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Nach seiner letzten Deutschland-Tour zum Album „Blackout States“ im Oktober 2016 kündigt der finnische Rocksänger Michael Monroe zwei weitere Konzerte hierzulande an. Der ehemalige Frontmann der legendären Glam Rock-Band Hanoi Rocks wird dabei sein im Oktober 2019 erscheinendes neues Album „One Man Gang“ live vorstellen. Der 56-Jährige ist in Hamburg am 26. Oktober 2019 im headCRASH und in Berlin am 27. Oktober 2019 im Frannz Club.

Michael Monroe hat seinen Platz in der Rockgeschichte sicher, denn schon mit seiner ehemaligen Band Hanoi Rocks sorgt er in den Achtzigern für Aufsehen und beeinflusst maßgeblich die internationale Glam Rock-Szene. Bands wie Guns N’ Roses und Mötley Crüe zählen zu den Bewunderern der finnischen Band, die mit Hits wie „Tragedy“, „Up Around The Bend“ (Creedence Clearwater Revival), „Don‘t You Ever Leave Me“ und „Million Miles Away“ einen großen Einfluss auf die amerikanische Sunset Strip-Szene hat. Aber nicht erst seit der Auflösung der Band im April 2009 ist Monroe auch als Solokünstler erfolgreich:

Der Songwriter und Multi-Instrumentalist gehört seit der Gründung von Hanoi Rocks Ende der Siebziger zu den auffälligsten Persönlichkeiten der Rockszene, seine Präsenz auf und neben der Bühne ist legendär. Schon mit seinen ersten beiden Soloalben „Nights Are So Long“ (1987) und „Not Fakin‘ It“ (1989) erreicht er Kultstatus, seine Kollaboration mit Billy Idol-Gitarrist Steve Stevens auf „Jerusalem Slim“ (1992) wird von der Kritik ebenso gefeiert wie das von Little Steven (Gitarrist von Bruce Springsteens E-Street Band) produzierte Demolition 23-Projekt (1994). Als Gastmusiker ist Monroe auch auf den Guns N‘ Roses-Alben „Use Your Illusion I“ und „The Spaghetti Incident“) zu hören. Der Allrounder ist seit Jahrzehnten in der Szene bestens vernetzt, deshalb ist seine aktuelle Begleit-Band auch eine Gemeinschaft von alten Freunden:

Mit Bassist Sami Yaffa, einem Gründungsmitglied von Hanoi Rocks, verbindet ihn eine lange Historie: Sami spielt nach Hanoi Rocks zusammen mit Monroe bei Demolition 23, startet mit diesem die Kultband Mad Juana in den 90ern, geht danach zu den New York Dolls und zu Joan Jett and the Blackhearts, bevor er sich wieder der Solo-Band Monroes anschließt.

Drummer Karl Rockfist spielt vorher bei den LA Trashrockern The Chelsea Smiles, tourt aber auch mit Stars wie Glenn Danzig und Joan Osborne.

Gitarrist Rich Jones ist vorher ein Mitglied der Ginger Wildheart Band und den Black Halos, als er 2013 bei Monroe einsteigt.

Der andere Sechssaiter Steve Conte beginnt seine Karriere mit elf Jahren, spielt sein erstes Album im Wohnzimmer der Familie ein und begleitet seine Mutter, eine Jazz-Sängerin, auf ihren Konzerten in den Clubs von New York und New Jersey. Danach gründet er seine eigenen Bands The Crazy Truth und Company Of Wolves, tourt aber auch mit Szene-Größen wie Suzi Quatro, Willy DeVille und Eric Burdon. Auch er spielt 2004 bei den reformierten New York Dolls.

Mit dieser Besetzung ist Michael Monroe seit drei Alben erfolgreich unterwegs:

Das letzte Album „Blackout States” erscheint 2015, „Horns And Halos” 2013. „Sensory Overdrive” gewinnt 2011 sogar den ‘Album Of The Year’-Award im britischen ‚Classic Rock’-Magazin. Im Oktober 2019 nun kommt das nächste Michael Monroe-Album „One Man Gang“ auf den Markt, das er auf seiner ersten Deutschlandtour seit drei Jahren in Hamburg und Berlin live vorstellen wird.

Die Stimme von JAMILA WOODS besitzt eine lyrische Sensibilität, die Generationen überdauert. Von daher macht es nur Sinn, dass dieses kraftstrotzende und vielschichtige Album nahtlos von einer Klangästhetik zur anderen springt. Dies war schon beim Vorgänger „HEAVN“ aus dem Jahr 2016 der Fall, auf dem WOODS hoffnungsvoll auf Erkundungstour ging und an den Rändern ihrer Widerstandsfähigkeit und Erschöpfung nach Freudenmomenten Ausschau hielt. Ihr neues Album „LEGACY! LEGACY!“ ist die logische Schlussfolgerung dieses Schauens. Vom luftigen Boom-Bap auf „GIOVANNI" bis hin zu psychedelischen Spielereien auf „SONIA" - die Klammer, die sämtliche musikalischen Fäden zusammenhält ist WOODS‘ meisterhafte Fähigkeit, die Lücken in den Wellen der Instrumentierung zu finden, indem sie Silben und Vokale über die Harmonie des Rauschens spannt, bis jedes Puzzleteil ein Zuhause gefunden hat. Die klanglichen Freuden sind auf „LEGACY! LEGACY!“ jedoch auch WOODS‘ zahlreichen Kollaborateuren zu verdanken, wie beispielsweise der Rapperin NITTY SCOTT, die mit ihrem funkelnden Flow „SONIA" veredelt, SABAs Feature auf „BASQUIAT" oder NICO SEGALs wundervollen Hörnern, die bei „BALDWIN" zu hören sind.

Darüber hinaus verweisen die Songtitel auf bedeutende Namen historischer schwarzer Ikonen aus Literatur, Kunst und Musik, denen auf „LEGACY! LEGACY!“ Tribut gezollt wird. WOODS errichtet ihren Vorgänger/innen ein akustisches und lyrisches Denkmal für die verschiedenen Formen der Art und Weise, wie diese Figuren versuchten, die Grenzen zu überschreiten, die ihnen von ihrem Land und der Gesellschaft zugewiesen wurden. So singt WOODS auf „SUN RA": „I just gotta get away from this earth, man / This marble was doomed from the start." Diese Art von Traum und Vision ehrt nicht nur das Erbe von SUN RA, sondern auch die Idee, dass es eine bessere Zukunft gibt, in der schwarze Menschen vorkommen und leben.

Soulmusik erschien in Amerika nicht einfach aus dem Nichts. Und Soul ist nicht gleich Musik. Soul ermöglicht es, in den Tiefen seelischer Abgründe nach Gold zu graben. Wahrer Soul lebt in den Seiten eines abgenutzten Romans, über den niemand mehr spricht. Oder in einem Gemälde, das eine Weile in einer Galerie hängt, aber dann für immer auf einem Dachboden verschwindet. JAMILA WOODS ist eine einzigartige Soulsängerin, die mit ihrer Stimme die rhetorische Forderung von Soul erfüllt. Das Wissen, dass es für jemanden mit einer so endlosen Vision keinen Kompromiss gibt. Dass die Revolution viele Formen annehmen muss, und sie manchmal mit solchen Liedern wie hier beginnt. Lieder, die sich anfühlen wie die Sonne auf deinem Gesicht oder Wind in deinem Rücken. Lieder, die dich dazu bringen der Welt ins Gesicht zu lachen.

Support: Plàsi

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Hollow Coves ist das Projekt der Australier Ryan Henderson und Matt Carins. Die beiden haben sich 2013 über gemeinsame Freunde kennengelernt und schnell festgestellt, dass sie die Vorliebe für Reisen durch die ganze Welt und für akustische Musik teilen. Kurz entschlossen begannen sie, Songs zu schreiben, ohne Vorgaben und ohne jegliche Erwartung, wohin sie das führen würde, aus reiner Freude an der Musik und am Klang. Daraus erwuchs in kurzer Zeit eine dynamische Folk-Band, die leidenschaftlich gern reist, neue Gegenden erfährt und vieles von dem, was sie unterwegs hört und erlebt in ihre Musik einfließen lässt.

Ursprünglich stammen Henderson und Carins aus Brisbane, doch ihre Songs entwickelten sie in unterschiedlichen Ecken der Welt. Sie schickten sich ihre Ideen rund um den vernetzten Globus und arbeiteten über das Internet zusammen mit ihrem guten Freund und Produzenten Hayden Smith. Kein Wunder also, dass die Debüt-EP aus dem Jahr 2017 den überaus passenden Titel „Wanderlust“ bekam:

ihr erster veröffentlichter Song „The Woods“ entstand, als der eine in Kanada beim Snowboarden war, während der andere quer durch Europa reiste. Der Song ging sofort steil in den Hype Machines und Charts und wurde millionenfach gestreamt.

Beeinflusst von Künstlern wie Angus & Julia Stone, Ben Howard oder The Paper Kites, haben Hollow Coves längst ihren eigenen dynamischen Stil im Indie-Folk mit erdigen Sounds, fliegenden Melodien und toller ergänzender Vokalharmonie gefunden. 2018 waren die Jungs mit Tom Walker auf Tour und begeisterten ihre Fans bei diversen Auftritten etwa beim Reeperbahn oder Cardinal Sessions Festival. Derzeit arbeiten Hollow Coves an ihrem Debüt-Album, mit dem sie im November auf Headliner-Tour kommen, um uns im kalten Winter in die Wärme Australiens zu entführen.

Bewegte Bilder zum neusten Song gibt es bei www.youtube.com

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weitere Infos folgen!Mahmood: die europäische Tour!

Es war nur eine Frage der Zeit: nach der Tour, mit der Sie die Herzen von ganz Italien erwärmt hat, geht mahmood nach Europa. "Geld" ist dreifache Platin-Platte in unserem Land, goldene Platte in den Niederlanden, Schweiz, Spanien und Griechenland, die die ausgezeichnete Platzierung beim Eurovision Song Contest unterstützt.

Wenn eine junge Band von Null auf Hundert in den sozialen Netzwerken durchstartet, dann hat das in aller Regel einen qualitativen Grund. So geschehen mit half•alive aus dem kalifornischen Long Beach, die mit nur wenigen Songs zur Sensation aufstiegen. Zwischen dem 04. und 06. November kommen half•alive für drei Konzerte zu uns nach Berlin, Hamburg und Köln.

Dass Sänger und Gitarrist Josh Taylor ein ausgezeichneter Songwriter ist, der sich obendrein sehr gut darauf versteht, moderne Pop-Elemente mit einem lässigen Indie-Gefühl zu vermählen, hatte er bereits mit der Band The Moderates bewiesen. Taylor selbst war mit seinen Songwriting-Skills noch nicht zufrieden und so absolvierte er Ende 2015 ein siebenmonatiges Songwriting-Programm, wo er mehr als 50 Lieder schrieb. Zurück in Long Beach löste er im April 2017 The Moderates auf und gründete zusammen mit dem Schlagzeuger Brett Kramer und dem Multiinstrumentalisten J Tyler Johnson die neue Band half•alive. Noch im gleichen Monat erschien mit „The Fall“ ihre erste Single, begleitet von einem aufsehenerregenden Video, das unmittelbar eine weitere Qualität dieser neuen Band belegte: half•alive verstehen sich nicht nur in musikalischer Hinsicht auf die Verschmelzung zahlreicher Genres wie Indie-Pop, Electro und Rock, sondern wissen auch durch optische Eindrücke zu überzeugen.

Im April 2017 veröffentlichte das Trio seine erste Debut-EP „3“. Die daraus ausgekoppelte Single „The Fall“ wurde wie die zweite Single „Aawake At Night“ zu einem Selbstläufer auf den Musikdiensten. Wöchentlich sammelten die Songs mehrere 100.000 Klicks auf Spotify und YouTube, Fachmedien wie Alternative Press oder Rock Sound nannten sie „Erstklassig“ und „selten vielseitig talentiert“. Kombiniert bringen es die Songs ihrer ersten EP auf bislang über 13 Millionen Plays bei Spotify. Noch erfolgreicher wurde die nächste Single „still feel.“, die allein auf Spotify aktuell über 13 Millionen Plays zählt und dank eines mitreißend choreografierten Videos auf YouTube bald schon die magische Grenze von 20 Millionen Klicks erreichen wird. „still feel.“ ist obendrein der Vorbote auf die nächste EP „*7“, die in diesem Jahr erscheinen soll.

Im Herbst kommen half•alive dann nach Europa. Besucher ihrer Konzerte sprechen von aufregenden Shows mit einer enormen emotionalen Spannungsbreite. Man darf sich also sehr auf ihre anstehenden Deutschlandkonzerte in Berlin, Hamburg und Köln freuen.

Tickets: puschen.tickets.de / KOKA36 / BIS AUFS MESSER Recordstore (kein VVK im Frannz Office)

Yoni Wolf hat in den letzten beiden Jahrzehnten die entfernt liegenden klanglichen Felder erforscht an denen sich Underground Hip Hop, Avant-Pop und Psych Rock treffen. Zuerst war es das Kollektiv Clouddead, das stilprägend für das Label Anticon war. Einige von Yonis fesselndsten und meistgelobten musikalischen Experimenten veröffentlichte er unter dem Namen WHY?, so auch sein neuestes Werk.

Auf AOKOHIO (veröffentlicht am 9. August 2019) verdichtet Yoni die stilprägenden Elemente von WHY? zu einer erstaunlich potenten musikalischen Vision. Das Album wird in sechs Sätzen, bestehend jeweils aus zwei bis vier Songs, präsentiert. Einige Segmente erscheinen nur als kurze Fragmente, die sich binnen Sekunden wieder auflösen.

Das Konzept, AOKOHIO zeitlich versetzt in Segmenten zu veröffentlichen wurde mit dem Release eines begleitenden Visual Albums noch gestärkt. "Ich finde es ist eine sehr künstlerische Art, die Musik herauszubringen", erklärt Yoni. "In allem was es ist, ist es ein Kunstwerk. Ich habe Blut, Schweiß und Tränen in dieses Album gesteckt und hatte, ganz wie immer, während des gesamten kreativen Prozesses stark zu kämpfen. Wo sich das Album im Vergleich zu meinen anderen einordnet? Das kann ich nicht beantworten. Ich weiß nur, dass meine Karriere eine lebenslange Karriere ist und dass ich immer an ihr arbeite. Immer, wenn es sich richtig anfühlt, fühle ich mich gut."

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** Exklusiver Vorverkauf via Eventim ab 10.07., 11 Uhr
Allgemeiner Vorverkaufsstart am 11.07., 11 Uhr **

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Joseph im November auf DeutschlandtourDas kommende Album von Joseph ist ein akustischer Roadmovie, eine emotionale, existenzielle und literarische Odyssee des Trios aus Portland. Zur Erinnerung: Joseph besteht aus den drei Schwestern Natalie Schepman sowie Allison und Meegan Closner, die sich nach ihrem Großvater, dem Ort im Osten des Bundesstaates Oregon und der alttestamentarischen Figur benannt haben. „Good Luck, Kid“, das im September erscheint, ist durchzogen von der Idee, wie es wäre, wenn man selbst im Fahrersitz seines Lebens Platz nehmen könnte und alles nur von einem selbst abhinge -fast so, als würde man erwachsen. Schließlich weiß niemand so richtig, wo es eigentlich langgeht, eine Karte gibt es nicht, das Navi ist kaputt. Das Universum schaut auf einen herunter und sagt freundlich:„Viel Glück, mein Kind!“. Für den Nachfolger des gefeierten und gut 75 Millionen mal gestreamten Debütalbums „I’m Alone, No You’re Not“ -wenn man vom unabhängig eingespielten, nur digital veröffentlichten und quasi nullten Album „Native Dreamer Kin“ mal absieht -haben Joseph ihren Sound viel grantiger und kantiger gemacht. Der träumerische und poppige Folk hat einer dynamischeren Variante mit knalligen Drums, strahlenden Gitarren und noch lodernden Melodien Platz gemacht, wie man schon an der Vorab-Single „Fighter“ hören kann. Es ist kein Zufall, dass dieser Song den Auftakt bildet, geht es doch darum, wie die Band beinahe an ihren Differenzen auseinandergebrochen wäre. Und von diesem Augenblick an nimmt die Platte so richtig Fahrt auf. Mit den neuen Songs haben sich Joseph neu erfunden und aus den unterschiedlichen Meinungen wie der Phoenix aus der Asche eine verdammt starke Haltung entwickelt. Meegans scharfe Melodien, Allisons Talent, immer das emotionale Herz eines Songs erkunden zu wollen und Nataliesaußergewöhnlichen Instinkten als Songwriterin machen Joseph zu einem unschlagbaren Team. Joseph können immer noch verzaubern, aber jetzt viel handfester und mit noch größerem Selbstbewusstsein. Im November kommen die drei Schwestern zu uns auf Tour.Präsentiert wird die Tour von piranha und START.04.11.2019 Hamburg -Uebel & Gefährlich06.11.2019 Berlin -Frannz Club07.11.2019 München -Strom08.11.2019 Köln -Luxor

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Nach einer erfolgreichen Stippvisite in England und den Niederlanden im Januar/Februar 2019, kündigt der amerikanische Singer/Songwriter Willie Watson nun auch Deutschlandtermine an. Der mittlerweile in Los Angeles lebende gebürtige New Yorker wird auf zwei exklusiven Clubshows hierzulande seine beide Alben „Folksinger Vol. 1“ (2014) und „Folksinger Vol. 2“ (2017) live vorstellen. Der 39-Jährige ist zu sehen in Köln am 6. November 2019 im Studio 672 und in Berlin am 7. November 2019 im Frannz Club.

Der allgemeine Vorverkauf beginnt am Montag, dem 29. April 2019. Tickets sind unter www.myticket.de sowie telefonisch unter 01806 – 777 111 (20 Ct./Anruf – Mobilfunkpreise max. 60 Ct./Anruf) und bei den bekannten Vorverkaufsstellen erhältlich.

Schon über zwei Jahrzehnte dauert Willie Watsons Karriere nun schon an. Sein Markenzeichen: moderner Folk verwurzelt in der Tradition; also ein Folksänger im klassischen Sinne: Sänger, Geschichtenerzähler und Reisender in Personalunion, mit einem Katalog an Songs, die die Lücke zwischen Vergangenheit und Gegenwart überbrücken.

Bekannt wird der gebürtige New Yorker durch die Gründung der Platin-Formation Old Crow Medicine Show, die seit Ende der 90er das Neo-Folk-Revival mit einleitet. Nach mehreren erfolgreichen Alben steigt er 2011 aus und startet eine eigene Karriere. Ein mutiger Schritt, der einige Veränderungen mit sich bringt, denn Watson ist sich nicht sicher, wohin ihn der Weg führt. Er erinnert sich: „Als ich allein da stand, wusste ich nicht genau, wie meine Zukunft aussehen würde – sollte ich eine andere Band gründen oder erst weitere Songs schreiben? Also habe ich zuerst mit neuen Songs angefangen; aber ich glaube nicht, dass ich damit wirklich zufrieden war. Ich habe sie auch nur geschrieben, um etwas mehr Material für meine Soloshows zu haben, die habe ich dann mit vielen Traditionals gemischt. Live habe ich schließlich gemerkt, dass nicht nur ich mit den alten Folk-Songs zufriedener war, sondern auch das Publikum mehr Spaß daran hatte. Ich habe festgestellt, dass diese großartigen Stücke auch weiterhin von den Leuten gehört werden sollten, also habe ich es getan und mich wieder in dieser Richtung entwickelt.“

Folgerichtig bedient er sich auf seinem ersten Soloalbum, „Folksinger Vol. 1“ 2014 wieder an dem Repertoire alter Folk-Klassiker und interpretiert sie neu. Das Album wird ein Erfolg.

Auch auf seinem zweiten Solo-Album „Folk Singer Vol. 2” bemüht er sich 2017 als ein moderner Interpret alter Songs, seine eigenen Einflüsse in die Musik einbringend, die lange vor seiner Zeit geschrieben wurde: Südstaaten-Gospel. Eisenbahn-Songs. Delta Blues. Irische Geigen-Stücke. Musik der Appalachen: „Folksinger Vol. 2” bietet all diesen Stilrichtungen Raum. Produziert wurde das Ganze erneut vom Old Crow Medicine Show-Produzenten David Rawlings und führt die althergebrachte Tradition im Folk weiter: das Teilen und Tauschen alter Songs. Man kennt alle elf Kompositionen auf „Folksinger Vol. 2” zwar von Künstlern wie Leadbelly, Reverend Gary Davis, Furry Lewis und Bascom Lamar Lunsford, aber diese Stücke gehören ihnen nicht, sie gehören niemandem. Sie sind Teile des Folk-Kanons, werden von Generation zu Generation von Künstlern wie Watson weitergegeben.

Und Watson ist definitiv ein Ausnahmesänger. Mit seinem Vibrato und seinem Stimmumfang haucht er Klassikern wie “Samson And Delilah” einen neuen Geist ein, unterstützt vom Gospel-Quartett The Fairfield Four. Balladen wie “Gallows Pole” passen genauso zu ihm ein Blues-Standard Marke “When My Baby Left Me”, auf dem er seine Slide-Gitarre gekonnt spartanisch einsetzt. “Dry Bones” wird durch ein Banjo veredelt, während “Take This Hammer” das Album mit einem Kirchengesang abschließt. Sein Stamm-Produzent adelt ihn mit dem Zitat: „Willie Watson ist der einzige seiner Generation, bei dem ich vergesse, dass diese Songs schon einmal von jemandem anderen gesungen wurden.“

Der zweite Teil erweitert Watsons Sound, verstärkt aber auch gleichzeitig seine Stärken. Zahlreiche Gäste finden sich auf dem Album: darunter Gillian Welch, Paul Kowert von den Punch Brothers und sein alter Bandkollege Morgan Jahnig. Trotz dieser Vielfalt klang Watson noch niemand kontrollierter, selbstbewusster und verbundener mit der Musik, die ihn inspiriert.

„Ich habe nie versucht, irgendetwas zu beweisen”, erklärt er, „und ich versuche auch nicht, ein Purist zu sein. In der alten Musik liegt so viel Schönheit, was mich sehr tief berührt. Sie bewegt und inspiriert mich. Ich habe Leadbelly mit dem Golden Gate Quartet singen gehört und es klang fantastisch. Da dachte ich mir, dass ich das auch machen möchte. Ich habe die Grateful Dead mit ihrer Version von ‘On The Road Again’ gehört und es klang wie eine Tanzparty im Jahr 1926 – das wollte ich auch machen. Das bringt meine ganze Motivation auf den Punkt, warum ich überhaupt Musik machen wollte: weil es sich anhörte, als würde es eine Menge Spaß bringen.”

Auch als Schauspieler und Soundtrack-Komponist ist Watson erfolgreich, partizipiert u.a. an zwei Filmen der Cohen-Brüder (Hail, Caesar!“, 2016, und „The Ballad Of Buster Sruggs“, 2018).

** Tickets im VVK exklusiv via Eventim www.eventim.de ab 10. April, allgemeiner VVK-Start am 12. April (jeweils 10 Uhr)! **

VIP-Tickets erhältlich für €80 zzgl. Gebühren. Diese beinhalten das Showticket, dazu early entry, meet & greet, Polaroid Foto mit Matt, laminierter VIP-Pass, Album Cover Print. Kein VVK im Frannz Office.

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Dieser Tage vollendet sich, was vor einem Jahr mit „We Can Do Better“ begann: Das klare Statement zum Zustand unserer Welt, verpackt in eine hübsche Melodie und eine zündende Hook, war damals das erste ferne Leuchtfeuer eines neuen Album. Jetzt ist die dritte Studioplatte „After The Landslide“ endlich erschienen. Allein daran kann man erkennen, wie ungeheuer akribisch Matt Simons an seiner Musik arbeitet.

Der Kalifornier mit Wohnsitz New York verwandelt große Themen in leichtfüßigen Pop, indem er musikalisch aufwändige Ideen so eingängig klingen lässt. Tatsächlich ist er als ausgebildeter klassischer und Jazz-Pianist und -Saxofonist mit allen Wassern gewaschen. Seine Melodien bilden sich nach klassischen Songstrukturen, verbunden mit immer wieder überraschenden Harmonien und wunderschönen Refrains. Das macht seine kleinen Meisterwerke perfekt. Vor allem, wenn er dann eben auch die Zeit hat, zwei Jahre daran zu feilen.

„Mein Ziel ist immer, mit einem Song möglichst viele Leben zu berühren“, sagt Simons über seinen Anspruch, „ein Stück muss so universal sein, dass es zu allen Menschen singt.“ Dabei kann es durchaus sein, dass auch der Remix für den Erfolg sorgt, wie bei seinem bislang meistgestreamten Stück „Catch & Release“, das in der Deepend-Version in vielen europäischen Ländern auf die Nummer eins der Charts stieg. Tatsächlich ist es noch immer so, dass Simons in seiner Heimat USA unter dem Radar durchfliegt, während er hierzulande seit seinem ersten Überraschungshit „With You“, der dank der Verwendung in der holländischen Version von „Gute Zeiten, schlechte Zeiten“ viral ging, viel bekannter ist.

Das wird sich aber durch die neue Platte hoffentlich ändern. „After The Landslide“ ist sein größtes, ehrgeizigstes und persönlichstes Projekt bislang. Man stelle sich die gespannte Emotion eines melancholischen Bon-Iver-Titels zusammen mit der handfesten Grazie eines Springsteen-Songs vor: Nicht weniger schwebte Matt Simons vor, als er sich an die Arbeit machte. Jetzt, zwei Jahre später legt er ein fantastisches neues Album vor, das diesen Anspruch auch noch mit einer poppigen Leichtigkeit umsetzt. Und im Herbst kommt matt Simons wieder zu uns, um seine neuen Songs live zu präsentieren.

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Felix Meyer & project île sind im Herbst 2019 wieder mit einem neuen Album unterwegs. Es handelt von Gerechtigkeit und Gitarrensoli, Melancholie und Mehrstimmigkeit, Reimen, Reibereien und Reisebildern. Es geht um den Untergang in Zeitlupe, den Schutz der Schwachen vor den Starken, Küsse unter Sternen, das Herzklopfen und den Tod, einen Tag oder ein ganzes Leben im Wald. Friedfertigkeit und Fantasie. Dazu spielen die Musiker der Band „project île“ mal Jazz und mal Folk oder Chanson, Montuno und Musette. Sie schaffen es damit nach Belieben, den Inhalt zum Tanzen zu bringen oder doppelt und dreifach zu unterstreichen. Manchmal scheint die Band zu schweben oder sogar die Zeit anzuhalten. Die Zuschauer verlassen den Raum mit einem Lächeln im Gesicht, einer Idee im Hinterkopf und einer Melodie auf den Lippen. Die im Dunkeln hört man doch! Seit nunmehr 10 Jahren erspielt sich der Autor mit seiner bewegten europäischen Straßenmusik Geschichte irgendwo abseits der poppigen Plattenfirmen und der platten Popmusik eine immer wichtiger werdende Nische zwischen internationalem Chanson, Poesie und Systemkritik, Lagerfeuer, Lebenslust und Liebesballaden. Mit vielen Freunden, Kollegen und Weggefährten wie Dota Kehr, Hans-Eckardt Wenzel, Sarah Lesch, Konstantin Wecker, der Band Keimzeit, Max Prosa oder Maike Rosa Vogel ergeben sich immer wieder Projekte, Lieder und gemeinsame Auftritte. Bei ihrer Tour im letzten Jahr begeisterten „Felix Meyer und project île“ ihr Publikum vom Jazzhaus in Freiburg bis in die Elbphilharmonie in Hamburg. Im letzten Sommer sang Felix Meyer mit Konstantin Wecker „Sage nein!“ vor Hunderttausenden auf der großen #unteilbar Demonstration in Berlin. Das Publikum des Bardentreffens in Bayern, des Rudolstadt Festivals in Thüringen und des Burg Herzberg Festivals in Hessen hat ihn mit seiner Band auf den großen Bühnen gesehen. Die Musik kann diese Bühnen spielend füllen, Meyer singt aber auch immer wieder gerne vor 50 Menschen in einer Kneipe. Nach den ersten vier Studio Alben mit eigenen Stücken hat sich Felix Meyer in den letzten Jahren mit der Übersetzung seiner Jugend (Soundgarden, Nirvana, Tracy Chapman, Neil Young, Pearl Jam und vielen anderen) beschäftigt. Er hat sich für Gleichheit und den Schutz der Umwelt stark gemacht und ist mit italienischen und kanadischen Kollegen für eine Reihe Konzerte in einem großen Theater in Genua mit einem Programm über das Erbe des großen Cantautore Fabrizio de Andre auf die Bühne gegangen. Auf dem neuen Album, das zur diesjährigen Tour im Herbst erscheint, werden diese Erfahrungen hörbar und spürbar sein. Die Nische wird größer. Wir dürfen gespannt sein.

Mainfloor: (Classic Rock)

Tannz im Frannz- Floor: (80s, 90s, Trash)

From-Hell-Floor: (Hard Stuff)

VVK: Erwachsene 16,00 € zzgl. Gebühren / Kinder 12,00 zzgl. Gebühren

tickets: shop.herrh.com (kein VVK im Frannz Office)




herrH ist da! – Das KinderMitmachKonzert für die ganze Familie!

herrH alias Simon Horn ist Kinderheld aus Berufung, oder besser gesagt, ein Familiensoundtrack auf zwei Beinen. Er versteht die Welt der Kinder und Familien, kann diese in Worte fassen, dazu Töne finden und in mitreißende Songs verwandeln und gilt als Mitbegründer der Neuen Deutschen Kindermusik: zeitgemäß und kindgerecht!

Seine Musik hat in vielen Familien mittlerweile ihren ganz festen Platz. Ob im Kinderzimmer, im Auto, auf einem Konzert oder wo man sonst noch gemeinsam Musik hört – herrH ist festes Familienmitglied. Seine Geschichten lassen Kinderaugen leuchten und bringen Eltern zum Schmunzeln. Seine Beats sind druckvoll und vielfältig: Gekonnt mischt er von Elektro, Pop, Rock, Funk und HipHop alles was in die Beine geht und Herzen bewegt. Seinen Stil könnte man „modern“ oder „am Puls der Zeit“ nennen, aber wenn man die Kinder fragt, dann ist herrH einfach nur „in“ und „cool“.

Energiegeladen, mitreißend & authentisch: Von der ersten Sekunde an besteht auf seinen über 200 KinderMitmachKonzerten pro Jahr die höchste Ansteckungsgefahr, wenn er mit seiner Neuen Deutschen Kindermusik loslegt! Der Name ist dabei Programm: von der Ostsee bis zu den Alpen wird gesungen, gesprungen, getanzt, geklatscht, gelacht und kräftig Vollgas gegeben.

Mit jeder Menge preisgekrönter Ohrwürmer bewegt er kleine und große Tanzbeine und lässt Herzen schneller schlagen. Jedes Konzert wird dabei zu einem einmaligen Erlebnis und zu einer Riesenparty mit “Kuscheltier-Stagedive” und hat alles, was zu einem ordentlichen Konzertbesuch – für einige kleine Menschen ist es das erste Konzert – dazugehört: Ein einmaliges KinderMitmachKonzert für die ganze Familie – Autogramme, Selfies und ein „High 5“ nach dem Konzert inbegriffen!

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Seit 2012 sind Dan Reed Network in der Original - besetzung von 1988 mit Schlag - zeuger Dan Pred , Gitarrist Brion James , Bassist Melvin Brannon Jr . und natürlich dem Frontmann Dan Reed wieder unterwegs – und haben seitdem stets bewiesen, das s ihr Ende der 80er etablierte Rocksound zwischen Glam, Funk und hartem Roc k erstaunlich gut gealtert ist. Gleichzeitig waren Dan Reed und seine Mannen schon immer gut darin, etablierte und vielleic ht auch etwas klischeehafte Genres mit ihrem eigenen Zugang und ihrem ansteckenden Bühnencharisma aufzubrechen. Ein guter Beleg für ihren Wagemut ist allein die Tatsache, dass sie ihr zweites Album „Slam“ 1989 von Nile Rodgers produzieren ließen, der bekan ntlich eher als Disco - Gott, denn als Rockproduzent verehrt wird. So klingt denn auch ihr letztes Album aus 2018, „ Origins“ wie ein gelungener Spagat zwischen Rocktradition und Experimentierfreude, was sich in einer Neufassung ihres Klassikers „Ritual“ mani festiert, der Rockriffs, Funkelemente, 80er - EBM - Keyboard - Düsternis und Reeds nach wehendem Haar klingend en Gesang verbindet und dab ei wahnsinnig stimmig klingt. Großen Anteil daran hat der Youngster der Band, Rob Daiker , der als Co - Produzent und Keyboarder seit 2016 das Network komplettiert. Am hellsten glühen die Leitungen des Dan Reed Networks aber weiterhin, wenn sie gemeinsam auf der Bühne stehen – was sie im Dezember auch wieder in UK, in Schweden und in unseren Breitengraden tun werden , wenn das Albu m „Slam“ 30 Jahre alt wird, von Universal auf Vinyl und CD veröffentlicht wird und damit seine mehr als verdiente Wiedergeburt erfährt.

03.12.2019 Hamburg, Knust
04.12 .2019 Berlin , Frannz
05.12 .2019 Köln, Gebäude 9

Ticketpreis : 32 , - Euro zzgl. Gebühren Tickets unter tickets.de danreed - network.com/ www.facebook.com

Teilbestuhlt, freie Platzwahl

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DER ENDGEGNER

„Oliver Polak steht zwar nicht für politisch korrektes Sprechen, aber für politisch korrektes Handeln und ist deshalb vielleicht der einzig wirklich politisch korrekte Comedian“ (Die Welt , April 2019)
Eine kurze Verschnaufpause hat sich Oliver Polak nach seinen erfolgreichen Shows in Berlin, Köln, Düsseldorf und Frankfurt Anfang des Jahres zu Recht gegönnt. Im Dezember kehrt der Meister der ehrlichen Worte aber endlich zurück auf die Comedy-Bühnen.

Der deutsche Humor besitzt eine Spezialität, die es etwa in den Zentren des Stand-Up-Comedy wie London und New York nicht gibt: Während man dort stets an neuen Nummern und Stand-Ups arbeitet, damit konsequent aktuell bleibt und den kreativen Prozess kontinuierlich am Laufen hält, schreibt man hierzulande ein Programm (oder lässt es sich schreiben) und geht dann damit unverändert drei bis vier Jahre auf Tournee. Eine Methode, die Oliver Polak nicht liegt: „Schon deshalb kommen meine Vorbilder nicht aus Deutschland“, sagt er; stattdessen ist er derjenige, der nicht nur Taktik und Technik, sondern auch Tonart und diesen unterschwelligen Tremor des Hochpersönlichen, den man im klassischen Stand-Up findet, nach Deutschland exportiert hat.

Polak ist der deutsche Humorist ohne Scham vor sich selbst oder dem Aufdecken der selbst unangenehmsten persönlichen Dramen – wie sich etwa auch in seinen Kolumnen für ‚Die Welt‘ immer wieder beweist, oder in dem via Audible abrufbaren Podcast „Juwelen im Morast der Langeweile“, den er gemeinsam mit Kollege Micky Beisenherz betreibt. Von der jüdisch geprägten Kinderstube über die Betrachtung der Welt in all ihrer Verworfenheit bis zur Verarbeitung schwerer Depressionen: Polak holt auf die Bühne, was er durchlebt hat, und hat keine Hemmungen, sich für eine gute Pointe selbst zum Narr zu machen. Auch damit steht er ganz in der Tradition der großen Stand-Up-Vorbilder, und nur folgerichtig schrieb die Zeit: „Oliver Polak, so überzeugend und unangenehm und melancholisch wie Lenny Bruce und Louis C.K.“ „Ich bin mir bei diesem ständigen Schreiben selber immer näher gekommen, schon deshalb heißt meine nächste Show ‚Der Endgegner’“, berichtet Polak. „Ich lege da schon eine hohe Schlagzahl an, ständig etwas Neues zu produzieren, einfach weil mich auch immer mehr persönlich beschäftigt.“ Polak geht dabei mit Lust und Vorsatz ans Eingemachte, weil er überzeugt ist, dass sich die Tragik des Lebens oft nur mit Komik ertragen lässt. „Es geht mir nie darum zu überlegen, womit ich nun besonders provokant sein kann, sondern vielmehr darum, den Alltag so abzubilden, wie er sich nun mal darstellt.“ Was sich ja auch in vielen anderen Zusammenhängen beweist, etwa in seiner ebenfalls gemeinsam mit Micky Beisenherz produzierten Reihe „Das Lachen der anderen“, in der sie sich Stand-Ups zu Randgruppen wie MS-Kranken, Menschen mit Down-Syndrom oder HIV-Infizierte ausdenken und Polak diese sodann einem Publikum vorträgt, das ausschließlich aus der entsprechenden Randgruppe besteht.

Für diese durchaus eigenwillige Betrachtung besonderer Gruppen wurden die beiden 2017 mit dem Deutschen Fernsehpreis ausgezeichnet – und auch Polaks andere Late-Night-TV-Show „Applaus und raus“ erhielt mit dem Grimme-Preis im vergangenen Jahr eine besondere Ehrung. Dass er darüber mit „Ich darf das, ich bin Jude“ und „Der jüdische Patient“ zwei literarische Bestseller verfasste, dass er mit seinen Shows „Jud Süß-Sauer“, „Krankes Schwein“ und „Über Alles“ in drei Ländern vor ausverkauften Häusern spielte – all dies sind Belege dafür, wie überfällig ein neuer, bissiger, gern auch mal konfrontativer Humor in Deutschland war. „Deutschland an sich hat ja einen totalen Dachschaden“, sagt er. „Es muss mal eine Erneuerung her“ – und dafür tritt Oliver Polak auf den Plan. Er ist der impulsive Gegenpol für alle Comedy-Fans, die den deutschen Supermarktkassen-„Kennste“-Humor nicht als aufklärerische Unterhaltung verkauft bekommen wollen.

Polaks eigener Anspruch ist ein beständiges Hinterfragen überholter Denkmuster, der bürgerlichen Benimmregeln und ungeschriebenen Society-Gesetze, von denen er sich als Privatperson nur vehement mit artistisch-asozial artikulierten Tabubrüchen abgrenzen kann. „Nicht umsonst gibt es im Amerikanischen den Begriff ‚Comic Relief‘, also Erlösung. Und darum geht es mir: Ich möchte, dass sich die Menschen vor der Bühne einmal verstanden fühlen in all ihren Gegensätzen und Indifferenzen.“ Dies betreffend, hat Polak tatsächlich eine neue Ebene in den deutschen Humor gebracht: Er hilft dabei, gerade über die eigenen Unzulänglichkeiten und Peinlichkeiten zu lachen, die man sonst tunlichst von sich fern hält. Weil es sonst weh tut. So gesehen hat Polaks Humor tatsächlich bei aller Härte der Themen und Kompromisslosigkeit der Sprache letztlich eine heilende Wirkung: Er ermöglicht es uns, über das zu lachen, was eigentlich zum Heulen wäre – und dies in der gesamten Breite und Tiefe, die das moderne Leben uns nun mal abverlangt. Denn wer ist denn unser „Endgegner“ in letzter Konsequenz? Wir selber.

(electronic covers from DEPECHE MODE, THE SISTERS OF MERCY, NEW ORDER, DIE ÄRZTE, TEARS FOR FEARS, CAMOUFLAGE and many more) + REBEL YELL - Love the 80s Party

-Tickets im VVK gibt es bei www.ticket69.de , im Frannz Office (Mo-Do 13-17Uhr) und bei www.eventim-light.com

80er Parties haben im Frannz-Club eine lange Tradition und erfreuen sich ungebrochener Beliebtheit. Daher dachte sich die Frannz-Crew es sei eine gute Idee die Hits der „Golden 80s“ endlich auch mal live auf die Bühne zu bringen.
Am 2.März ist es endlich soweit: BLIND PASSENGER werden auf der Bühne des Frannz mit ihrer fulminanten 80s EXPRESS-Show für beste Unterhaltung sorgen.

In den Neunzigern waren die BLIND PASSENGERS die erfolgreichste Electro-Pop-Band der Neuen Bundesländer. Mit 5 verschiedenen Songs schafften es NIK PAGE & Co. beispielsweise bis auf Platz 1 der Hörer-Charts von RADIO FRITZ.

2013 meldete sich Nik Page mit seiner neuen BLIND PASSENGER-Band zurück in diversen Radio- und Verkaufscharts und präsentierte mit derCD ZEITSPRUNG Coverversionen bekannter Wavehits aus den „Golden 80's“ in zeitgemäßem Electro-Pop-Gewand.

80s EXPRESS heißt das neue Liveprojekt der BLIND PASSENGER-Band bei dem Nik Page & Co. Pop- & Wave-Klassikern der goldenen Achtziger mit dicken Beats und maximalem Entertainment-Faktor auf die Bühne bringen.

Freut Euch auf zeitlose Hits von NEW ORDER, DEPECHE MODE, DEAD OR ALIVE, THE SISTERS OF MERCY, CAMOUFLAGE, DIE ÄRZTE, THE HUMAN LEAGUE, TEARS FOR FEARS, THE CURE, SOFT CELL, THE POLICE und vielen anderen Kultbands neu zum klingen gebracht, ebenso wie Klassiker der NEUEN DEUTSCHEN WELLE (GOLDENER REITER, TERRA TITANIC, 99 LUFTBALLONS und EISBÄR).

Die Coverversionen der international besetzten Glam-Pop-Band werden nicht im typischen 0815-(Top40)-Rockband-Stil präsentiert, sondern modern produziert, elektronisch und äußerst tanzbar, ohne den besonderen Charme und die markanten Elemente der Originale einzubüßen.

Die Liveshows von 80s EXPRESS sind eine Zeitreise in das goldene Jahrzehnt der Pop-Musik, eine verdammt unterhaltsame Tanzparty, aber vor allem ein Garant für ein durchgeschwitztes und heiseres Publikum.

Direkt nach dem Konzert kann mit dem Sound der 80er auf dem Mainfloor weiter getanzt werden zur Aftershow-Party mit DJ Hey My Commander.