen vollends erfüllen konnte: Es stieg in Norwegen bis auf Platz 2 der Albumcharts und stellte mit „Come Over“ und „Somebody“ zwei weitere, mehrfach mit Platin ausgezeichnete Hit-Singles vor. Neben weiteren Kollaborationen reüssierte die ätherisch feinsinnige Sängerin und Songwriterin zuletzt mit drei neuen Singles, die Anlass zur Hoffnung geben, dass Dagny in diesem Jahr ihr zweites Album veröffentlichen wird. Unlängst bestätigt wurde eine exklusive Deutschland-Show am 8. April 2024 in Berlin.

Dagny Norvoll Sandvik hatte bei genauerer Betrachtung geradezu perfekte Startbedingungen, um zu dieser außergewöhnlichen jungen Künstlerin zu werden, die man nun in ihr findet. Da ist zum einen ihre Herkunft, das kleine Städtchen Tromsø in Nordnorwegen: Abseits von allen großen Szenen konnte dort ihr ganz individueller Ansatz an Songwriting und Gesang reifen. Zum anderen konnte sie dabei auf intensive familiäre Unterstützung und Hilfe bauen, da ihre Eltern beide ebenfalls Profimusiker sind. In dieser Gemengelage entwickelte sie einen ganz eigenen Stil: euphorisch und fröhlich, aber dennoch tiefgründig und insbesondere in der gesamten Klangästhetik innovativ. So sprechen Eingeweihte der norwegischen Musikszene bereits seit 2012 davon, dass sich in Dagny ein kommender Star des handgemachten Female-Pop findet; erst recht, nachdem die junge Künstlerin auf Konzerten im Vorprogramm von Stars wie Elton John und Bryan Adams auftrat.

Über die nationalen Grenzen hinaus verbreiterte sich die Wahrnehmung ihres ebenso überraschenden wie eingängigen Sounds aber erst nach ihrem Umzug nach London, wo sich ihre Musik noch einmal grundlegend veränderte: Weg von der reinen Folk-Musik und hin zu postmodernen Pop-Entwürfen und elektrischer Band-Verstärkung. Erreicht hatte sie diese Transformation durch verschiedene Kooperationen mit Londoner Musikern und Produzenten. Bei einer solchen mit Sam McCarthy entstand aus einer Jamsession heraus sodann der Song, der sie unmittelbar in den sozialen Netzwerken bekannt machte: „Backbeat“. Ein Lied, das den unheimlich seltenen Spagat schafft, leicht und fröhlich und gleichzeitig enorm nachhaltig und wertvoll zu sein. Seither landeten zahlreiche Songs von ihr in den norwegischen Singlecharts und konnten mittlerweile teils zwischen 50 und 85 Millionen Spotify-Plays erreichen, darunter „Somebody“ aus ihrem ersten Album „Strangers/Lovers“ oder „Love You Like That“, das in Norwegen mit Platin veredelt wurde.

Parallel ging Dagny viele Kollaborationen ein, darunter mit Steve Aoki, Børns, Kohib, The Wombats oder dem EDM-Duo Seeb, deren Single „Drink About“ bis auf Platz 2 der norwegischen Charts stieg und aktuell bei über 124 Millionen Spotify-Plays steht. Auch für ihr in Los Angeles und London aufgenommenes Debüt-Album nahm sie wieder zahlreiche Angebote zu Zusammenarbeiten an, um ihren Sound weiterzuentwickeln. Unter den Kollaborateuren, mit denen sie arbeitete, finden sich namhafte Songwriter und Produzenten wie Tommy English (Børns, Tigertown, Ladyhawke), Dave Bassett (Elle King, Fitz and the Tantrums), Mattman & Robin (Tove Lo, Ellie Goulding, Taylor Swift) und Justin Tranter (Selena Gomez, Justin Bieber). Entsprechend vielseitig und teils überraschend fallen die Songs auf „Strangers/Lovers“ aus, die jedoch von einer bedeutenden Klammer zusammengehalten werden: Dagnys überragender Stimme, von deren Präsenz und Eindrücklichkeit man automatisch in den Bann gezogen wird. Mit den drei aktuellen Singles „Brightsider“, „Highs & Lows“ und „Heartbreak In the Making“, die allesamt wieder hoch in die norwegischen Charts kletterten, bewies sie unlängst, dass sie die enorm hohe Qualität ihres Songwriting spielend halten kann.
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-TIckets im VVK gibt es ab Montag 11.09. 11Uhr bei: www.ticketmaster.de\_goodliveartists -

Henry And The Waiter ist seit 2017 als Künstler aktiv. Er erreichte allein bei Spotify bisher über 115 Millionen Streams. Der gebürtige Frankfurter spielt mehrere Instrumente, hauptsächlich aber ist er Sänger und begleitet sich selbst an der Gitarre. Außerdem ist er Produzent seiner Songs.

Aufgewachsen ist Henry in Erfurt. Hier sammelte er in der Jugend erste Liveerfahrungen in diversen Bands und erlernte dort verschiedene Instrumente wie Saxophon, Gitarre und E-Bass. Nach seinem Abitur zog es Henry wieder zurück in die Mainmetropole Frankfurt am Main. Erstaunlich gutes Feedback hinsichtlich seiner Stimme sowie der Drang, selbst Musik zu komponieren und Texte zu schreiben, brachten den 28-jährigen Henry letztendlich zu seinem eigenen Künstlerprojekt „Henry And The Waiter“.

Eine Mischung aus Pop und Indiepop, verbunden mit Vintage-Gitarren, smoothen Keysounds, elektronischen Beats und energetisch melancholischen Lyrics soll es sein. Seine Musik ist nachdenklich, aber strahlt gleichzeitig Lebensmut und Hoffnung aus.

Tickets gibt’s ab 26.09., 12 Uhr online sowie ab 28.09. an allen bekannten VVK-Stellen.

Bekanntheit verdankt JOSH. zahlreichen Hits wie „Expresso & Tschianti“ oder „Von Dir ein Tattoo“, in Deutschland aber nicht zuletzt „Cordula Grün“. Dass er sich seit dieser Veröffentlichung 2018 sowohl musikalisch als auch menschlich weiterentwickelt hat, zeigt er auf seinem aktuellen Studioalbum „Reparatur“.

Die zwölf abwechslungsreichen und mit viel Liebe zum Detail eingespielten neuen Songs hat der mehrfache Amadeus-Award-Preisträger JOSH. gemeinsam mit seiner Band seit geraumer Zeit nach und nach in sein Live-Set eingebaut. Das Publikum in Österreich bekam so schrittweise im Konzert bereits einen Vorgeschmack auf das Album „Reparatur“ und nahm die neuen Songs begeistert auf.

Die Fans in Deutschland erwartet auf der „Reparatour“ eine mitreißende Band, der die Freude am Spielen deutlich anzuhören ist. Und natürlich wird JOSH. neben bekannten Hits wie „Cordula Grün“, „Wo bist Du“, „Vielleicht“, „Expresso & Tschianti“ oder „Ring in der Hand“ auch die Songs von „Reparatur“ wie „Martina“, „Ich gehör repariert“, „Nur nicht von Dir“ oder „Tanzen bei der Arbeit“ präsentieren.

Schon als ganz kleiner Junge saß Tom Twers voller Begeisterung am Klavier und kreierte seine eigenen Melodien und Lieder.

Das Besondere an Tom Twers' Erfolgsgeschichte ist, dass er seine musikalische Karriere komplett eigenständig, als selfmade Künstler, aufgebaut hat. Ohne ein großes Label im Rücken und ohne einen etablierten Verlag kämpfte er mit vielen schlaflosen Nächten für seinen Traum. Von Anfang an verließ er sich auf seine Leidenschaft für die Musik. Durch sein charismatisches Auftreten gewann er die Herzen von Hunderttausenden von Menschen, die von seiner einzigartigen Musik fasziniert sind und baute durch die Musik eine treue Fanbasis und Social-Media-Präsenz auf.

Mit seinem Hit "Falle Für Dich" konnte er alle davon überzeugen, dass er ein bemerkenswertes Talent hat. Als Independent-Künstler durchbrach er die Grenzen und schaffte es, in die Top 75 der deutschen Spotify-Charts einzudringen. Diese außergewöhnliche Leistung festigte seinen Status als aufstrebender Künstler der Musikszene.

Tom Twers ist ein Phänomen, das die Musikszene überrascht und inspiriert. Seine unermüdliche Hingabe zur Musik und der mutige Aufbau seiner Karriere auf eigene Faust zeichnen ihn aus. Wir könnten noch viel mehr zu ihm schreiben, doch eins ist sicher. Die aufregendsten und erfolgreichsten Momente hält die Zukunft noch bereit.

Tickets im VVK gIbt es in Kürze hier: landstreicher-konzerte.de