Achtung: Die Show wird vom 06.10.21 auf den 11.02.23 verschoben. Bereits im VVK erworbene Tickets behalten ihre Gültigkeit.


Hört, hört: »Dawn Of The Dragonstar« ist hier! Drei Jahre nach ihrem unvergessenen Abenteuer namens »Heroes Of Mighty Magic« ist die Epic Metal-Bruderschaft TWILIGHT FORCE zurückgekehrt, um ihre ambitionierteste, epischste und tollkühnste Reise anzutreten. Schärft eure Klingen, braut eure Tränke, flickt eure Schilde und macht euch bereit: Ein Sturm zieht herauf – und diesmal wird er uns alle mit sich reißen!
Um zu begreifen, welche jenseitige Macht in den Grundfesten von »Dawn Of The Dragonstar« verborgen liegt, muss man sich zunächst mit den Twilight Kingdoms vertraut machen. Vom Schicksal in der schwedischen Heavy Metal-Hauptstadt Falun (Zu Ihrer Linken: SABATON) zusammengeführt, hielten sich TWILIGHT FORCE erst gar nicht lange in unseren irdischen Gefilden auf. Schon auf ihrem Debüt »Tales Of Ancient Prophecies« entführten sie ihre ergriffenen Zuhörer tief in ihr eigenes Reich, in dem die Knights Of Twilight’s Might die Lande mithilfe eines mächtigen Drachen beschützen. Zaubersprüche wurden gesprochen, Schwerter klirrten, Pfeile zitterten und Schilde zerbarsten, als die Ritter das Land von einem bösen Unterdrücker befreiten, um schon 2016 (irdischer Kalender, wohlgemerkt) auf das nächste Abenteuer geschickt zu werden, um den Frieden in ihrem geliebten Reich wiederherzustellen.
Nun, im Jahre 2019, wartet die bislang größte Herausforderung auf sie: Ein Abenteuer, um alle Abenteuer zu beenden. Eine so gefährliche und aufregende Aufgabe, die nur den Knights Of Twilight’s Might anvertraut werden kann. Angeführt von ihrem neuen Barden Allyon, einem legendären Helden, den die Prophezeiungen weissagten, schreiten TWILIGHT FORCE wieder komplettiert zur Tat. „Wir werden jene ereignisreiche Nacht, in der Allyon von arkaner und uralter Magie direkt vor unseren Augen heraufbeschworen wurde, nie vergessen“, erinnern sie sich ergriffen. „Die arkanen Mächte in seiner Stimme lassen die Grundfesten der Realität erzittern. Wir sind von tiefempfundenem Dank erfüllt, dass es sein Schicksal war, der Träger des Königskristalls zu werden – und der Überbringer unserer legendären Legenden und Lieder.“
Mit neuerstarkter Zuversicht begeben sie sich auf eine gefährliche Reise: Eine Reise, von der sie auf »Dawn Of The Dragonstar« so unvergleichlich kundtun. „Um die Hymnen von TWILIGHT FORCE zu schmieden, bedarf es allerhöchsten Seelenfrieden, Einsamkeit und ungestörte Ruhe, weil es sich hierbei um eine außergewöhnlich zeitaufwändige und unglaublich präzise Arbeit handelt“, verkündet die Heldengruppe. „Jedwede Störung unserer Erschaffungsrituale könnte das Gewebe des Mana zerstören oder gar einen Spalt in die Unterwelt öffnen. Doch verzagt nicht, denn wir nehmen diese Aufgabe sehr ernst und verwenden die komplexesten aller Schutzzauber, um die Sicherheit der Twilight Kingdoms zu gewährleisten.“
In anderen Worten: TWILIGHT FORCE lassen nichts unversucht, um einmal mehr einige der epischsten und überwältigendsten Hymnen zu erschaffen, die der Power Metal je zu Ohren bekommen hat. Präzise wie ein fliegender Pfeil, singend wie ein siegreiches Schwert, donnernd wie ein galoppierendes Ross, berauschend wie eines Magiers stärkster Zaubertrank und markerschütternd wie ein feuriger Drache: »Dawn Of The Dragonstar« ist die Hymne, die diese Helden verdienen und die sich einen fragen lassen wird: „Mano-wer?“ Jeder für sich ein legendärer Held, sind TWILIGHT FORCE ein einzigartiger Clan unerschrockener Abenteurer, die bis zum Rand der Welt reisen, um Stoff für ihre unvergesslichen Legenden zu sammeln. „Wir sind die Kristallträger, die prophezeiten Retter der Twilight Kingdoms und die Überbringer von ewiger Hoffnung und arkaner Lichtkraft“, rufen sie mit stolzgeschwellter Brust aus. Und stolz sollten sie auch sein, denn ihre zurückliegenden Unternehmungen führten sie bis in die entferntesten Ränder des Universums. „Zahllose Abenteuer folgten im Schlepptau von »Heroes Of Mights Magic«“, nicken die Ritter in nostalgischer Schwelgerei. „Wir reisten nach Nah und Fern, über Land, See und durch die Lüfte. Wir besuchten Myriaden legendärer Orte und erblickten auf unseren Reisen unfassbare Wunder. Dabei brachte uns jede Schlacht noch näher an den Ruhm. Wir sind all jenen Möglichkeiten und belebenden Erfahrungen auf ewig dankbar – und schauen doch mit gespannten Augen gen morgen.“
Das sollten sie auch: Es gibt einfach keine besser geeignete Gefolgschaft für jene Geschichten aus anderen Welten – und keine Heldenschar, die mehr darauf erpicht ist, ihre Erlebnisse zu verbreiten. „Dieser Drang ist immer vorhanden und auf ewig mit uns verbunden!“, hören wir. „»Dawn Of The Dragonstar« war der einzig logische Schritt nach unserem zweiten Opus.“ Niedergeschrieben, kontempliert, komponiert und von TWILIGHT FORCE höchstpersönlich in ihrem verborgenen Unterschlupf tief in den Wäldern aufgenommen, können wir unsere Ohren endlich den neuen Geschichten von erwachenden Helden und geschlagenen Feinden leihen. „Die Legenden auf »Dawn Of The Dragonstar« sind keine direkte Fortführung unserer zurückliegenden Schöpfungen. Jedoch wurden sie alle aus denselben alten Büchern mythischer Prophezeiungen und Schriftrollen uralter Weisheit übersetzt. In dieser Hinsicht also“, so vermelden sie, „sind sie in der Tat verbunden. Neben vielem anderen haben wir die Legende unseres hochverehrten Anführers Allyon niedergeschrieben. Zudem sind ein ebenso altes wie enorm langes Stück über einen legendären Klingenmeister und seinen Lehrling sowie eine markerschütternde Geschichte über eine mythische Kreatur der See darauf enthalten.“
Auch wenn der namensgebende Dragonstar, jenes „Leuchtfeuer des Lichts und der Hoffnung“, und die Wiedergeburt des legendären Drachenkönigs im Zentrum stehen, so wurde das Werk doch von all jenen Abenteuern und Begegnungen geprägt, die sich seit »Heroes Of Mighty Magic« zugetragen haben. „Wir sind älter und somit weiser geworden“, teilen sie uns ziemlich selbstzufrieden mit. „All unsere Erfahrungen, Treffen, Prüfungen, Freuden und Rückschläge haben die Art und Weise beeinflusst, wie wir in der Schmiede arbeiten. Deshalb wagen wir es auch zu behaupten, dass wir einige Elemente erweitert und andere ein wenig zurückgefahren haben, um ein Gleichgewicht der Mächte zu garantieren und eine musikalische Landschaft zu erschaffen, die all jene musikalischen Elemente enthält, die wir für wichtig befinden.“ Rollt die Würfel, holt das Lembas raus, füllt die Hörner: TWILIGHT FORCE sind zurück!

Hinweis: Dies ist der Nachholtermin für das Konzert vom 11.10.2020 im Lido. Alle bereits gekauften Karten für den ursprünglichen Termin behalten hierbei ihre Gültigkeit!

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Das neue Album der Circa Waves mit dem Titel „Never Going Under“ umfasst ein ganzes Leben. Frontmann Kieran Shuddall schlägt den Bogen von dem Tag, als sein Vater ihn auf der Türschwelle ihres Hauses ablieferte – in dem Song „Northern Town“ – bis zur Geburt des eigenen Kindes – „Carry You Home“. Es ist ein Rundgang durch Shudalls Leben in elf Tracks. Kaum, dass er Vater wurde, begann er, wie die meisten Eltern, die Welt mit anderen Augen zu betrachten. Und was er sah, eine verwirrende und unsichere Zukunft nämlich, stimmte ihn und seine Bandkollegen nachdenklich. Was für das Gefüge offensichtlich sehr gut war, denn so selbstsicher und offen hat man die Briten nur selten gehört. Der Weg, der vor ihnen liegt, ist völlig unbekannt, aber sie werden ihn mutig beschreiten. Das ist die Grundaussage der Platte, die im Januar erscheint, und „Never Going Under“ lautet die resiliente Botschaft an uns alle.

Das spiegelt sich auch in der Musik wider, die so weitgespannt ist wie noch auf keiner Veröffentlichung der Circa Waves. Vom munteren Indie-Pop der Vorab-Single „Do You Wanna Talk“ über das gigantische „Hell On Earth“ bis hin zum seelenvollen „Your Ghost“. Die Band schafft es dabei jederzeit, das Album wie ein einheitliches Werk wirken zu lassen. Auch die Arbeitsmethoden haben sich innerhalb der Mitglieder verselbständigt. Shuddall zeichnet sich für die Produktion verantwortlich, Gitarrist Joe Falconer war für die Musikvideos zuständig, Drummer Colin Jones betreut die Social Media-Auftritte und Bassist Sam Rourke konzipiert die musikalische und ästhetische Richtung der Liveshows. Die Band ist in einer neuen Zeit angekommen, hat sich neu entdeckt und ist sich doch selbst treu geblieben. Das verspricht eine Menge für die Konzerte im kommenden Februar.

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„Ich will doch nur das, wonach meine Nachbarin immer schreit. Nimm mich, Ernst!“ ok.danke.tschüss haben keine Angst vor Klamauk. Dem Genre von ok.danke.tschüss hat man schon viele Namen gegeben „Einhorn-Rock“, „Synthie-Pop“ und „was-zur-hölle-soll-das-dennsein?“ Nichts hat sie geschockt. Mit abgefahrenen Synthie-Sounds, schrillen Outfits und schrägen Dancemoves leiten sie die „Neue neue neue neue deutsche Welle“ ein. Vielleicht sind sie die höflichste Rebellion der Welt. „I DON’T MOVE LIKE JAGGER. ICH BEWEG MICH WIE GOLLUM AUF ECSTASY.“ Auf einem Konzert von ok.danke.tschüss darf scheiße getanzt werden. Headbanging, Pogen, Walzer, Discofox, die tote Robbe, Planking, … alle Tanzarten sind erlaubt!

Bei allem Spaß, der von ok.danke.tschüss auf einem Konzert verbreitet wird, können nachdenkliche Zuhöinnen in jedem der Lieder eine dunkle und melancholische Seite entdecken. Wo manches durch Ironie und Wortwitz an der Oberfläche lustig wirkt, werden auf den zweiten oder elften Blick wichtige Themen angesprochen. Wie in „Böses Mädchen“ die Klimadebatte, in „Verrückt“ die Wirkung des Kapitalismus und in „Liebe?“ die heuchlerische Eifersucht. Wer ein Konzert von ok.danke.tschüss besucht, sollte und muss mit allem rechnen. Man kann am Rand stehen und den gewitzten und tiefgreifenden Texten lauschen, man kann vor der Bühne tanzen wie blöd, man kann mit offenem Mund da stehen und sich fragen was zur Hölle hier denn gerade abgeht.

Mainfloor: (Classic Rock)

Tannz im Frannz- Floor: (80s, 90s, Trash)

From-Hell-Floor: (Hard Stuff)

Four times BRIT nominated, RAYE is one of the most streamed artists in the world with over 2.3 billion streams of her music. She has a double-platinum, four platinum, two gold and three silver singles to her name. She is also indisputably one of the UK’s premier songwriters. Her songs have amassed over 3 billion streams, having written for some of the world’s biggest artists including: John Legend, Ellie Goulding, Khalid, David Guetta, Diplo, and Beyonce. In 2019 she was awarded The BMI Impact Award in recognition of her ‘ground-breaking artistry, creative vision and impact on the future of music.

During the summer of 2021, her cries of frustration for not being able to release her album were heard worldwide, leading to a mutual separation from her label and allowing her to carve her own path. Having made her public tirade, followed by her personal ‘declaration of independence’, Raye in effect has obligated herself to deliver the ground-breaking first album that her 2019 BMI award prophesied. In 2022 she was nominated for the Ivors Songwriter of the year, landed R1 Brits List, made her debut solo TV performance on Jools Holland and made the face of Spotify’s November Equal campaign. On February 3rd, 2023, RAYE will release her debut My 21st Century Blues. This is RAYE part two. It’s RAYE on her own terms. It’s the RAYE of old, but reloaded. These are songs made by RAYE, for RAYE, but within that they’re for everyone who has faced and overcome adversity. They’re also anthems for other women in the industry, or stuck in a cycle of misogyny.

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This record is called Moss because I’ve been gathering a lot in the last few years I guess. Sitting still and collecting a green blanket of memories and feelings. Making this record was me trying to get up and shake it off and look at all of it. It was the first step in untangling myself and really trying to look at the rock under the moss. I’m not sure how many steps are left or what step I’m on but I know this record is a huge shift. Songs have always come into my life out of need. I think every song on this record is about a beginning hidden in an ending, hidden reclamations of ways I’ve disappointed myself. The record opens with Backup Plan… I think being absolutely and freely myself was always stupidly my plan B. If I couldn’t succeed at being the person I was pretending to be, if I couldn’t want the things I’d been pretending to want, only then would I give myself permission to just be me. Then came Thérèse and Mermaid Bar – Thérèse is inspired by a painting but about feeling hemmed in and stuck. Stuck as the version of yourself that someone else created. Mermaid Bar is about a girl who tries to end her life by jumping into the Hudson River and instead becomes a siren who runs a restaurant for all the creatures hiding at the bottom of the sea. Bloomed Into Blue was originally a poem I had written with a friend in high school called the B-Word Muse. It was a tribute to “muses”; Ariel, Eddie Sedgwick, Marie Thérèse, and so many more. Women were always the subject of art and not the creator. Worthy of being spoken about but not worthy of being listened to.

This record reckons with childhood in Sweet Tooth and Driver, with regret in Luna Moth, Crazy Kid and Sticky Little Words, and with anger in South Elroy, Restless Moon and Over. Above all this record wants to be about rebirth and acceptance. I’m crawling back to myself.

Thank you for watching.

-Tickets im VVK gibt es bei www.greyzone-tickets.de -

Durchhalten ums Verrecken, jeder für sich. Auf der Flucht vor der Stille und sich selbst klickst du dich durch den Konsum hin zum Vergessen. Einsacken,aufsaugen, volllaufen. Alles rauscht. Vorbei.Für Tüsnder Anfang einer Standortbestimmung. Hin zum dritten Album einer Band mit Geschichte. Eine Band, die stets fordert. Sich selbst und die Welt.Aufstieg und Fall, Clubs und Charts, Märchen und Major. Seit ihrer Gründung 2012 haben Tüsn alles gehabt. Ihr Debüt "Schuld" (2016) schlug ein und derNachfolger "Trendelburg" (2019) ebnete den Weg Richtung Neuzeit, um jetzt diesen Schrei gegen das Schweigen anzusetzen: "Am Ende bleibt dir nichts"(VÖ: 13.01.2023).Kein Zeigefinger, nur klare Kanten. Fassaden fallen, Konstrukte brechen, das Bild wird unzweideutig schärfer. Los-und zulassend schlagen Tüsn in ihrenSongs aus und um sich. Nichts ist wie gehabt. Die Luft wird dünner, denn hier geht es am Ende um Freiheit. Fern von Besitz, Ballast und Bulimie. Mit derKonsequenz, dass sich hier Pop positioniert. Brachial, radikal und unisono -als Band, die sich bekennt. "Am Ende bleibt dir nichts". Ein Album für dieResilienz des Daseins. Verwundbar und voller Widerstandskraft zugleich. Ein Plädoyer für Veränderung und sonst nichts.02.03.2023-München, Backstage03.03.2023-Wiesbaden, Kreativfabrik04.03.2023-Köln, Artheater07.03.2023-Leipzig, Neues Schauspiel08.03.2023-Dortmund, Junkyard09.03.2023-Hamburg, Indra10.03.2023-Hannover, LUX11.03.2023-Berlin, FrannzAnkündigung & Exklusiver Presale: 07.09.2022 –10:00 UhrVVK-Start: 09.09.2022 –10:00 Uhr

Nachholtermin vom 17.04.2022. Tickets behalten ihre Gültigkeit!

-Tickets im VVK gibt es bei. www.greyzone-tickets.de -

THE PROTOMEN sind weitaus mehr als eine gewöhnliche Rockband aus Nashville. Ihr erstes Album, Act I, enthält Elemente von Ennio Morricone, Queen und Black Sabbath, die in einem nie gehörtem Hörerlebnis gipfeln. Wer Angst vor himmelschreiender Verzerrung und epischem Chaos hat, wird das Album ACT II nur schwer verkraften. Es konzentriert sich auf eine Zeit, bevor "die Welt in Dunkelheit versank". Es ist ein heller und optimistischer Blick auf die, von THE PROTMEN erschaffene, Welt. Insgesamt haben sie die letzten 15 Jahre damit verbracht, sich eine große und treue Fangemeinde aufzubauen, indem sie sich und anderen in den Arsch getreten haben um auf den größten US-Festivals zu spielen und gelegentlich für Bands wie Tenacious D und Andrew W im Vorprogramm zu sein.Was die Zukunft angeht, so sind The Protomen derzeit im Studio und arbeiten an ihrem mehr als epischen neuen Album Act III.

-Tickets im VVK gibt es unter tickets@toutpartout.be -

-Tickets im VVK gibt es bei www.dodotickets.de -

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SOLiD spielen DIE SONGS aus den 80er
Die dein Herz u. Deine Seele berühren - eben HEART-ROCK.
Wenn du auf TOTO, Foreigner, Bon Jovi,
Journey etc. Stehst , solltest du dabei sein.
Wir freuen uns - keep on rockin

Mainfloor: (Classic Rock)

Tannz im Frannz- Floor: (80s, 90s, Trash)

From-Hell-Floor: (Hard Stuff)

Dardust ist Dario Faini – Komponist, Produzent und Pianist.

Dardust ist das erste italienische Projekt für Instrumentalmusik, das den minimalen Klaviersound mit der modernen elektronischen Welt aus Nordeuropa verbindet. Der Name Dardust ist eine ironische Hommage an Ziggy Stardust, den von David Bowie gespielten Außerirdischen, der eine immer noch andauernde Weltraumvorstellung inspirierte, sowie eine Hommage an das Duo Dust Brothers (das unter dem Namen The Chemical Brothers) und deren Debütalbum “Exit Planet Dust”.

Dardust ist eine Mission, die die Achse Berlin – Reykjavik – London durchläuft und sich von diesen Städten inspirieren lässt, indem sie eine Trilogie von Platten darauf aufbaut: Der erste Schritt ist Berlin, wo das Album “7” aufgenommen wurde (Funkhaus Studios / 2015); das zweite Album “Birth” wurde dagegen in Reykjavik aufgenommen (Sundlaugin Studios / 2016). Das dritte Album “S.A.D. Storm and Drugs” wurde zwischen London und Edinburgh geschrieben und aufgenommen. Dardust ist ein multidimensionales Live-Erlebnis, das aus einem faszinierenden und emotionsgeladenen klassischen Set, gemischt mit fesselnden Elektro-Sounds und einer breiten Palette von spektakulären visuellen Effekten besteht.

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Mit der Fusion aus 80’s Pop, Indie-Rap, Disko-Sound, Elektro-Vibe und einem großen Schuss Gefühl greift Tropikel Ltd. die innere Zerrissenheit der Generation Y auf und heilt diesen Konflikt mit großen romantischen Momenten. Die dreiköpfige Band öffnet Rap für Indie sowie Pop und Humor mit einer überzeugenden Direktheit - dabei werden die existentiellsten Themen unserer Zeit besungen: Liebe, Verlangen und Emotions.
Tropikel Ltd. überzeugen mit einer spannenden Mischung aus atmosphärischen Funk-Vibes, Synth-Sounds und softem Indie-Rap
Mit dem Coming-Of-Age Song „Sie will mit mir küssen“ (feat. Young Meyerlack [Erotik Toy Records]) konnte Tropikel Ltd. seit Release Ende Februar 2020 allein auf Spotify über 600.000 Streams verbuchen und damit einen ersten Achtungserfolg erzielen.Auch die Ende März 2021 erschienene Single "Puls 1000" feat. futurebae erfülllt das das Prädikat Smashhit - allein auf Spotify über 1.600.000 Streams.
Mit der am 1.Juli 2022 releasten aktuellen EP "Achtung Fragile" und den vorabreleasten Singles "Achtung Fragile" , "Bisschen Angst" und "Livesaver" greifen Tropikel Ltd. diesen Vibe auf - gewohnt funky, gewohnt aufgeweckt (natürlich fehlt es nicht an Romantik) - und zeigt, dass Tropikel Ltd. an der Schwelle stehen sich vom gegenwärtigen Status eines echten Geheimtipps zu einer der spannendsten Newcomer Bands zu entwickeln.

Musikvideos:

Tropikel Ltd. - Achtung Fragile
youtu.be

Tropikel Ltd. Instagram:
www.instagram.com

VVK Link:
www.eventim.de

Preis: 28€ zzgl. Geb.

Tickets sind online sowie an allen bekannten Vorverkaufsstellen erhältlich!

AESTHETIC PERFECTION ist ein zu 100% unabhängiges Industrial-Pop-Projekt, bestehend aus dem in Los Angeles geborenen Produzenten Daniel Graves und dem in New York City lebenden Drummer Joe Letz. In ihrer 20-jährigen Karriere, nach sechs Alben und zahlreichen Singles und Musikvideos, haben Graves und seine Crew den Dark-Electro neu erfunden, indem sie Industrial, Pop und alles, was dazwischen liegt, kombiniert haben.

Obwohl das Mainstream-Publikum sie seit Jahrzehnten nicht auf dem Radar hatte, sind AESTHETIC PERFECTION keine Unbekannten in der Musikwelt: die Band hat zahllose ausverkaufte Shows in Europa und Amerika gespielt. Ihr Erfolg auf kleineren Bühnen hat sie auch auf ihr jüngstes Abenteuer vorbereitet: den Support von Till Lindemann (Rammstein) auf seiner 2020er-Tournee mit seinem Nebenprojekt LINDEMANN.

Neben zahlreichen Kollaborationen wie zum Beispiel mit Richard Z. Kruspe (RAMMSTEIN), Jinxx (BLACK VEIL BRIDES), CELLDWELLER, Nikki Misery (NEW YEAR’S DAY) und Sebastian Svalland (PAIN / LINDEMANN) hatten sie auch Songs im einem Netflix-Programm und Filmen, sowie im Soundtrack zu „The Underworld: Awakening“.

Die Instabilität des Musikbusiness während der Corona-Pandemie hat schließlich zum „12 Singles in 12 Monaten“-Projekt geführt. Im Rahmen des Projektes wurden im ganzen 12 Singles veröffentlicht, die letzte davon „Lonesome Ghosts“ am 3. Dezember 2021.

-Vorverkauf startet am 07.12., 10 Uhr-

Als das erste Album von The Blue Stones im Jahr 2018 erschien, war es eigentlich bereits das zweite oder dritte erste Album des kanadischen Duos. Schließlich stehen Sänger und Gitarrist Tarek Jafar und Schlagzeuger Justin Tessier schon seit 2011 gemeinsam auf der Bühne und hatten rasch mit ihren Bandcamp-Veröffentlichungen wie der EP „How’s That Sound“ und dem mitreißenden Garagen-Kracher „Rollin‘ With The Punches“ ziemlich viel Erfolg. Ebenfalls auf der Plattform erschien 2015 dann „Black Holes“ das erste Mal, bevor es 2018 erneut und produktionstechnisch aufgefrischt ein zweites Mal vorgelegt wurde. Und der mitreißende Bluesrock voll prägnanter Riffs und überbordender Hooklines krachte mit Volldampf ins Duo-Farbenspektrum zwischen den White Stripes und den Black Keys. Vor Kurzem ist das dritte oder vielleicht auch fünfte Album erschienen. Egal, auf „Pretty Monster“ führen The Blue Stones zusammen, was vorher noch disparat war. „Black Holes“ (Juno-Award-Nominierung für die Breakthrough Group of the Year) war die kratzige und rauhe Seite der beiden, auf dem der Nachfolger „Hidden Gems“ (Juno-Award-Nominierung für Rock Album of the Year) lauschten sie atmosphärisch neuen Stilen nach, um auf der jüngsten Platte beides zu verbinden und eine volltönende Soundmaschine daraus zu machen. Auf der Bühne widersetzen sich The Blue Stones schon immer allen Gesetzen der Physik und erzeugen einen Sound, den zwei Menschen alleine in dieser Intensität eigentlich gar nicht machen können. Und doch haben sie es dieses Mal geschafft, dieses leicht entflammbare Chaos auch im Studio zu erzeugen und gleichzeitig ihr Songwriting in neue Höhen zu schrauben. Hier wird die rohe Kraft des Rock’n’Roll mit einem schottrigen Bluesrock, grummelnden Pop-Einschlägen und eingestreuselten charmanten Details verbunden, dass es nur so in den Speakern scheppert. Gut so, denn dann wird es live umso lauter, wenn The Blue Stones wie das musikalische Äquivalent eines fauchenden Katers über die Bühne stromern.

- Tickets im VVK gibt es bei dice.fm -

After their Play Test tour in small and alternative venues, Agar Agar announce a new album to be released on 20th January 2023 and a European tour! Clara Cappagli and Armand Bultheel are back with a video game developed by Jonathan Coryn. “Player Non Player” , the name of the album and video game, touches many subjects such as invasion of intimacy, the need to escape defined boundaries, and even dragons.
An immersive scenography produced by Alexandre Kontini (who has worked with Oklou and Bonnie Banane) will recreate the experience into the live show.

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Von dem Moment an, in dem das Quintett Boston Manor mit „Here/Now“ 2013 seine erste EP veröffentlicht hat, war man in Großbritannien gewiss, dass hier eine neue Band heranreift, die der emotionalen Gitarrenmusik aufregende weitere Facetten hinzufügen kann. Dies bestätigte sich ab 2016 mit der Veröffentlichung ihrer ersten Longplayer „Be Nothing.“ und „Welcome to the Neighbourhood“, auf denen Boston Manor noch stärker im Pop-Punk und Post-Hardcore verortet waren, aber bereits bewiesen, dass ihnen stumpfe Einsortierungen in eine bestimmte Schublade zu eng sind. Mittlerweile haben die fünf Musiker aus Blackpool gewissermaßen eine eigenes „Boston Manor“-Genre kreiert, das sich ziel- und geschmackssicher ebenso im Grunge wie im Punk bedient, das poppig-griffige Melodien mit der Brachialität des Hardcore ermengt, das an die besten Momente des 90er-Emocore erinnert und gleichzeitig absolut „State of the art“ ist.

Das Seebad Blackpool im Nordwesten Englands in der Grafschaft Lancashire, direkt an der irischen See gelegen, ist im Grunde eine bildhübsche Stadt direkt am Meer. Doch was man als Tourist nicht sofort sieht, sind die lokalen Probleme aus Drogenkonsum, Misswirtschaft und einer Arbeitslosigkeit von über 40 Prozent in den Wintermonaten. Gerade für junge Menschen ist es schwer, hier eine Karriere oder wenigstens einen Lebenssinn zu finden. Und so entschieden fünf junge Freunde – Sänger Henry Cox, die Gitarristen Mike Cuniff und Ash Wilson, Bassist Dan Cuniff und Schlagzeuger Jordan Pugh – im Jahr 2013, ihr Glück als Profimusiker zu versuchen und gründeten Boston Manor, eine Band, die sich vom Start weg leichtfüßig zwischen Pop-Punk, Emo-Pop und härteren Post-Hardcore-Momenten bewegte. Nach ihren ersten drei EPs erschien 2016 ihr Debütalbum „Be Nothing.“, das in Großbritannien auf viel Interesse und zahlreiche hervorragende Kritiken stieß. Erste landesweite Tourneen sowie ein Abstecher in die USA belegten in der Folge zudem, was für eine ausgezeichnete Liveband Boston Manor ist.

Trotz intensiven gemeinsamen sechs Jahren und den vielen Erfahrungen sagte die Band selber, dass sie erst 2018 mit Erscheinen des zweiten, ihre schwierigen Lebensumstände in Blackpool konzeptionell aufgreifenden Albums „Welcome to the Neighbourhood“ herausgefunden habe, „wer wir eigentlich genau sind und was wir machen wollen.“ Stilistisch bedeutete dies eine Öffnung hin zu neuen Sounds und weiteren Stilistiken – als Inspirationen zog sich das Quintett so unterschiedliche Bands wie Nine Inch Nails, Failure, Tool und die Deftones heran. Insbesondere der Einsatz von sinistren Keyboards und dunklen Klangflächen war ein neues Element in der Musik von Boston Manor. Auf dieses zweite Album folgte 2019 die reine Akustik-EP „England’s Dreaming“, die einmal mehr bewies, dass Boston Manor nicht nur brillante Genregrenzen-Sprenger, sondern ebenso feinsinnige Songwriter sind. Ein halbes Jahr später belegte das dritte Album „Glue“, dass die bandeigene Suche nach ihrer inneren Chemie und stilistischen DNA immer weiter fortschreitet.

Seit ihrem Labelwechsel von Pure Noise zu Sharptone Records zeigt das Quintett nun ungebrochene Kreativität und Leistungsfähigkeit an allen Grunge-, Alternative- und Punkrock-Fronten. Sowohl die EP „Desperate Times, Desperate Pleasures“, ihre nunmehr sechste, sowie das Mitte Oktober erschienene, vierte Album „Datura“, mit dem Boston Manor im April nach Deutschland kommen, belegen aufs Feinste, warum das britische Kerrang!- Magazin Boston Manor als „Stimme einer neuen Generation“ bezeichnet.

Ramirez (oftmals auch Rvmirxz geschrieben) lauert gerne im Schatten und erzählt von dort aus über die Härte des Alltags in den Straßen US-amerikanischer Großstädte. Seine Texte sind in paranoide Reflexionen sowie angsteinflößende Berichte über Mord und Verstümmelung getaucht. In den vergangenen Jahren hat der selbsternannte „Silver Back Gorilla“ eine einzigartige Mischung aus 90er-Memphis-Horrorcore und Bay-Area-Rap geschaffen, die ihn zu einem Star unter den mit Social Media aufgewachsenen Menschen machte. Seine gemeinsamen mit den $uicideboy$ veröffentlichten Hits „Grey Gods“ und „Sarcophagus II“ zählen auf Soundcloud mehr als 20 Millionen Streams, andere Single-Auskopplungen wie „The Boys Are Back in Town“, „The Fo Five“ oder „Na Na Na Na Na (Caught Slippin)“ verzeichnen bei Spotify zwischen 35 und knapp 70 Millionen Plays. Und dies alles als ein Selfmade- und Underground-Rap-Künstler, der die Zusammenarbeit mit der „Industrie“ konsequent verweigert. Mit seinem achten Mixtape „The Tragedy of a Clown“ geht Ramirez im kommenden Frühjahr auf Europatournee und macht im April für drei Deutschlandkonzerte in Berlin, Hamburg sowie Köln Halt.

Der 1998 als Ivan Ramirez geborene MC mit hispanischen Wurzeln begann seine ersten Reime zu spitten, als er in die Pubertät kam. Seine erste EP veröffentlichte er mit 16 Jahren – und konnte sich gleich als eine neuartige Stimme im US-Rap-Game positionieren. Sein Selbstverständnis als Geschichtenerzähler ist tief im Mission District von San Francisco verwurzelt, einem Ort, an dem Ramirez alles Wilde, Verbotene und Verruchte von den großen Rappern der Stadt aufgesogen hat. Er versteht Cellski als künstlerische Vaterfigur und erinnert sich an Andre Nickatina als den ersten MC, der ihn davon überzeugte, dass er es selber zu einer Meisterschaft im Rappen bringen wollte. Doch Ramirez hat auch immer Einfluss aus anderen Regionen bezogen, insbesondere den Südstaaten der USA mit ihrem ganz eigenen Hip-Hop-Style. Sein Bruder machte ihn mit dem Houston Rap bekannt, vor allem mit DJ Screws benebelten, zerhackten Produktionen, während sein Onkel ihm alte Three 6 Mafia-Bänder gab und Ramirez damit einen ersten Eindruck bot von der Underground-Rapszene von Memphis, die seinen Flow stark inspirierte: so schnellfeuernd und stakkatohaft wie ein halbautomatisches Gewehr.

Kein Wunder also, dass es den jungen Mann von der Westküste in den Süden zog, als er seine Rap-Karriere starten wollte. Ramirez lernte Ruby da Cherry und $crim – die in New Orleans ansässigen MCs und Produzenten hinter den $uicideboy$ – 2015 über Twitter kennen und wurde zu einem Gründungsmitglied ihres Labels G*59 Records. Seither arbeiten sie kontinuierlich eng zusammen: Eine Vereinigung, die es ihnen ermöglicht hat, eine Kult-Gefolgschaft für ihre wortreichen Erzählungen des Straßenalltags zu finden. Beeinflusst von den immer wütenden Tendenzen der $uicideboy$ hat Ramirez diese erweitert, um seinen eigenen Kanon der Gewalt und Selbstmedikation zu konstruieren. Seine Verse waren lange Zeit drogeninduzierte Wutausbrüche, angeheizt durch Percocet und Promethazin.

In diesem Jahr erschien mit „The Tragedy of a Clown“ sein bereits achtes Mixtape – neben vier weiteren Alben sowie zehn EPs in nur sieben Jahren – und es erzählt von dem nun geläuterten Ramirez. „Der Zweck eines Clowns ist es, aufzutreten und zu unterhalten“, erklärt er. „Aber manchmal verbergen Clowns ihre wahren Gefühle, indem sie sich die Freude ins Gesicht malen. Die Realität ist, dass Clowns nicht immer zufrieden sind, aber immer diese glückliche Rolle spielen müssen, auch wenn sie ausgelacht werden. Dies bezog sich auf mich, als ich in den letzten Jahren nüchtern geworden bin und gegen Depressionen gekämpft habe. Die Aufnahme dieses Albums hat mir geholfen, einige schwierige Zeiten zu überstehen, und ich hoffe, dass es mir hilft, meine Liebe und Leidenschaft für das Musikmachen auf eine andere Weise noch einmal neu zu entdecken.“

Tickets im VVK gibt es hier: www.eventim.de

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- Tickets im VVK gibt es bei www.eventim.de -


„Eine Stimme die Autos entlackt!“ – so kündigte das Reeperbahnfestival einst die Hamburger Band WELLBAD um den Frontmann Daniel Welbat an. Die Band beweist mit ihrem kantigen „Rock-Noir-Blues“ immer wieder, dass sie eine große Liebe für musikalische Artenvielfalt haben.

WELLBADs genreübergreifender Mix aus Roots-Rock, Jazz, Blues und Hip-Hop hat die Hamburger Band innerhalb kürzester Zeit aufs internationale Parkett befördert. Beim legendären Montreal Jazzfestival in Kanada, auf der Beale Street in Memphis (USA) oder im europäischen Ausland: WELLBADs Auftritte werden international regelrecht gefeiert.

„Wir werden oft gefragt, welches Genre wir eigentlich machen. Blues, Jazz, Rock, Alternative?... Hier kommt die Antwort: Rock Noir! Wir bringen 120 Prozent Leidenschaft auf die Bühne, wir brennen dafür!“, so Daniel Welbat. WELLBAD-Shows fühlen sich an wie ein Trip durch Himmel und Hölle, der keine Empfindung ausspart und tief berührt. Daniel Welbat und seine Band leben ihre Songs auf der Bühne und nehmen ihr Publikum mit auf eine intensive und berauschende Jagd nach Geschichten und Träumen.

Im März 2023 veröffentlicht die Band ihr neues 14-Track starke Album mit dem Titel „Bad Habits“. Entstanden ist dieses während des Corona Lockdowns, der Daniel Welbat mental in die Knie zwang. Abgeschottet von der Welt fiel sein Blick ungefiltert auf das, was man gerne schlechte Angewohnheiten nennt. Ausgestattet mit einer Kiste Whisky und einem Koffer Zigarren hat der Liedermacher sich auf seine Art mit diesen bad habits beschäftigt und sich in eine musikalische Meditation begeben. Somit ist das neue Album sicherlich sein bisher persönlichstes.

-Tickets im VVK gibt es in Kürze bei www.dodotickets.de : (kein VVK im Frannz Office)-

Das Hamburger Trio SONO ist ohne Zweifel eine der konstantesten Größen der elektronischen Tanzmusik und aus der Szene nicht weg zu denken. Im Jahr 2020 feiert die Band ihr 20 Jähriges Jubiläum und beschenkt ihre Fans zu diesem Anlass mit einem Best of Album der Extraklasse. Neben brandneuen Songs wird das Album auch Remixe ihres größten Hits „Keep Control“ enthalten.
Das Album erscheint im Januar 2020.

Den Tour Trailer findet ihr hier:

www.youtube.com

-Tickets gibt es für 20€ zzgl. Geb. unter www.schoneberg.de und an allen bekannten Vorverkaufsstellen-

Das im Frühjahr 2023 erscheinende dritte Album von Fenne Lily mit dem Titel „Big Picture“ ist ein ergreifendes Porträt der letzten zwei Jahre im Leben dieser großartigen Künstlerin. Die Songs, aus denen ihr neuestes Werk besteht, wurden nach persönlichen und den globalen Turbulenzen und Herausforderungen zögerlich begonnen und im Laufe der Pandemie immer weiter zusammengefügt, um sich selbst als Person und Künstlerin neu zu verankern und wieder mit der Welt zu versöhnen. „Das Schreiben dieses Albums war mein Versuch, eine Art Ordnung in die Katastrophe von 2020 zu bringen“ sagt Fenne Lily selber. Aber sie fügt hinzu: “This isn’t a sad album – it’s about as uplifting as my way of doing things will allow.”
Das nachdenkliche, intime und sehr ehrliche „Big Picture“ wurde live im Studio aufgenommen und ist Fennes bisher kohärentestes und entschlossenstes Werk, sowohl textlich als auch musikalisch. Es behandelt die Liebe zwischen zwei Menschen, und anders als ihre ersten beiden Alben nicht aus der nachträglichen Reflektion heraus, sondern die Betrachtung des Zusammenseins im Hier und Jetzt.
Mit ihrem neuen Album und ihrer unfassbar beruhigenden Stimme kommt Fenne Lily endlich wieder zu uns nach Deutschland, nachdem ihre Tour zu ihrem zweiten Album leider aufgrund der Pandemie 2020 komplett abgesagt werden musste. Es ist jetzt endlich an der Zeit, uns von ihr verzaubern zu lassen.
Fotocredit: Michael Tyrone Delaney

-Tickets im VVK bei www.dodotickets.de

MORITZ GARTH ist nicht nur einer der erfolgreichsten deutschen Social Media-Stars mit über 450.000 Abonnenten auf Youtube und 270.000 Instagram-Followern. Der 26jährige Wahl-Berliner setzte auch schon große musikalische Ausrufezeichen. Nicht zuletzt mit seinem 2018er-Hit „Bumerang“, der allein auf YouTube über acht Millionen Klicks aufweist.

MORITZ GARTH wuchs in der zweitkleinsten Stadt Deutschlands, in Kusel/Rheinland Pfalz, auf. Nachdem seine Großeltern ein Klavier hatten, probierte er sich schon früh an den schwarz-weißen Tasten aus: „Als Kind habe ich mich immer drangesetzt und war davon fasziniert. Als meine Eltern mich fragten, welches Instrument ich gerne lernen möchte, habe ich mich für Klavier entschieden; da war ich acht Jahre alt. Daraufhin hatte ich über neun Jahre Unterricht, traute mich aber nie zu singen.“ Erst mit 15 unternahm MORITZ GARTH erste Versuche mit seiner Stimme. „2012 habe ich das erste Video von mir singend am Klavier aufgenommen und auf YouTube hochgeladen. Die alten Videos sind aber schon lange nicht mehr online.“

Aus den ersten zaghaften musikalischen Alleingängen wurden im Laufe der Zeit eine ganze Reihe fantastischer Songs mit großartigen, professionellen Videos, die allesamt hohe bis höchste Klickzahlen aufweisen. „Irgendwie hatte ich schon immer das Gefühl, dass ich mich auf der Bühne wohlfühle, dass ich Musik machen möchte. Sicher war ich mir dann nach den Erfolgen der ersten eigenen Songs, besonders nach dem Erfolg von „Bumerang“, als ich gemerkt habe, dass ich mit meiner Musik das Leben von anderen Menschen positiv beeinflussen und ein wenig besser machen kann. Auch wenn es nur der Moment ist, wenn sie den Text hören und sich denken: `Ja das kenn ich auch, mir geht es nichtallein so´!“

2018 wurde der aufstrebende Singer/Songwriter mit dem ABOUT YOU – Award und mit der Goldenen Kamera in der Kategorie „Best Music Act“ ausgezeichnet. Er konnte Lea als Support auf ihrer „Fahrtwind“-Tour 2018 begleiten, bevor es im Frühjahr 2019 auf die eigene „Bumerang Club“- Tour ging. Zudem spielte MORITZ GARTH zusammen mit Acts wie Glasperlenspiel, Max Giesinger oder Nico Santos auf diversen Festivals – bis Corona auch den jungen Künstler in den Lockdown schickte. „In der Zwangspause hatte ich viel Zeit zu schreiben und zu verstehen, was meine Musik wirklich ist. Das hatte ich vorher nicht, als ich jeden Tag präsent sein musste, sei es im Studio, im Fernsehen, bei Live-Auftritten oder auf Social Media. Die Pause war hart, aber auch eine sehr lehrreiche Zeit, aus der ich viel mitnehmen konnte und mich für das bereit gemacht hat, was in Zukunft auf mich zukommt!“ Die im November 2021 veröffentlichte Single „Zeit für uns“ ist in einer Songwriting-Session zusammen mit Robert Redweick und Sebastian Kirchner entstanden. Wie so oft ist dieser Song autobiografisch beeinflusst. „Ich war damals noch in einer Beziehung, die eigentlich sehr schön war und die bestimmt auch noch sehr lange gut gelaufen wäre, aber ich hatte für mich selbst gemerkt, dass es für mich JETZT gerade nicht das richtige ist. Vielleicht irgendwann, vielleicht auch nicht, aber jetzt definitiv nicht! Und mit dem Gedanken bin ich in die Session, habe das den Jungs erzählt und wir haben den Song geschrieben. Es ist ein sehr ehrlicher und persönlicher Titel.“ Bei MORITZ GARTH hat man immer wieder das Gefühl, er öffnet sein Tagebuch, vertont sein Leben und teilt es mit seinen Fans. „Zeit für uns“ -ein weiterer Meilenstein in der noch jungen Karriere des talentierten Musikers. „Ich bin schon sehr gespannt darauf, wie meine Fans den neuen Song finden, ob sie sich damit identifizieren können oder was sie in den Song rein projizieren.“ Der Track rangierte Wochen in den TOP5 der Deutschen TikTok Creations, kann unterdessen rund 6 Mio. Spotify-Streams und weit über 1 Mio. Youtube-Klicks verzeichnen. Was für ein Aufschlag nach der Pause. Im Mai 2022 erscheint mit „Liebe“ nicht nur die vielbeachtete Folgesingle, mit der MORITZ GARTH auf Festivaltour gehen wird, „Liebe“ ist auch der bezeichnende Titel der für Frühjahr 2023 angekündigten eigenen Headlinertour.

-Tickets im VVK gibt es bei www.koka36.de und bei www.eventim.de -

Eefje de Visser ist ein Phänomen. Seit zehn Jahren gilt sie in den Benelux-Staaten als Pop-Visionärin, die auf bislang vier Studioalben ihren atmosphärischen Pop in alle Richtungen ausgelotet hat. Kurz vor dem Lockdown erschien mit „Bitterzoet“ die bislang beste und vielseitigste Platte der Frau aus den Niederlanden. Dafür erhielt sie in ihrer Heimat etliche Musikpreise wie den Edison Popprijs in den Kategorien Alternative und Best Record, den 3FM Award als Best Artist, den Gouden Notenkraker und den Buma Award für das Best Album und Best Album Alternative. Vor allem ihre Fans feierten die Songs, in denen sie die niederländische Sprache auf poetische Weise nutzt sowie die kleine Welt, die Eefje de Visser darum geschaffen hat. Die Künstlerin nutzt zusätzlich zu ihrer Musik zunehmend andere Kunstformen wie Film und Tanz. In ihren Shows taucht diese Kombination verschiedener Künste immer wieder auf und macht die Konzerte zu einzigartigen audiovisuellen Spektakeln an der Schnittstelle von Kunst und Musik, wie man auch im famosen Konzertfilm sehen kann, der ebenfalls den Titel „Bitterzoet“ trägt. Im April dieses Jahres erschien mit „Blauwe Regen“ eine EP, auf der die Niedrländerin zusammen mit ihrem Produzenten und Multiinstrumentalisten Pieterjan Coppejans ihren Weg weitergeht. Bereits im Oktober war Eefje de Visser bei uns auf Tour und hat mit ihren beeindruckenden Shows mehr als überzeugt. Jetzt hat sie bestätigt, dass sie im kommenden Mai zwei weitere Konzerte spielen wird. Dieses Mal aber, so hat die Sängerin angekündigt, wird sie von einer Band begleitet werden.

Ingrid Andress aktuelles, von der Kritik hochgelobtes Album “Good Person” knüpft an den großen Durchbruch an, den sie mit ihrem Debütalbum “Lady Like” im Jahr 2020 erzielte, das ihr den Weg zu mehr als einer Milliarde Streams ebnete und ihr drei Grammy Award-Nominierungen einbrachte. Ihre aktuelle Single Wishful Drinking (mit Sam Hunt) erwies sich als einer ihrer bisher größten Hits und erreichte eine Top-5-Position in den Charts sowie eine Platin-Zertifizierung in den USA. Jetzt kündigt Ingrid Andress ihre Rückkehr nach Großbritannien und Europa mit ihrer The Good Person-Headline-Tour an, die für Mai 2023 geplant ist und erfreulicherweise auch drei Shows in Deutschland in Köln (17.5.), Berlin (19.5.) und Hamburg (20.5) beinhaltet.
Ingrid sagt: “Nach langem Warten (vielen Dank an meine Fans für ihre Geduld) freue ich mich so sehr, endlich wieder für die ‘The Good Person’-Tour über den großen Teich zu fahren! Diese Tour wird definitiv das Versäumnis der letzten 3 Jahre wettmachen – wir werden gemeinsam traurige Lieder singen, die neuen *glücklichen* Lieder und so viel mehr. Ich bin so aufgeregt, mein neues Album für alle zu spielen, besonders an Orten, an denen ich noch nie war, und all die schönen Gesichter meiner Fans zu sehen! ”

Der Vorverkauf für die unten aufgeführten Shows beginnt am Freitag, den 18. November, ab 10 Uhr HIER. Nick Wilson wird die Tournee als Special Guest begleiten.
Good Person, das komplett von Ingrid mitgeschrieben und mitproduziert wurde, kehrt zu der Reflexion und dem Bekenntnis zurück, die den Kern des “Lady Like”-Albums ausmachten, und geht sogar noch weiter, indem es dem Songwriting im Nashville-Stil einen eleganten Pop-Anstrich verleiht. In ihrem Bestreben, Grenzen zu überschreiten, kreierte Ingrid kühne, experimentelle Klänge, bei denen sie Banjos mit Vocodern mischte, von ausladenden Orchestrierungen zu sparsamen, akustisch basierten Arrangements wechselte und bisher unerforschte Bereiche ihres Stimmumfangs präsentierte. „Lady Like” wurde bei seiner Veröffentlichung zum Debütalbum einer weiblichen Country-Künstlerin mit den meisten Streaming-Zugriffen aller Zeiten, ein Erfolg, der durch die immense Popularität der Singles More Hearts Than Mine und des Titeltracks unterstützt wurde. Neben ihrer eigenen Künstlerinnenkarriere ist Ingrid auch eine gefragte Songwriterin, die unter anderem für Charli XCX, LANY, Bebe Rexha und FLETCHER schreibt.

With six studio albums and almost 20 years under their belt, longstanding Americana triumvirate The Devil Makes Three (TDM3) continues to write, tour, and play as hard as ever they have.
Consisting of frontman and main songwriter Pete Bernhard on lead vocals and acoustic guitar, multi-instrumentalist and vocalist Cooper McBean on acoustic guitar, banjo and harmony vocals, and welcoming stand-up bassist and harmony vocalist MorganEve Swain (Brown Bird, The Huntress and Holder of Hands), TDM3 is known for dark, literary music rooted in the troubadour traditions of wandering folk, Delta blues, whiskey-soaked ragtime, and reckless rock ‘n’ roll.

The band’s journey could be deemed worthy of a novel. Their self-titled 2002 debut brought early success, yielding the now-classic “Old Number Seven,” “Graveyard,” “The Plank,” and more as the band organically attracted a die-hard following through constant touring, frenetic live shows, and subsequent hit albums.

Each critically-acclaimed and beloved by fans, these releases include Longjohns, Boots and a Belt (2004), Do Wrong Right (2009) and 2014’s I’m a Stranger Here, which marked the band’s first appearance on the Billboard Top 200. TDM3’s 2016 covers album, Redemption & Ruin gained the group their second #1 bow and fourth consecutive top-five debut on the Billboard Top Bluegrass Albums Chart. This pivotal album also garnered widespread acclaim from the likes of Entertainment Weekly, American Songwriter, The Boston Globe and more.
The Devil Makes Three’s 2018 release, Chains Are Broken, is considered the trio’s most sophisticated effort to date, exhibiting a willingness to “push beyond [their] somewhat cult audience” (American Songwriter). Chains Are Broken continues to resonate with fans thanks to Pete Bernhard’s mature, provocative lyrics and vocals and guitar/banjo aficionado Cooper McBean’s signature style.

Over the years, TDM3 has cast an unbreakable spell on audiences everywhere from Lollapalooza and Bonnaroo, to Hardly Strictly Bluegrass, Hangout Fest, and Shaky Knees. They are currently writing a new album of original material, scheduled to be released in the latter half of 2021.

-Tickets im VVK gibt es unter www.ticketmaster.de -

Anfang Dezember erschien seine Debut-EP „Sad Boy Summer“. Wir freuen uns jetzt auf die erste Clubtour von MYLE. Im September kommt er mit seinen warmen Gitarrensounds, catchy Hooks und souligem Gesang auf „MYLE TOUR 2023“ und spielt im Frannz Club.