-Vorverkauf startet am 07.12., 10 Uhr-

Als das erste Album von The Blue Stones im Jahr 2018 erschien, war es eigentlich bereits das zweite oder dritte erste Album des kanadischen Duos. Schließlich stehen Sänger und Gitarrist Tarek Jafar und Schlagzeuger Justin Tessier schon seit 2011 gemeinsam auf der Bühne und hatten rasch mit ihren Bandcamp-Veröffentlichungen wie der EP „How’s That Sound“ und dem mitreißenden Garagen-Kracher „Rollin‘ With The Punches“ ziemlich viel Erfolg. Ebenfalls auf der Plattform erschien 2015 dann „Black Holes“ das erste Mal, bevor es 2018 erneut und produktionstechnisch aufgefrischt ein zweites Mal vorgelegt wurde. Und der mitreißende Bluesrock voll prägnanter Riffs und überbordender Hooklines krachte mit Volldampf ins Duo-Farbenspektrum zwischen den White Stripes und den Black Keys. Vor Kurzem ist das dritte oder vielleicht auch fünfte Album erschienen. Egal, auf „Pretty Monster“ führen The Blue Stones zusammen, was vorher noch disparat war. „Black Holes“ (Juno-Award-Nominierung für die Breakthrough Group of the Year) war die kratzige und rauhe Seite der beiden, auf dem der Nachfolger „Hidden Gems“ (Juno-Award-Nominierung für Rock Album of the Year) lauschten sie atmosphärisch neuen Stilen nach, um auf der jüngsten Platte beides zu verbinden und eine volltönende Soundmaschine daraus zu machen. Auf der Bühne widersetzen sich The Blue Stones schon immer allen Gesetzen der Physik und erzeugen einen Sound, den zwei Menschen alleine in dieser Intensität eigentlich gar nicht machen können. Und doch haben sie es dieses Mal geschafft, dieses leicht entflammbare Chaos auch im Studio zu erzeugen und gleichzeitig ihr Songwriting in neue Höhen zu schrauben. Hier wird die rohe Kraft des Rock’n’Roll mit einem schottrigen Bluesrock, grummelnden Pop-Einschlägen und eingestreuselten charmanten Details verbunden, dass es nur so in den Speakern scheppert. Gut so, denn dann wird es live umso lauter, wenn The Blue Stones wie das musikalische Äquivalent eines fauchenden Katers über die Bühne stromern.

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After their Play Test tour in small and alternative venues, Agar Agar announce a new album to be released on 20th January 2023 and a European tour! Clara Cappagli and Armand Bultheel are back with a video game developed by Jonathan Coryn. “Player Non Player” , the name of the album and video game, touches many subjects such as invasion of intimacy, the need to escape defined boundaries, and even dragons.
An immersive scenography produced by Alexandre Kontini (who has worked with Oklou and Bonnie Banane) will recreate the experience into the live show.

-Tickets im VVK gibt es bei www.dodotickets.de -

Von dem Moment an, in dem das Quintett Boston Manor mit „Here/Now“ 2013 seine erste EP veröffentlicht hat, war man in Großbritannien gewiss, dass hier eine neue Band heranreift, die der emotionalen Gitarrenmusik aufregende weitere Facetten hinzufügen kann. Dies bestätigte sich ab 2016 mit der Veröffentlichung ihrer ersten Longplayer „Be Nothing.“ und „Welcome to the Neighbourhood“, auf denen Boston Manor noch stärker im Pop-Punk und Post-Hardcore verortet waren, aber bereits bewiesen, dass ihnen stumpfe Einsortierungen in eine bestimmte Schublade zu eng sind. Mittlerweile haben die fünf Musiker aus Blackpool gewissermaßen eine eigenes „Boston Manor“-Genre kreiert, das sich ziel- und geschmackssicher ebenso im Grunge wie im Punk bedient, das poppig-griffige Melodien mit der Brachialität des Hardcore ermengt, das an die besten Momente des 90er-Emocore erinnert und gleichzeitig absolut „State of the art“ ist.

Das Seebad Blackpool im Nordwesten Englands in der Grafschaft Lancashire, direkt an der irischen See gelegen, ist im Grunde eine bildhübsche Stadt direkt am Meer. Doch was man als Tourist nicht sofort sieht, sind die lokalen Probleme aus Drogenkonsum, Misswirtschaft und einer Arbeitslosigkeit von über 40 Prozent in den Wintermonaten. Gerade für junge Menschen ist es schwer, hier eine Karriere oder wenigstens einen Lebenssinn zu finden. Und so entschieden fünf junge Freunde – Sänger Henry Cox, die Gitarristen Mike Cuniff und Ash Wilson, Bassist Dan Cuniff und Schlagzeuger Jordan Pugh – im Jahr 2013, ihr Glück als Profimusiker zu versuchen und gründeten Boston Manor, eine Band, die sich vom Start weg leichtfüßig zwischen Pop-Punk, Emo-Pop und härteren Post-Hardcore-Momenten bewegte. Nach ihren ersten drei EPs erschien 2016 ihr Debütalbum „Be Nothing.“, das in Großbritannien auf viel Interesse und zahlreiche hervorragende Kritiken stieß. Erste landesweite Tourneen sowie ein Abstecher in die USA belegten in der Folge zudem, was für eine ausgezeichnete Liveband Boston Manor ist.

Trotz intensiven gemeinsamen sechs Jahren und den vielen Erfahrungen sagte die Band selber, dass sie erst 2018 mit Erscheinen des zweiten, ihre schwierigen Lebensumstände in Blackpool konzeptionell aufgreifenden Albums „Welcome to the Neighbourhood“ herausgefunden habe, „wer wir eigentlich genau sind und was wir machen wollen.“ Stilistisch bedeutete dies eine Öffnung hin zu neuen Sounds und weiteren Stilistiken – als Inspirationen zog sich das Quintett so unterschiedliche Bands wie Nine Inch Nails, Failure, Tool und die Deftones heran. Insbesondere der Einsatz von sinistren Keyboards und dunklen Klangflächen war ein neues Element in der Musik von Boston Manor. Auf dieses zweite Album folgte 2019 die reine Akustik-EP „England’s Dreaming“, die einmal mehr bewies, dass Boston Manor nicht nur brillante Genregrenzen-Sprenger, sondern ebenso feinsinnige Songwriter sind. Ein halbes Jahr später belegte das dritte Album „Glue“, dass die bandeigene Suche nach ihrer inneren Chemie und stilistischen DNA immer weiter fortschreitet.

Seit ihrem Labelwechsel von Pure Noise zu Sharptone Records zeigt das Quintett nun ungebrochene Kreativität und Leistungsfähigkeit an allen Grunge-, Alternative- und Punkrock-Fronten. Sowohl die EP „Desperate Times, Desperate Pleasures“, ihre nunmehr sechste, sowie das Mitte Oktober erschienene, vierte Album „Datura“, mit dem Boston Manor im April nach Deutschland kommen, belegen aufs Feinste, warum das britische Kerrang!- Magazin Boston Manor als „Stimme einer neuen Generation“ bezeichnet.

Ramirez (oftmals auch Rvmirxz geschrieben) lauert gerne im Schatten und erzählt von dort aus über die Härte des Alltags in den Straßen US-amerikanischer Großstädte. Seine Texte sind in paranoide Reflexionen sowie angsteinflößende Berichte über Mord und Verstümmelung getaucht. In den vergangenen Jahren hat der selbsternannte „Silver Back Gorilla“ eine einzigartige Mischung aus 90er-Memphis-Horrorcore und Bay-Area-Rap geschaffen, die ihn zu einem Star unter den mit Social Media aufgewachsenen Menschen machte. Seine gemeinsamen mit den $uicideboy$ veröffentlichten Hits „Grey Gods“ und „Sarcophagus II“ zählen auf Soundcloud mehr als 20 Millionen Streams, andere Single-Auskopplungen wie „The Boys Are Back in Town“, „The Fo Five“ oder „Na Na Na Na Na (Caught Slippin)“ verzeichnen bei Spotify zwischen 35 und knapp 70 Millionen Plays. Und dies alles als ein Selfmade- und Underground-Rap-Künstler, der die Zusammenarbeit mit der „Industrie“ konsequent verweigert. Mit seinem achten Mixtape „The Tragedy of a Clown“ geht Ramirez im kommenden Frühjahr auf Europatournee und macht im April für drei Deutschlandkonzerte in Berlin, Hamburg sowie Köln Halt.

Der 1998 als Ivan Ramirez geborene MC mit hispanischen Wurzeln begann seine ersten Reime zu spitten, als er in die Pubertät kam. Seine erste EP veröffentlichte er mit 16 Jahren – und konnte sich gleich als eine neuartige Stimme im US-Rap-Game positionieren. Sein Selbstverständnis als Geschichtenerzähler ist tief im Mission District von San Francisco verwurzelt, einem Ort, an dem Ramirez alles Wilde, Verbotene und Verruchte von den großen Rappern der Stadt aufgesogen hat. Er versteht Cellski als künstlerische Vaterfigur und erinnert sich an Andre Nickatina als den ersten MC, der ihn davon überzeugte, dass er es selber zu einer Meisterschaft im Rappen bringen wollte. Doch Ramirez hat auch immer Einfluss aus anderen Regionen bezogen, insbesondere den Südstaaten der USA mit ihrem ganz eigenen Hip-Hop-Style. Sein Bruder machte ihn mit dem Houston Rap bekannt, vor allem mit DJ Screws benebelten, zerhackten Produktionen, während sein Onkel ihm alte Three 6 Mafia-Bänder gab und Ramirez damit einen ersten Eindruck bot von der Underground-Rapszene von Memphis, die seinen Flow stark inspirierte: so schnellfeuernd und stakkatohaft wie ein halbautomatisches Gewehr.

Kein Wunder also, dass es den jungen Mann von der Westküste in den Süden zog, als er seine Rap-Karriere starten wollte. Ramirez lernte Ruby da Cherry und $crim – die in New Orleans ansässigen MCs und Produzenten hinter den $uicideboy$ – 2015 über Twitter kennen und wurde zu einem Gründungsmitglied ihres Labels G*59 Records. Seither arbeiten sie kontinuierlich eng zusammen: Eine Vereinigung, die es ihnen ermöglicht hat, eine Kult-Gefolgschaft für ihre wortreichen Erzählungen des Straßenalltags zu finden. Beeinflusst von den immer wütenden Tendenzen der $uicideboy$ hat Ramirez diese erweitert, um seinen eigenen Kanon der Gewalt und Selbstmedikation zu konstruieren. Seine Verse waren lange Zeit drogeninduzierte Wutausbrüche, angeheizt durch Percocet und Promethazin.

In diesem Jahr erschien mit „The Tragedy of a Clown“ sein bereits achtes Mixtape – neben vier weiteren Alben sowie zehn EPs in nur sieben Jahren – und es erzählt von dem nun geläuterten Ramirez. „Der Zweck eines Clowns ist es, aufzutreten und zu unterhalten“, erklärt er. „Aber manchmal verbergen Clowns ihre wahren Gefühle, indem sie sich die Freude ins Gesicht malen. Die Realität ist, dass Clowns nicht immer zufrieden sind, aber immer diese glückliche Rolle spielen müssen, auch wenn sie ausgelacht werden. Dies bezog sich auf mich, als ich in den letzten Jahren nüchtern geworden bin und gegen Depressionen gekämpft habe. Die Aufnahme dieses Albums hat mir geholfen, einige schwierige Zeiten zu überstehen, und ich hoffe, dass es mir hilft, meine Liebe und Leidenschaft für das Musikmachen auf eine andere Weise noch einmal neu zu entdecken.“

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Rome was introduced to music at an early age. At six years old his interest in hip hop music was sparked after hearing Snoop Dogg & Dr. Dre’s “Nuthin’ But a G Thang” for the first time. He became fascinated with Ice Cube and thewhole west coast gangster rap movement. However, it wasn’t until he heard Nas and Wu Tang when he truly fell in love with the music. In 6th grade Rome realized he had a knack for putting rhymes together. After being unimpressed with a schoolyard rap battle in 8th grade Rome believed he could do better and began writing for the first time. Although Rome’s new foundhobby was positive, his involvement in the street life at such a young age was not. By the age of 14 Rome’s mother deemed him out of her
control. Desperate to get his life back on track she brought him to London
and left him with his aunt. Without prior knowledge of his mother’s plan,
Rome felt abandoned and was filled with anger and frustration. Rapping was
his only outlet and he began taking music more seriously. At this time,
London’s hip hop scene was infatuated with the “garage” style of rap. It was
heavily based in rhyme schemes and designed to be a type of party
music. Rome didn’t know it yet, but he was about to be a part of London’s rap evolution.

As New York City’s hip hop style grew, London MCs tried to get on the
wave. Rome began mixing his New York background with his newfound
London culture. As the hip hop scene abroad grew, Rome developed with
it. He grew as an MC while experiencing firsthand the transition of London
“garage” rap into London grime. At this time, Rome was going all in on his
career; recording songs, participating in rap battles such as “The Jump Off”
and performing with London artists such as Skepta and CasisDead. It wasn’t
long before school took a backseat and Rome was approached with a
potential record deal. His aunt did not approved of the direction Rome was
headed and he was sent back to New York City. After a near death experience and several stints in the county jail, Rome emerged with a new focus and drive to take the music industry by storm.

Originally born in London, Rome has been a true vagabond his entire life and
his artist name pays homage to his nomadic lifestyle. His unique style and
rhyming technique is best described as a mix of gritty New York boom bap
with London grime. In a time where hip hop music has become obsessed with keeping up with the latest trend, Rome has always stayed true to
himself. Rather than simply ride the beat, Rome brings his verbal prowess to
the forefront and transforms each song into something special.

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„Eine Stimme die Autos entlackt!“ – so kündigte das Reeperbahnfestival einst die Hamburger Band WELLBAD um den Frontmann Daniel Welbat an. Die Band beweist mit ihrem kantigen „Rock-Noir-Blues“ immer wieder, dass sie eine große Liebe für musikalische Artenvielfalt haben.

WELLBADs genreübergreifender Mix aus Roots-Rock, Jazz, Blues und Hip-Hop hat die Hamburger Band innerhalb kürzester Zeit aufs internationale Parkett befördert. Beim legendären Montreal Jazzfestival in Kanada, auf der Beale Street in Memphis (USA) oder im europäischen Ausland: WELLBADs Auftritte werden international regelrecht gefeiert.

„Wir werden oft gefragt, welches Genre wir eigentlich machen. Blues, Jazz, Rock, Alternative?... Hier kommt die Antwort: Rock Noir! Wir bringen 120 Prozent Leidenschaft auf die Bühne, wir brennen dafür!“, so Daniel Welbat. WELLBAD-Shows fühlen sich an wie ein Trip durch Himmel und Hölle, der keine Empfindung ausspart und tief berührt. Daniel Welbat und seine Band leben ihre Songs auf der Bühne und nehmen ihr Publikum mit auf eine intensive und berauschende Jagd nach Geschichten und Träumen.

Im März 2023 veröffentlicht die Band ihr neues 14-Track starke Album mit dem Titel „Bad Habits“. Entstanden ist dieses während des Corona Lockdowns, der Daniel Welbat mental in die Knie zwang. Abgeschottet von der Welt fiel sein Blick ungefiltert auf das, was man gerne schlechte Angewohnheiten nennt. Ausgestattet mit einer Kiste Whisky und einem Koffer Zigarren hat der Liedermacher sich auf seine Art mit diesen bad habits beschäftigt und sich in eine musikalische Meditation begeben. Somit ist das neue Album sicherlich sein bisher persönlichstes.

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„Tell me how did I get here? This endless pitiful affair.“ Mit diesen Worten eröffnet Ailbhe Reddy ihr kommendes Album „Endless Affair“, das im März erscheint und fängt damit in den ersten Sätzen den grundlegenden Gedanken ein: Die Herausforderung, etwas gehen zu lassen und diese Endgültigkeit zu akzeptieren. Die gebürtige Dublinerin spiegelt dieses große Thema aus vielen verschiedenen Richtungen und verwendet dafür ihr komplettes musikalisches Spektrum von verspielten Up-beat-Tracks bis hin zu düsteren und herzergreifenden Tönen.

Das ganze menschliche Leben breitet sich vor einem aus, vom sorglosen Beginn, den aufregenden Tagen der Suche – wie auf der neuen Single, dem Adoleszenz- und Party-Song „Shitshow“ – bis zu seinem ernsten Ende im Rückspiegel. Ein feiner Höhepunkt ist vielleicht der vorletzte Song, „Pray for Me“, den die Irin nach dem Tod ihrer Großmutter geschrieben hat und der ganz instinktiv zwischen ehrlicher Trauer und Verletzlichkeit einerseits und Ironie, jugendlicher Dummheit und Zorn auf der anderen pendelt.

Da zeigt sich die ganze Größe ihres Songwritings, mit der sie die Spannbreite der Gefühle in wenigen Worten und Harmonien aufscheinen lässt. Das hat sie unter die führenden Alternative-innen der Insel gebracht hat. Seit vielen Jahren schon tourt sie durch die Pubs der Hauptstadt und auf allen Festivals Irlands und hat sich dabei eine Menge Fans erspielt. Doch seit ihrem Debütalbum „Personal History“ ist sie auch weit über die Insel hinaus bekannt geworden, nicht zuletzt, weil sie mit ihren intensiven Lyrics und ihrer grandiosen Stimme immer wieder die Grenzen zwischen persönlicher Erfahrung und universeller Gültigkeit niederreißt. Im April kommt Ailbhe Reddy mit ihren neuen Songs zu uns das erste Mal auf Tour.

-Tickets gibt es für 20€ zzgl. Geb. unter www.schoneberg.de und an allen bekannten Vorverkaufsstellen-

Das im Frühjahr 2023 erscheinende dritte Album von Fenne Lily mit dem Titel „Big Picture“ ist ein ergreifendes Porträt der letzten zwei Jahre im Leben dieser großartigen Künstlerin. Die Songs, aus denen ihr neuestes Werk besteht, wurden nach persönlichen und den globalen Turbulenzen und Herausforderungen zögerlich begonnen und im Laufe der Pandemie immer weiter zusammengefügt, um sich selbst als Person und Künstlerin neu zu verankern und wieder mit der Welt zu versöhnen. „Das Schreiben dieses Albums war mein Versuch, eine Art Ordnung in die Katastrophe von 2020 zu bringen“ sagt Fenne Lily selber. Aber sie fügt hinzu: “This isn’t a sad album – it’s about as uplifting as my way of doing things will allow.”
Das nachdenkliche, intime und sehr ehrliche „Big Picture“ wurde live im Studio aufgenommen und ist Fennes bisher kohärentestes und entschlossenstes Werk, sowohl textlich als auch musikalisch. Es behandelt die Liebe zwischen zwei Menschen, und anders als ihre ersten beiden Alben nicht aus der nachträglichen Reflektion heraus, sondern die Betrachtung des Zusammenseins im Hier und Jetzt.
Mit ihrem neuen Album und ihrer unfassbar beruhigenden Stimme kommt Fenne Lily endlich wieder zu uns nach Deutschland, nachdem ihre Tour zu ihrem zweiten Album leider aufgrund der Pandemie 2020 komplett abgesagt werden musste. Es ist jetzt endlich an der Zeit, uns von ihr verzaubern zu lassen.
Fotocredit: Michael Tyrone Delaney

-Die Show wurde aufgrund der aktuellen Situation vom 13.03.22 auf den 04.05.23 verschoben.Bereits im VVK erworbene Tickets behalten ihre Gültigkeit-

Special Guest: SOULBOUND

-TIckets im VVK: www.eventim.de -

Brachiale Metal-Riffings, bildstarke Texte und eine fantastische Live-Show: das ist das Resultat aus über fünf Jahren harter Arbeit, in denen ERDLING niemals auf die Bremse traten. 2016 veröffentlichte die Dark-Metal-Combo mit „Aus den Tiefen“ ihr Debütalbum und stieg auf Anhieb in die Top 100 der deutschen Albumcharts ein. Drei weitere Chart-Entries, erfolgreiche Tourneen, zunächst als Support von Bands wie Megaherz, Lord of the Lost und Hämatom, später als Headliner, meißelten die Botschaft der ERDLINGe auf ewig in Stein. Mit ihrem letzten Album „Yggdrasil“ brach das Quartett mehrfach seine eigenen Rekorde: ausverkaufte Clubs, ein schnell vergriffenes Box-Set und dazu der Einstieg auf vielen Spotify-Playlists hoben ERDLING auf ein neues Level. Grund genug, weiter in Bewegung zu bleiben und an neuem Material zu arbeiten.

Wo ruhmreich auf dem Schlachtfeld gestorbene Krieger nach Walhall einfahren, so bannt es alle anderen in die tiefste und dunkelste aller Welten: HELHEIM. Hier fristen all diejenigen ein trostloses, ewiges Dasein, die der Krankheit und der Heimtücke zum Opfer fielen. Hier ruhen die Seelen, die auf ewig vergessen sein werden. Helheim ist ein Ort, der in der germanischen Mythologie selten Erwähnung findet, fielen doch die wenigsten tatsächlich auf dem Schlachtfeld. Diesem Thema widmet sich die Band um Sänger Neill Freiwald auf ihrem nunmehr fünften Album, das sich aktuell in der Fertigstellung befindet.

„Die Zeit der Pandemie ist für uns Musiker ein wahrgewordener Albtraum, in welchem wir die Inspiration für das wohl düsterste und ambitionierteste Album der Bandgeschichte fanden.“, sinniert Sänger Neill Freiwald dazu.

ERDLINGs fünftes Album wird in Zusammenarbeit mit Chris „The Lord“ Harms in den Chameleon Studios in Hamburg produziert.

Passend zum neuen Album planen Erdling eine Headliner-Tournee, um ihr neues Material vorzustellen.

Als Special Guest hat das Quartett sich die Bielefelder Darkrocker “Soulbound” eingeladen und damit ein ganz besonderes Paket geschnürt.

Tickets sind ab sofort auf www.eventim.de erhältlich.

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MORITZ GARTH ist nicht nur einer der erfolgreichsten deutschen Social Media-Stars mit über 450.000 Abonnenten auf Youtube und 270.000 Instagram-Followern. Der 26jährige Wahl-Berliner setzte auch schon große musikalische Ausrufezeichen. Nicht zuletzt mit seinem 2018er-Hit „Bumerang“, der allein auf YouTube über acht Millionen Klicks aufweist.

MORITZ GARTH wuchs in der zweitkleinsten Stadt Deutschlands, in Kusel/Rheinland Pfalz, auf. Nachdem seine Großeltern ein Klavier hatten, probierte er sich schon früh an den schwarz-weißen Tasten aus: „Als Kind habe ich mich immer drangesetzt und war davon fasziniert. Als meine Eltern mich fragten, welches Instrument ich gerne lernen möchte, habe ich mich für Klavier entschieden; da war ich acht Jahre alt. Daraufhin hatte ich über neun Jahre Unterricht, traute mich aber nie zu singen.“ Erst mit 15 unternahm MORITZ GARTH erste Versuche mit seiner Stimme. „2012 habe ich das erste Video von mir singend am Klavier aufgenommen und auf YouTube hochgeladen. Die alten Videos sind aber schon lange nicht mehr online.“

Aus den ersten zaghaften musikalischen Alleingängen wurden im Laufe der Zeit eine ganze Reihe fantastischer Songs mit großartigen, professionellen Videos, die allesamt hohe bis höchste Klickzahlen aufweisen. „Irgendwie hatte ich schon immer das Gefühl, dass ich mich auf der Bühne wohlfühle, dass ich Musik machen möchte. Sicher war ich mir dann nach den Erfolgen der ersten eigenen Songs, besonders nach dem Erfolg von „Bumerang“, als ich gemerkt habe, dass ich mit meiner Musik das Leben von anderen Menschen positiv beeinflussen und ein wenig besser machen kann. Auch wenn es nur der Moment ist, wenn sie den Text hören und sich denken: `Ja das kenn ich auch, mir geht es nichtallein so´!“

2018 wurde der aufstrebende Singer/Songwriter mit dem ABOUT YOU – Award und mit der Goldenen Kamera in der Kategorie „Best Music Act“ ausgezeichnet. Er konnte Lea als Support auf ihrer „Fahrtwind“-Tour 2018 begleiten, bevor es im Frühjahr 2019 auf die eigene „Bumerang Club“- Tour ging. Zudem spielte MORITZ GARTH zusammen mit Acts wie Glasperlenspiel, Max Giesinger oder Nico Santos auf diversen Festivals – bis Corona auch den jungen Künstler in den Lockdown schickte. „In der Zwangspause hatte ich viel Zeit zu schreiben und zu verstehen, was meine Musik wirklich ist. Das hatte ich vorher nicht, als ich jeden Tag präsent sein musste, sei es im Studio, im Fernsehen, bei Live-Auftritten oder auf Social Media. Die Pause war hart, aber auch eine sehr lehrreiche Zeit, aus der ich viel mitnehmen konnte und mich für das bereit gemacht hat, was in Zukunft auf mich zukommt!“ Die im November 2021 veröffentlichte Single „Zeit für uns“ ist in einer Songwriting-Session zusammen mit Robert Redweick und Sebastian Kirchner entstanden. Wie so oft ist dieser Song autobiografisch beeinflusst. „Ich war damals noch in einer Beziehung, die eigentlich sehr schön war und die bestimmt auch noch sehr lange gut gelaufen wäre, aber ich hatte für mich selbst gemerkt, dass es für mich JETZT gerade nicht das richtige ist. Vielleicht irgendwann, vielleicht auch nicht, aber jetzt definitiv nicht! Und mit dem Gedanken bin ich in die Session, habe das den Jungs erzählt und wir haben den Song geschrieben. Es ist ein sehr ehrlicher und persönlicher Titel.“ Bei MORITZ GARTH hat man immer wieder das Gefühl, er öffnet sein Tagebuch, vertont sein Leben und teilt es mit seinen Fans. „Zeit für uns“ -ein weiterer Meilenstein in der noch jungen Karriere des talentierten Musikers. „Ich bin schon sehr gespannt darauf, wie meine Fans den neuen Song finden, ob sie sich damit identifizieren können oder was sie in den Song rein projizieren.“ Der Track rangierte Wochen in den TOP5 der Deutschen TikTok Creations, kann unterdessen rund 6 Mio. Spotify-Streams und weit über 1 Mio. Youtube-Klicks verzeichnen. Was für ein Aufschlag nach der Pause. Im Mai 2022 erscheint mit „Liebe“ nicht nur die vielbeachtete Folgesingle, mit der MORITZ GARTH auf Festivaltour gehen wird, „Liebe“ ist auch der bezeichnende Titel der für Frühjahr 2023 angekündigten eigenen Headlinertour.

-Tickets im VVK gibt es bei www.koka36.de und bei www.eventim.de -

Eefje de Visser ist ein Phänomen. Seit zehn Jahren gilt sie in den Benelux-Staaten als Pop-Visionärin, die auf bislang vier Studioalben ihren atmosphärischen Pop in alle Richtungen ausgelotet hat. Kurz vor dem Lockdown erschien mit „Bitterzoet“ die bislang beste und vielseitigste Platte der Frau aus den Niederlanden. Dafür erhielt sie in ihrer Heimat etliche Musikpreise wie den Edison Popprijs in den Kategorien Alternative und Best Record, den 3FM Award als Best Artist, den Gouden Notenkraker und den Buma Award für das Best Album und Best Album Alternative. Vor allem ihre Fans feierten die Songs, in denen sie die niederländische Sprache auf poetische Weise nutzt sowie die kleine Welt, die Eefje de Visser darum geschaffen hat. Die Künstlerin nutzt zusätzlich zu ihrer Musik zunehmend andere Kunstformen wie Film und Tanz. In ihren Shows taucht diese Kombination verschiedener Künste immer wieder auf und macht die Konzerte zu einzigartigen audiovisuellen Spektakeln an der Schnittstelle von Kunst und Musik, wie man auch im famosen Konzertfilm sehen kann, der ebenfalls den Titel „Bitterzoet“ trägt. Im April dieses Jahres erschien mit „Blauwe Regen“ eine EP, auf der die Niedrländerin zusammen mit ihrem Produzenten und Multiinstrumentalisten Pieterjan Coppejans ihren Weg weitergeht. Bereits im Oktober war Eefje de Visser bei uns auf Tour und hat mit ihren beeindruckenden Shows mehr als überzeugt. Jetzt hat sie bestätigt, dass sie im kommenden Mai zwei weitere Konzerte spielen wird. Dieses Mal aber, so hat die Sängerin angekündigt, wird sie von einer Band begleitet werden.

Ingrid Andress aktuelles, von der Kritik hochgelobtes Album “Good Person” knüpft an den großen Durchbruch an, den sie mit ihrem Debütalbum “Lady Like” im Jahr 2020 erzielte, das ihr den Weg zu mehr als einer Milliarde Streams ebnete und ihr drei Grammy Award-Nominierungen einbrachte. Ihre aktuelle Single Wishful Drinking (mit Sam Hunt) erwies sich als einer ihrer bisher größten Hits und erreichte eine Top-5-Position in den Charts sowie eine Platin-Zertifizierung in den USA. Jetzt kündigt Ingrid Andress ihre Rückkehr nach Großbritannien und Europa mit ihrer The Good Person-Headline-Tour an, die für Mai 2023 geplant ist und erfreulicherweise auch drei Shows in Deutschland in Köln (17.5.), Berlin (19.5.) und Hamburg (20.5) beinhaltet.
Ingrid sagt: “Nach langem Warten (vielen Dank an meine Fans für ihre Geduld) freue ich mich so sehr, endlich wieder für die ‘The Good Person’-Tour über den großen Teich zu fahren! Diese Tour wird definitiv das Versäumnis der letzten 3 Jahre wettmachen – wir werden gemeinsam traurige Lieder singen, die neuen *glücklichen* Lieder und so viel mehr. Ich bin so aufgeregt, mein neues Album für alle zu spielen, besonders an Orten, an denen ich noch nie war, und all die schönen Gesichter meiner Fans zu sehen! ”

Der Vorverkauf für die unten aufgeführten Shows beginnt am Freitag, den 18. November, ab 10 Uhr HIER. Nick Wilson wird die Tournee als Special Guest begleiten.
Good Person, das komplett von Ingrid mitgeschrieben und mitproduziert wurde, kehrt zu der Reflexion und dem Bekenntnis zurück, die den Kern des “Lady Like”-Albums ausmachten, und geht sogar noch weiter, indem es dem Songwriting im Nashville-Stil einen eleganten Pop-Anstrich verleiht. In ihrem Bestreben, Grenzen zu überschreiten, kreierte Ingrid kühne, experimentelle Klänge, bei denen sie Banjos mit Vocodern mischte, von ausladenden Orchestrierungen zu sparsamen, akustisch basierten Arrangements wechselte und bisher unerforschte Bereiche ihres Stimmumfangs präsentierte. „Lady Like” wurde bei seiner Veröffentlichung zum Debütalbum einer weiblichen Country-Künstlerin mit den meisten Streaming-Zugriffen aller Zeiten, ein Erfolg, der durch die immense Popularität der Singles More Hearts Than Mine und des Titeltracks unterstützt wurde. Neben ihrer eigenen Künstlerinnenkarriere ist Ingrid auch eine gefragte Songwriterin, die unter anderem für Charli XCX, LANY, Bebe Rexha und FLETCHER schreibt.

-Tickets gibt es in Kürze bei www.greyzone-tickets.de -

Eddie Chacon experienced proper, peak-nineties acclaim in the soul duo Charles and Eddie: they scored a global No. 1 in 1992 with “Would I Lie To You,” appeared three times on Top of the Pops, and featured on soundtracks from True Romance to Super Mario Bros.

Through the course of his career, Chacon would write, sing, or produce ten Top 40 hits around the globe before leaving the music industry to focus on his career as a photographer and creative director.

In 2020, The Fader announced Chacon's return to music after three decades of silence as a singer, referring to him as a "low-key R&B legend" when they premiered the first single from his LP, ‘Pleasure, Joy and Happiness' (Day End Records).

Produced by John Carroll Kirby, the like-minded artist and collaborator with Frank Ocean and Solange Knowles, it features restrained percussion from Kanye West’s Sunday Service drummer Lamar Carter. Celestial soul as a break from chaos, the album sounds timeless as it is contemporary.

Lead single “My Mind Is Out of Its Mind” finds a deep groove to try and contain spiraling heartbreak, while the sweet and wobbly “Trouble”, listed in the 'Best Songs of 2020' by LA Times balances the delightful near-whisper of the title track “Pleasure, Joy and Happiness.” But even the project’s lightest moments feel sincere and mature. Altogether: a truly unifying release, coming from a man who’s earned the right to share such a regal, romantic sound. It then comes as no surprise MOJO awarded the album 5/5 stars and named it "a mini-masterpiece“.

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Post Punk

The Underground Youth was started in 2008 as the creative project of Craig Dyer. The band have released 10 albums and 4 EPs, over the years developing their unique sound, which has ranged from cinematic lo-fi psychedelia to a raw and noisy, albeit romantically melancholic, form of post-punk. Shrouded in a dark aesthetic and the imagery of various art film movements, The Underground Youth have established a devoted global following and cult fan base, continuously built upon by their extensive touring schedule through Europe, Asia and North America. Signed to independent record label Fuzz Club in 2012, The Underground Youth currently consists of Craig (Vocals/Guitar), Olya Dyer (Drums), Leonard Kaage (Guitar/Producer) and Samira Zahidi (Bass). The band relocated from Manchester to Berlin in 2016.

-Tickets im VVK gibt es bei: www.koka36.de und Eventim-

Am 24. Januar 2012 erschien eine Platte, die die Welt der lauten Gitarrenmusik umkrempeln sollte – und die die Band jetzt zum (fast) zehnjährigen Jubiläum live feiern will: Cloud Nothings brachten ihre dritte Platte „Attack On Memory“ heraus. Mit diesem Album wurde aus dem Soloprojekt, das Mastermind Dylan Baldi ein paar Jahre vorher begründet hatte, plötzlich eine große Band und aus ihrer Musik die Zukunft des Indierock.
Alles beginnt mit einer leisen Klavierfigur und steigert sich schon im Opener „No Future/No Past“ zu einer Soundorgie, auch weil der Text nur acht Silben umfasst: „Give up / Come to / No hope / We’re through“. Und alles, was in den folgenden sieben Tracks passiert, wird immer größer und größer. Die Kritik und die Fans überschlugen sich vor Begeisterung. Kein Wunder: Diese Mischung aus LoFi, Post-Grunge, purem Punk, Indie-Hommage, heiligem Zorn, diese Ohrfeige für alle damals so gefeierten Neo-Folker, diese Ablehnung alles Heimeligen ist ein Meisterwerk geworden. Offensichtlich hatte Baldi neben dem Händchen für Sound und Songwriting auch noch eines für die Auswahl seiner Musiker: Die rasch zusammengestellte Bande hat die Geistesblitze ihres Frontmanns in unglaublich präziser Aggressivität umgesetzt und ist bis auf einen Gitarristenwechsel bis heute noch zusammen. Und natürlich darf man auch den Einfluss des legendären Produzenten Steve Albini nicht unterschätzen, der zu der Zeit schon Musiker*innen wie den Pixies über The Jesus Lizard, The Jon Spencer Blues Explosion, Iggy Pop, Jimmy Page und Robert Plant oder PJ Harvey bis hin zu Nirvana (um wirklich nur einige ganz wenige zu nennen) auf die richtige musikalische Spur gesetzt hatte. Baldi wollte unbedingt, dass Albini hinter den Reglern steht, weil der den Sound einer Band so klingen lassen konnte, als spiele sie live. Im Gegenzug gab der Producer die Inspiration zum Albumtitel, als er die Platte „an attack on the memory of what people thought the band was“ bezeichnete. Seither haben sich Cloud Nothings weiter etabliert, sechs weitere famose Studioalben aufgenommen und Hunderte gefeierte Konzerte gespielt. Trotzdem bleibt „Attack On Memory“ ihr echter Meilenstein. Nun kommen die Feierlichkeiten zum zehnten Geburtstag zugegeben etwas spät. Aber besondere Zeiten erfordern besondere Flexibilität. Und die Platte ist immer noch so außergewöhnlich, dass der Auftritt von Cloud Nothings im Mai, der das Werk in den Mittelpunkt rückt, nur großartig werden kann.

-Tickets im VVK gibt es bei VVK über www.tixforgigs.com & Koka36 -

The Beths sind eine Band aus Auckland, Neuseeland, bestehend aus Sängerin/Gitarristin Elizabeth Stokes, Gitarrist Jonathan Pearce, Bassist Benjamin Sinclair und Schlagzeuger Tristan Deck. Stokes, Pearce und Sinclair begannen bereits in der Highschool gemeinsam Musik zu machen, während Deck sie in der lokalen Musikszene kennenlernte und 2019 der Band beitrat.

Das Debüt "Future Me Hates Me" der vier wurde 2018 über Carpark Records veröffentlicht und von Pitchfork als "eines der beeindruckendsten Indie-Rock-Debüts des Jahres" gefeiert. Im darauffolgenden Jahr wurden The Beths für fünf Vodafone New Zealand Music Awards nominiert und gewannen in den Kategorien Best Group und Best Alternative Artist. Es folgten eine Reihe internationaler Tourneen mit Auftritten im Vorprogramm von Pixies, Death Cab for Cutie und The Breeders, Auftritte bei großen internationalen Festivals wie Primavera Sound, The Great Escape, End of the Road, SXSW, Pickathon und anderen sowie Headline-Touren durch Nordamerika, Großbritannien, Europa und Australien. Dieser Sprung von Tagesjobs und Musikmachen in Neuseeland ins internationale Rampenlicht war der Auslöser für ihr zweites Album Jump Rope Gazers, das den bizarren Sprung beschreibt, wenn das Touren zum Vollzeitjob wird, und das unerwartete Heimweh, das mit dem Erfolg einhergeht. Das Album wurde im Juli 2020 veröffentlicht und von vielen Seiten gelobt: Der Rolling Stone nannte Jump Rope Gazers "melodische Intelligenz auf Beatles-Niveau", The Line of Best Fit bezeichnete es als "überwältigend aufregende Platte" und Phoebe Bridgers sagte sogar in einem Interview mit Charli XCX, dass "['Jump Rope Gazers'] mich mit unbändiger Freude erfüllt." Mit dem Album gewannen The Beths später im Jahr bei den neuseeländischen Aotearoa Music Awards die Preise für das Album des Jahres, die beste Gruppe und den besten alternativen Künstler.

Den Rest des Jahres 2020 und den größten Teil des Jahres 2021 verbrachten The Beths zu Hause, veranstalteten mehrere Live-Streams für ihre Fans und arbeiteten auf dem Höhepunkt der Pandemie an neuem Material. Außerdem veröffentlichten sie Auckland, New Zealand, 2020, das Live-Album der Band und einen Konzertfilm in voller Länge. Es wurde im November 2020 in der Auckland Town Hall aufgenommen, zu einer Zeit, als Neuseeland eines der wenigen Länder war, in denen Live-Musik noch möglich war: ein kleines Wunder, das auf Band und Film festgehalten wurde. Anfang 2022 veröffentlichten The Beths eine eigenständige Single, "A Real Thing", ihre erste Studioveröffentlichung seit Jump Rope Gazers.

Das dritte und beste Album von The Beths, Expert In A Dying Field, wurde am 16. September 2022 über Carpark Records veröffentlicht. Auf den 12 Songs findet sich derselbe laute, zerebrale Indie-Rock-meets-Power-Pop wie auf den früheren Alben, aber durchdrungen von einem elektrischen Schock neuen Selbstbewusstseins: eine Platte, die man live erleben sollte.

With six studio albums and almost 20 years under their belt, longstanding Americana triumvirate The Devil Makes Three (TDM3) continues to write, tour, and play as hard as ever they have.
Consisting of frontman and main songwriter Pete Bernhard on lead vocals and acoustic guitar, multi-instrumentalist and vocalist Cooper McBean on acoustic guitar, banjo and harmony vocals, and welcoming stand-up bassist and harmony vocalist MorganEve Swain (Brown Bird, The Huntress and Holder of Hands), TDM3 is known for dark, literary music rooted in the troubadour traditions of wandering folk, Delta blues, whiskey-soaked ragtime, and reckless rock ‘n’ roll.

The band’s journey could be deemed worthy of a novel. Their self-titled 2002 debut brought early success, yielding the now-classic “Old Number Seven,” “Graveyard,” “The Plank,” and more as the band organically attracted a die-hard following through constant touring, frenetic live shows, and subsequent hit albums.

Each critically-acclaimed and beloved by fans, these releases include Longjohns, Boots and a Belt (2004), Do Wrong Right (2009) and 2014’s I’m a Stranger Here, which marked the band’s first appearance on the Billboard Top 200. TDM3’s 2016 covers album, Redemption & Ruin gained the group their second #1 bow and fourth consecutive top-five debut on the Billboard Top Bluegrass Albums Chart. This pivotal album also garnered widespread acclaim from the likes of Entertainment Weekly, American Songwriter, The Boston Globe and more.
The Devil Makes Three’s 2018 release, Chains Are Broken, is considered the trio’s most sophisticated effort to date, exhibiting a willingness to “push beyond [their] somewhat cult audience” (American Songwriter). Chains Are Broken continues to resonate with fans thanks to Pete Bernhard’s mature, provocative lyrics and vocals and guitar/banjo aficionado Cooper McBean’s signature style.

Over the years, TDM3 has cast an unbreakable spell on audiences everywhere from Lollapalooza and Bonnaroo, to Hardly Strictly Bluegrass, Hangout Fest, and Shaky Knees. They are currently writing a new album of original material, scheduled to be released in the latter half of 2021.

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Aus den Wäldern Vermonts hinein in die Herzen, Köpfe und tanzenden Beine einer jungen Hörerschaft, die beweist, dass nicht nur Pop- und Rap-Musik eine weltweite Fanbasis über den Social Media-Dienst TikTok finden kann: Das ist in Kürze die Geschichte von Sir Chloe rund um die Sängerin, Gitarristin und Haupt-Songwriterin Dana Foote. Zusammen mit ihrem Schlagzeug spielenden Bruder Palmer sowie dem Gitarristen und Produzenten Teddy O’Mara entwerfen Sir Chloe bezugsoffenen, raumgreifenden Gitarren-Indierock, der ebensolche Grunge-Zitate aufweist, wie er um Schönheit und Einzigartigkeit zwischenIndie, NeoWave und ArtPop bemüht ist. Gleich mit ihren ersten, auf TikTok hochgeladenen Songs, 2020 gebündelt zu ihrer Debüt-EP „Party Favors“, gerieten Sir Chloe zu einer viralen Sensation. Millionen von Klicks und Aberhunderte von Song-Adaptionen sammelten sich innerhalb weniger Wochen an. Während Sir Chloe aktuell an ihrem Debüt-Album arbeiten, wurde unlängst eine Europa-Tournee bestätigt, die sie zwischen dem 13. und 16. Juni auch für drei Shows in Frankfurt, Köln und Berlin nach Deutschland führt.

Die Gründung von Sir Chloe geht zurück auf das Studium Dana Footes, die am Bennington College in Vermont Musikkomposition studierte. Anstelle einer Masterthesis wählte sie die von dem College angebotene Alternative für eine Abschlussarbeit: Innerhalb weniger Wochen vier Songs zu komponieren, aufzunehmen und mit einer eigens gegründeten Band live aufzuführen. Nicht nur, dass sie diese „Abschlussarbeit“ mit Bravour bestand – sie hatte auf diese Weise auch gleich ihre neue Band gefunden, die anfangs noch als Quartett, aber schon bald in Trio-Form fungierte. Nach dem Erfolg am College lud die Sir Chloe getaufte Band diese ersten vier Songs auf TikTok hoch – und konnte dabei zusehen, wie die Zugriffszahlen im Handumdrehen von Hunderttausenden Klicks in den Millionenbereich stiegen. Und das mit einem angriffslustigen Sound, der eigentlich nicht für den Massengeschmack gemacht und gedacht war.

Auf TikTok folgten unmittelbar die nächsten viralen Erfolge. Allein ihre Debütsingle „Michelle“ blickt aktuell auf über 182 Millionen Spotify-Streams, das begleitende Video wurde auf YouTube über 15 Millionen Mal angesehen. Knapp drei Millionen monatliche Hörer folgen Sir Chloe auf Spotify und verhalfen auch allen weiteren Songs zu Zugriffszahlen zwischen elf und über 80 Millionen Streams. Sir Chloes mitreißende, hallgetränkte Debüt-EP „Party Favors“ – 2020 erschienen und neben den vier „Ur-Songs“ um fünf weitere, fantastische Kompositionen ergänzt – weist ebenfalls diesen leicht aggressiven Zug der ersten Stücke auf, indem sie Footes tiefen, treibenden Gesang mit rauer Gitarrenarbeit paart.

Derzeit arbeitet das Trio, das mittlerweile nach Brooklyn/New York gezogen ist, fieberhaft an seinem Debütalbum; ein Titel oder ein konkreter Veröffentlichungstermin sind allerdings noch nicht bekannt. Die bereits veröffentlichten Vorab-Songs dieses Albums, „Mercy“, „Company“ sowie das gerade Ende Februar erschienene Stück „Hooves“, geben aber bereits einen Vorgeschmack darauf, dass man von diesem Album Großes erwarten kann.

Tickets: www.listen.berlin (print@home & Mobile Ticket)
Vorverkauf: 19€ (zzgl. Gebühren) •
Einlass: 19:00 Uhr
It’s been seven strange years since The Veils’ last studio album Total Depravity, and Finn Andrews has a new double LP to show for it. ...And Out Of The Void Came Love is the result of this tumultuous period of injury, isolation and new life. Following the release of Total Depravity, Andrews released a solo album and began a worldwide tour. One night, while lashing out at a particularly intense moment on piano, he broke his wrist on stage. “It sounds wild and Jerry Lee Lewis-esque, but it was an absolute fucking nightmare,” Andrews says. He played on and finished the rest of the tour, but it wasn’t until he got it examined much later that he realized what a bad move that was. By the time the songs had been recorded, it was clear that arranging the album into two halves best suited such varied material - but the meaning of the songs as a whole still eluded Andrews. “Then my daughter was born, and suddenly the whole record made sense to me,” he says. The music was telling a story, and somewhat strangely for The Veils, it seemed to have a happy ending. Composer Victoria Kelly’s soaring string arrangements play an integral role in bringing the songs to life, as do musicians Cass Basil (bass), Dan Raishbrook (lap steel, guitar), Liam Gerrard (piano), Joseph McCallum (drums) the NZTrio and special guests the Smoke Fairies on backing vocals

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Nach den erfolgreichen Konzerten im Oktober 2022 hat der kanadische Songwriter und Gitarrist Ariel Posen zwei weitere Deutschlandtermine bestätigt. Der Live-Gitarrist der kanadischen Superstars The Bros. Landreth stellt sein im Januar erschienenes aktuelles Solo-Album „Mile End II“ am 28. August 2023 in Berlin (Frannz) und am 29. August in Köln (Luxor) vor. Tickets sind ab Mittwoch, dem 15. März 2023, im Handel erhältlich.

Ariel Posens Musik spielt zwischen den Genres und zeigt ganz klar, wo die Wurzeln seiner Einflüsse liegen: Heartland Rock & Roll, elektrifizierter Americana, blue-eyed Soul, R & B, Beatles-inspirierter Pop. Aber Posen wäre nicht Posen, wenn er sich damit zufriedengeben würde. Und dafür gibt es Gründe. Er ist schon sein Leben lang Musiker und es gibt nur wenige Rollen, die Ariel Posen bisher nicht gespielt hat. Obwohl er in Winnipeg geboren wird, verbringt er einen Großteil seiner Kindheit auf Reisen, seine Musikereltern nehmen ihn mit auf Tour, von Show zu Show. Mit neun Jahren beginnt er Gitarre zu spielen und startet eine einzigartige Karriere, in der er schließlich für seine eigenen Auftritte um die Welt reist, darunter viele Shows als Mitglied der mit dem Juno Award ausgezeichneten Roots-Rock-Band The Bros. Landreth.

Während dieser Zeit beginnt Posen, an einem eigenen Album zu arbeiten und arbeitet an seinen neuen Songs in demselben Studio, in dem seine Eltern einst ihre Alben aufgenommen hatten. 2018 schließlich veröffentlicht er das Solo-Debüt „How Long“, das nicht nur seine Fähigkeiten als Instrumentalist, sondern auch seine Talente als vielseitiger Songwriter zeigt. Und wenn „How Long“ seine Einführung in die Welt der Roots-Musik gewesen ist, dann ist der Nachfolger „Headway“ (2021) etwas anderes: eine scharf definierte Momentaufnahme eines Musikers, der seinen Sound wirklich kristallisiert hat. Wie der Titel schon sagt, dreht sich bei „Headway“ alles um Wachstum. Ariel Posen, mittlerweile als Frontmann, Multiinstrumentalist und Produzent etabliert, erreicht mit seinem zweiten Solo-Album eine neue Bestmarke – ein Album, das vor allem das Songwriting in den Vordergrund stellt und den Fortschritt eines Vollblut-Musikers zeigt, der sich noch mitten in einer Aufwärtsbewegung befindet. Aber die Zeit während der Pandemie war nicht einfach, wie er in einem aktuellen Interview mit ‚Guitar World‘ zugibt: „Während des Lockdowns war ich ziemlich beschäftigt. Ich habe viel geschrieben und viel Musik veröffentlicht. ‘Headway‘ erschien Anfang 2021, aber angefangen habe ich das Album schon im Dezember 2019. Danach hieß es nur noch Warten, Warten, Warten.” Aber das hat sich gelohnt, denn der 34-Jährige macht einfach weiter.

„Ich bin Ende 2021 einfach noch einmal ins Studio gegangen und habe ungefähr 20 improvisierte Gitarrenstücke aufgenommen. Eigentlich wusste ich gar nicht, was ich damit tun sollte. Was macht man dann als Musiker? Man wartet ab und schaut einfach, was passiert. So entstand das Album ‘Mile End’. Man kann also sagen, dass 2021 ein ziemlich ereignisreiches Jahr war, was Veröffentlichungen angeht. Anfang des Jahres kam ‚Headway‘, am Ende gab es noch eine Akustikversion des Albums und dann gab es noch einmal diese knapp 30 Songs, die es nicht auf das Album geschafft hatten. Von denen fand ich fünf toll, hatte aber das Gefühl, sie nicht auf zukünftigen Alben verwenden zu können, also habe ich sie auch Ende 2021 aufgenommen und so entstand die ‚Downtown‘-EP, die dann Ende Juli 2022 auf den Markt kam. Und Ende August haben wir dann wieder angefangen, live zu spielen.”
Während dieser Konzerte auf drei Kontinenten schaffte es Ariel Posen dennoch erneut, mit „Mile End II“ ein weiteres Album aufzunehmen, das er nun im Sommer 2023 auch in Deutschland vorstellen wird.

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Seit über 10 Jahren erspielen sich Felix Meyer und project île mit ihrer bewegten europäischen Straßenmusik Geschichte irgendwo abseits der poppigen Plattenfirmen und der platten Popmusik eine immer wichtiger werdende Nische zwischen internationalem Chanson, Poesie und Systemkritik, Lagerfeuer, Lebenslust und Liebesballaden.


2021 werden sie mit ihren mittlerweile 5 Alben und den vielen neu entstandenen Liedern wieder auf den Bühnen des Landes unterwegs sein. Die Musik handelt von Gerechtigkeit und Gitarrensoli, von Melancholie und Mehrstimmigkeit, Reimen, Reibereien und Reisebildern. Es geht um den Untergang in Zeitlupe, den Schutz der Schwachen vor den Starken, Küsse unter Sternen, das Herzklopfen und den Tod, einen Tag oder ein ganzes Leben im Wald. Friedfertigkeit und Fantasie.


 Dazu spielen die Musiker des project île mal Jazz und mal Folk oder Chanson, Montuno und Musette. Sie schaffen es damit nach Belieben, die Inhalte ihres Sängers und Texters Felix Meyer zum Tanzen zu bringen oder doppelt und dreifach zu unterstreichen. Manchmal scheint die Band zu schweben oder die Zeit gänzlich anzuhalten. Die Zuschauer verlassen die Konzerte mit einem Lächeln im Gesicht und einer Melodie auf den Lippen.


 Mit vielen Freunden, Kollegen und Weggefährten wie Dota Kehr, Hans-Eckardt Wenzel, Sarah Lesch, Konstantin Wecker, der Band Keimzeit, Max Prosa oder Maike Rosa Vogel ergeben sich immer wieder Projekte, Lieder und gemeinsame Auftritte. Gerne entwickelt der umtriebige Künstler Lieder und Themen in Zusammenarbeit.

Mit James Keelaghan aus Kanada stand Felix Meyer mehrere Tage auf der großen Theaterbühne des italienischen Gitarristen Beppe Gambetta in dessen Heimatstadt Genua. Mit Harald Haugaard und Christian Juncker aus Kopenhagen schrieb er für das Folk Baltica Festival das Stück „Leg dein Herz in meine Hand“, das in verschiedenen Sprachen erschien. Mit Konstantin Wecker sang Felix Meyer „Sage nein!“ vor Hunderttausenden Menschen auf der großen #unteilbar Demonstration in Berlin.

Eine arte Dokumentation über Felix Meyer, die Formation project île und ihre gemeinsamen Lieder ist 2016 in dem Gedichtband zum Album „Fasst Euch ein Herz“ in den Handel gekommen.

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Anfang Dezember erschien seine Debut-EP „Sad Boy Summer“. Wir freuen uns jetzt auf die erste Clubtour von MYLE. Im September kommt er mit seinen warmen Gitarrensounds, catchy Hooks und souligem Gesang auf „MYLE TOUR 2023“ und spielt im Frannz Club.

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2022 waren die schwedischen Melodic Hard Rocker H.E.A.T. mit ihrem Album „H.E.A.T II“ auf Europa-Tournee. Passend dazu, dass das Album eine Rückkehr zu den frühen Tagen der Bandgeschichte markierte, gab es eine bedeutende Veränderung in der Besetzung, die den ursprünglichen Sänger Kenny Leckremo zurück am Mikrofon begrüßte, um ein weiteres aufregendes Kapitel in der Karriere der Band zu eröffnen. Die wiedervereinigten Originalmitglieder begannen sofort mit der Arbeit an neuem Material. Das aktuelle Album „Force Majeure“ erschien im August letzten Jahres. Seit ihrer Gründung 2008 hat die Band unablässig getourt und sich dank ihrer umwerfenden Shows treue Fangemeinden in Skandinavien, Europa, Großbritannien und Japan erspielt. Ihre bisher veröffentlichten Studio-Alben werden regelmäßig von der internationalen Rockpresse gefeiert und verkaufen sich mit jedem neuen Release besser.

Eclipse sind einer der Vorreiter der neuen Welle Schwedischer Hard Rock Bands und konnten mit ihrem aktuellen Album Wired an den großen Erfolg des Vorgängers Paradigm und der Hitsingle Viva La Victoria anschließen. Rund 30 Millionen Streams, hunderte von Auftritten, darunter Wacken, Monsters Of Rock, Cruise und Rock Fest Barcelona sowie gemeinsame Auftritte mit den Scorpions, Aerosmith und zuletzt My Chemical Romance und demnächst Def Leppard und Mötley Crüe sowie eine kürzlich absolvierte Australien-Tournee sprechen eine deutliche Sprache.
Im Herbst 2023 gehen H.E.A.T. und Eclipse nun auf Co-Headline-Tour durch Europa! Die Deutschland-Termine werden gemeinsam von der Karsten Jahnke Konzertdirektion und Bottom Row veranstaltet.

-Tickets zum Preis von € 20.- zzgl. aller Gebühren (Abendkasse € 25.-) sind ab dem 14.03. um 10.00 Uhr erhältlich über www.schoneberg.de.-

Indie Pop.
Der vegane Honig für die Seele.
Kunst für soziale Gerechtigkeit, Klimaschutz und Körperbehaarung.
Guacáyo zählen über 3,5 Millionen Streams auf Spotify, 5500 Follower bei INsta und haben fünf- bis sechsstellige Klickrates auf Youtube. Topcities sind Hamburg, Berlin, München, Wien und Zürch, Topländer sind Deutschland, Schweiz, Österreich, Frankreich und Spanien. Bisher wurden zwei EPs (YUNIVERSE 2019 und LEMONADE 2021) veröffentlicht.
"Ob wir neu genug für Newcomer sind? Wir wollen auf jeden Fall noch weiter wachsen, um keine mehr zu sein. Neuerfinden tun wir uns oft genug, seit 2017."
Die Heimatstadt Hamburg war bis jetzt bei jedem Tourkonzert ausverkauft. Die Band tritt hier auf der Reeperbahn, im Gruenspan oder in der Elbphilharmonie auf.
Bei über 400 Gigs in Deutschland und Europa spielte Guacáyo bisher zwei eigene Touren und viele Festivalsommer.
Guacáyo besteht aus Tim Lucas (Gitarre, Backing Vocals, Production), Tobias Nitzbon (Keys, Synth Bass, Recording), Justus Murphy (Drums) und Sophie Filip (Vocals Songwriting, Coordination). Viel dreht sich oft um Sophie. Sie ist die Stimmer der Band und verleiht in den Texten hauptsächlich ihrem Frust mit ihren Lovern, ihrem Weltschmerz, ihren Träumen von einer offeneren Welt Ausdruck. Sie liebt Spanisch und jede Emotion. Ihr Wunsch ist es, dass Emotionen ernsthaft verstanden und genutzt werden, "damit wir uns gesellschaftlich endlich weiterentwickeln und gegenseitig verstehen können!"
In Guacáyos Shows geht es viel um Gemeinschaft. Es geht darum unangenehmes auszusprechen und sich frei fühlen zu können, trotz der Päckchen, die alle mitbringen.
"We want to move the people - body and soul.

Die Show wird aus dem Frannz ins Columbia Theater hochverlegt.
Bereits erworbene Tickets behalten ihre Gültigkeit.

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In today's fast-paced mid-apocalyptic world it can feel like a waste of time to speak about time at all. Why dwell on the past when we could just live in the present because the future won't shut up about how bad it's going to be?
But with This Is The Kit, the pseudonym of songwriter / banjo strummer / pinhole camera lover / Winchester UK born Paris dweller Kate Stables, we're going to have to give time just a modicum of consideration. Because not only is Kate still here and making albums of cataclysmic honesty and welcoming tonal embraces, they are continuing to grow, which is probably the only smart way to move forward through time.
This Is The Kit's music places companionship at a premium, so being welcomed into its space feels like an obvious privilege, on record and in concert hall with her stellar supporting cast of Rozi Plain (bass), Jamie Whitby-Coles (drums) and Neil Smith (guitar). And at this current point in our confusing history, continuing to be here at all, to stand tall and make music to gather to, that's a heroic act. Joyful survival as an act of time-wasting, I'll take that any day of the week. Look to This Is The Kit to spend at least one day of your week this year, I guarantee it will be time well wasted.

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FIO – „Was gibt es Schöneres zu schenken als Musik?“ Recht hat er.

Seit knapp 20 Jahren steht FIO auf der Bühne und die Musik hat ihn bereits in viele verschiedene Länder geführt – Südafrika, Spanien oder die Schweiz sind nur einige davon.
Sonst mit seiner Band „Riders Connection“ unterwegs. Nun konzentriert er sich bei seinem Soloalbum vor allem auf deutschsprachige Songs.
In seinen Texten erzählt er uns Geschichten von seiner Isolation während der Lockdowns, reflektiert und verarbeitet zwischenmenschliche Beziehungen und Verluste und zeigt sich selbsterkannt gegenüber der eigenen Unfehlbarkeit.

Man kommt in den Genuss unangenehme Situationen und Erfahrungen mit Humor zu betrachten und lernt eben dabei das Vergangene hinter sich zu lassen und möglichst nicht zu sehr nach vorn zu schauen.

FIO - „Viele Lieder entstanden durch Verletzungen. Auf der Bühne bin ich nun endlich bereit nach einer heilsamen Zeit, die Narben zu zeigen.“

FIO lebt Musik, Im Guten wie im Schlechten. An diesem Abend lässt er uns teilhaben.
Dies ist gleichzeitig das einzige Berlin Konzert 2023.

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JP Cooper ist der Mann für schlechte Zeiten. Der Brite ist ein Garant dafür, trübe Momente aufzuhellen. Kein Wunder, begann doch seine Karriere mit einem veritablen Sommerhit, als er im Jahr 2016 DJ Jonas Blue für dessen platingekrönten Sommerhit „Perfect Strangers“ seine charismatische Stimme lieh. Es folgte mit „September Song“ sofort der erste eigene Welterfolg. Beide Songs schaffen es immer noch, an einem feucht-kalten Nieselregentag alle Wolken zu vertreiben und Sonnenstrahlen in die Seele zu senden. Das liegt nicht nur an der warmen Stimme, die jedes Eis schmelzen lässt, und dem Händchen für Songwriting mit Ohrwurmpotenzial. Der Mann aus Manchester steht für eine unglaubliche musikalische Offenheit. Zu seinen Vorbildern zählt er Künstler*innen wie Marvin Gaye, Stevie Wonder oder Björk, aber nicht, weil er Songs wie sie macht. Viel mehr bewundert er sie, weil sie mutig auf neuen Pfaden gewandelt sind und mit neuen, ungehörten Sounds experimentiert haben. Seine jüngste Platte „She“ ist inspiriert von den Frauen in seinem Leben und behandelt Themen wie Glaube, Beziehungen und Familie auf eine wunderschöne musikalische Weise. Denn der Singer-Songwriter bleibt seinem musikalischen Credo treu und verschraubt auf dem Album wieder verschiedene Genres und Einfälle zu einer zündenden Einheit. Das gilt aber insbesondere auch für seine Konzerte, die unglaublich intime und musikalisch brillante Angelegenheiten sind. Dank seiner musikalischen Ausbildung zwischen Gospelchor und Britpop-Band singt er alle Gefühle mit der gleichen Intensität und Feinheit, egal ob es seine eigenen Stücke sind oder seine fantastischen Interpretationen von Songs wie Lennons „Jealous Guy“. Auf die sind Coopers Fans inzwischen fast so scharf, wie auf seine eigenen Kompositionen. Im kommenden Oktober kommt JP Cooper zu uns auf Tour und vergoldet unseren Herbst mit seinem immerwährenden Sommer. Weniger anzeigen

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Unsicherheit kann ein großer kreativer Motor sein. zeck brauchte nur eine Gitarre und wenige Jahre,um beinahe aus Versehen mehrere Streaming-Hits und eine eigene Sprache als Künstler zuentwickeln. Inspiriert von Milky Chance und Bon Iver atmet seine zweite EP “FATAL FRAGILITY” die Tanzbarkeit moderner Indiepop-Produktionen, ohne etwas von seinen intimen und teilweise schonungslos offenen emotionalen Qualitäten einzubüßen: Die Selbstzweifel vor dem Neuanfang, die Angst vor Zurückweisung und die Hoffnung auf die Zukunft. All das vertont zeck in fünf Songs auf so eindringliche Weise, dass man angesichts derart hinreißender Indie/Popsongs fast den Ursprung dieser Geschichte vergisst: Eine Gitarre, einige Zufälle und sehr viel Talent. Alles beginnt vor sechs Jahren und einem gewöhnlichen Geschenk, das ungewöhnliche Dinge in Bewegung setzt. Obwohl zeck zu ungeduldig für richtigen Unterricht auf seiner neuen Gitarre ist,
bringt er sich nach und nach einen Griff nach dem anderen bei. Beim ungezwungenen Musikmachen bei einem Freund entsteht auf Grundlage eines Riffs von zeck der Song “More” – das erste Mal, dass der damals 21-jährige überhaupt singt. Aus Spaß laden die Freunde den Song ohne jede Erwartung hoch. “Wenn 500 Leute den Song hören, wäre das schon krass” denkt sich zeck damals. Heute hat “More” über 1,3 Millionen Spotify-Streams. “Bis heute weiß ich nicht, wie das passieren konnte.” Mit einem Freund baut sich zeck ein kleines Garagen-Studio und nimmt nach einiger Zeit seine erste EP “sorry, i’ve been asleep” auf, die 2020 erscheint. Viele verliebten sich in die unaufdringlichen Songs mit den emotionalen Texten. Im Vorfeld der Veröffentlichung seiner neuen EP “FATAL FRAGILITY” geht der Sänger im September mit den Indie-Durchstartern Bruckner auf Tour. “Corona ist ein komischer Ausgangspunkt, Songs zu schreiben” erzählt zeck vom Anfang des Schreib-Prozesses.

Und trotz des leichtfüßigen Soundbilds aus der tragenden Gitarre, den zum Tanzen einladenden Drums und der charakteristisch vollen Stimme zecks, verarbeitet der Sänger tiefergehende psychische Struggles unterschiedlicher Art. ” Die ganze EP ist ein Konstrukt voller Selbstreflektion, weil ich zu viel Zeit hatte und dem nicht entkommen konnte”, erklärt zeck. Oft klingen seine Songs im ersten Moment nach Liebesliedern, in denen es aber eigentlich um eine fiktive dritte Person geht: “Die Person, die ich gerne wäre.Wie, wenn ich es kurz schaffe, den Kopf auszuschalten und so sein kann, wie ich wirklich bin, ohne das Gefühl zu haben, verurteilt zu werden.” So handelt die Single “she goes” nicht etwa von einer gescheiterten Liebe, sondern von Angststörungen und Panikattacken. “impstr” behandelt nicht nur die Skepsis gegenüber dem eigenen Erfolg, sondern die soziale Angst, die so viele in sich tragen, aber niemand so wirklich zeigen will: “Man denkt in sozialen Situationen so krass darüber nach, wie man wirkt – allein, wie man Hallo sagt.”

“FATAL FRAGILITY” vereint organische Singer-Songwriter-Attitüde mit kreativer, zeitgemäßer Produktion. Aus dem Jam in der Garage wurde eine wunderbare EP, die von David Stoltzenberg
(Pool) und Robert Stephenson (Mighty Oaks, FIL BO RIVA, Von Wegen Lisbeth) produziert wurde. Integrität ist dem Künstler wichtiger denn je, denn neben der Musik wurden auf dem Weg vor Allem viele Freund*innen und Erfahrungen gemacht. Und sicher ist: Mit den in seiner Musik verarbeiteten Tiefen wird zeck noch Berge erklimmen. Die EP “FATAL FRAGILITY” erscheint im Frühjahr 2023.

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"Pas le choix" ist die neue Single von Glauque aus ihrem kommenden Debütalbum "Les Gens Passent, Le Temps Reste", das 2023 erscheinen wird. Dieser Titel unterstreicht die einzigartige Identität der Band aus dem belgischen Namur und bestätigt, dass sie eher dazu neigt, mit Musikgenres zu spielen, als sich ihnen zu unterwerfen.

An der Grenze zwischen Hip-Hop, Rock und Elektro betrachten Glauque ihre Musik nicht nur in Form von Klängen, sondern auch in Form von Farben und Atmosphären, was die doppelte Bedeutung des Namens rechtfertigt, der sowohl ein wässriges Grün, das dem Wasser des Meeres entspricht, als auch eine Atmosphäre voller Traurigkeit beschreibt. Mit seinem eleganten Intro, das aus einigen melancholischen Klaviertönen besteht, auf die bald eine Welle von Synthesizern und Perkussion folgt, nimmt "Pas le choix" diese Zweideutigkeit voll und ganz an. Der Single gelingt es, die introspektive Dimension eines Textes zu vertiefen, der seine Substanz aus einer leidenschaftlichen Suche nach Sinn und Verbundenheit bezieht, die in einer Welt auf die Probe gestellt wird, in der der Verlust, wie auch immer er aussehen mag, eine unerbittliche Realität bleibt.

Begleitet von einem Instrumentaltrio, bestehend aus Lucas, Aadriejan und Baptiste, gelingt es der Stimme und den Worten von Louis, diesen ungewissen Kampf einer leidenschaftlichen Seele in den Mäandern der Desillusionierung nachzuvollziehen. Auf diesen starken Vorschlag antwortet ein Video von Baptiste, das in seiner deutlichsten Symbolik - eine Jugend, die sich den unbeschwerten Freuden des Skateboardfahrens auf einem Sarg hingibt - "Pas le choix" zu einer Revolte gegen Wahnsinn und Tod und Glauque zu einer einzigartigen Gruppe macht.